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Indio Solari - biografía & discografía

2011-01-04T21:15:00.004-03:00

Biografía

Carlos Alberto "El Indio" Solari nació en Concordia, provincia de Entre Ríos, en 1949. Fue, junto a Skay Beilinson, la figura más importante de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, banda emblemática del rock argentino entre comienzos de los '80 y los '90.

De bebé, sus padres se mudaron a La Plata, donde pasaría toda su infancia y adolescencia. Cursando la escuela conoció a Isa Portugheis, quien sería su gran amigo, y a Guillermo Beilinson. Éstos dos participaban de Diplodocum. El Indio conoció luego a Eduardo Beilinson, hermano de Guillermo, apodado Skay. Juntos comienzan a componer: de esa época son, por ejemplo, "Mariposa Pontiac", "Blues del noticiero" y "Un tal Brigitte Bardot".

Pese a que nunca fue un miembro estable, Solari participaba de La Cofradía de la Flor Solar, la comunidad hippie fundada por el artista plástico Rocambole. En una gira por el norte del país, junto a Skay y a otros músicos, concretaron el proyecto de Patricio Rey, que se plasmaría recién en un disco debut ("Gulp!") en el '85.

Disueltos Los Redondos en el 2001, el Indio le dio forma a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, compuesta por Gaspar Benegas y Baltasar Comotto en guitarras, Marcelo Torres en bajo, Hernán Arramberri en batería, Alejo von der Pahlen en saxo y Ervin Stutz en trompeta y trombón. Con esa formación gabaron "El tesoro de los inocentes (bingo fuel)", su primer trabajo solista. Fue presentado el 12 y 13 de noviembre de 2005 en el Estadio Ciudad de La Plata y en diciembre en Montevideo, Uruguay.

Su segundo disco "Porco Rex", salió en diciembre de 2007. Entre los 13 tracks se destaca "Veneno paciente", cantado a dúo con Andrés Calamaro (aunque acreditado a "el Inefable Señor Gama Alta"). Presentó el material en vivo el 12 de abril de 2008, en el anfiteatro de Jesús María, Córdoba.

Durante el 2010 se mantuvo en silencio, hasta que en noviembre convocó a unas 100.000 personas para su único show del año, en el Hipódromo de Tandil. Y a comienzos de diciembre lanzó "El perfume de la tempestad", su tercer trabajo solista.

Discografía

Indio Solari - El Tesoro De Los Inocentes (Bingo Fuel) (2004)
Indio Solari - Porco Rex (2007)
Indio Solari - El Perfume De La Tempestad (2010)

RX Bandits - biografía & discografía

2010-06-25T00:22:00.005-03:00

Biografía

Rx Bandits es una banda de ska-punk, proveniente de Seal Beach, California, compuesta actualmente por Matthew Embree, Steve Choi, Chris Sheets, Joseph Troy y Christopher Tsagakis. La banda se formó en 1996 en Orange County, California. Originalmente conocidos como The Pharmaceutical Bandits, han aparecido en el Vans Warped Tour, Bonnaroo Music, festivales de arte y en el Bamboozle.

Miembros
Matt Embree
Steve Choi
Joseph Troy
Christopher Tsagakis
Jerry Shirley

Discografía

Demo(nstration) (1996)
Those Damn Bandits (1997)
Halfway Between Here and There (1999)
Progress (2001)
The Resignation (2003)
...And The Battle Begun (2006)
Live From Bonnaroo (2007)
Mandala

Humble Pie - biografía & discografía

2010-06-22T23:24:00.005-03:00

Biografía

Humble Pie fue un grupo británico de hard rock y uno de los primeros supergrupos de rock and roll, que incluía a Steve Marriott de los Small Faces, Peter Frampton de The Herd y Greg Ridley de Spooky Tooth. Influenciados por el blues y el soul americano, desarrollaron un sonido blues rock que demostró ser fundamental para muchos grupos posteriores de hard rock y heavy metal. Son mejor conocidos por sus grabaciones de rock duro y sus conciertos entre 1969 y 1975.

Miembros
Steve Marriott
Peter Frampton
Clem Clempson
Greg Ridley
Jerry Shirley

Discografía

Humble Pie - As Safe As Yesterday Is (1969)
Humble Pie - Town And Country (1969)
Humble Pie - Humble Pie (1970)
Humble Pie - Rock On (1971)
Humble Pie - Smokin' (1972)
Humble Pie - Eat It (1973)
Humble Pie - Thunderbox (1974)
Humble Pie - Street Rats (1975)
Humble Pie - On To Victory (1980)
Humble Pie - Go For The Throat (1981)
Humble Pie - Back On Track (2002)

Elliott Smith - biografía & discografía

2010-06-22T21:53:00.005-03:00

Biografía

Steven Paul Smith (6 de agosto de 1969 – 21 de octubre de 2003), más conocido como Elliott Smith, fue un cantautor estadounidense de indie pop. Su instrumento principal fue la guitarra acústica, aunque también utilizaba el piano, el clarinete, el bajo, la armónica y la batería. Smith tenía una suave voz característica y habitualmente recurría a la grabación multipista de su propia voz para crear armonías vocales.

Aunque Smith nació en Omaha, Nebraska, creció en Texas, y murió en Los Ángeles, California, residió durante la mayoría de su vida en Portland, Oregón, donde consiguió sus primeros éxitos.

Antes de empezar su carrera en solitario, tocó durante varios años en la banda de rock Heatmiser, con la que llegó a sacar varios discos. Sacó su primer disco en solitario en 1994 con publicaciones de los sellos independiente Cavity Search Records y Kill Rock Stars. Posteriormente firmó un contrato en 1997 con la discográfica mucho mayor DreamWorks Records, con la que sacó dos álbumes. Smith llegó al gran público cuando su canción Miss Misery, incluida en la banda sonora de la película Good Will Hunting, fue candidata a los Óscar en la categoría mejor canción original de 1997.

Smith luchó contra la depresión, el alcoholismo y la drogadicción durante muchos años, y estos temas fueron habitualmente tratados en las letras de sus canciones. Murió en 2003, a los 34 años, de dos puñaladas en el pecho aparentemente autoinfligidas. Las circunstancias de su muerte no fueron totalmente esclarecidas en la autopsia.

Discografía

Elliott Smith - Roman Candle (1994)
Elliott Smith - Elliott Smith (1995)
Elliott Smith - Either/Or (1997)
Elliott Smith - XO (1998)
Elliott Smith - Figure 8 (2000)

Ñu - biografía & discografía

2009-10-28T08:17:00.004-03:00

Biografía

Ñu es un grupo de heavy rock/rock progresivo con influencias folk español liderado por el cantante y flautista José Carlos Molina, inspirado en la música del grupo de rock británico Jethro Tull y de su líder, Ian Anderson. Cuenta con una de las mayores trayectorias en su género musical en España.

El origen del grupo se remonta a 1975 cuando José Carlos Molina y Rosendo Mercado cambiaron el nombre de Fresa, en cuya formación destacaba el batería Fermín Galán Lerena, al de Ñu.

El nombre de Ñu parece ser una reivindicación a la Ñ española ya que en aquella época casi ningún grupo de rock hacia letras en castellano y también porque el nombre "se veía grande" en un cartel de un concierto, como afirma Molina.[cita requerida]

La marcha de Rosendo Mercado, tras ser sustituido por su ausencia para realizar el servicio militar y fundar el mítico grupo Leño deja a José Carlos Molina como único líder del grupo.

Single

La primera referencia de Ñu es un single de RCA / Ariola (1976). Esos primerizos, antes de la ruptura de Rosendo con Ñu, éstos fichan por una independiente, Beverly records. El primer disco que edita la discográfica es un LP recopilatorio llamado "Ni los unos, ni los otros, sino todo lo contrario", en el que NO participa Ñu. Al no tener nada grabado de ellos es publicado de nuevo el single con las dos canciones. Ñu graba los temas para su primer LP. La discográfica se va a la quiebra y el estudio se queda con los masters. Al desaparecer, también, el estudio una persona se queda con esas sesiones que nunca vieron la luz. Temas como "La máquina" y "Puedes volar más alto" se incluían en ese disco fantasma. Los problemas afloran debido a la marcha del guitarrista y cofundador, Rosendo Mercado, al servicio militar. A su vuelta se encontraría con que el puesto había sido otorgado a otro para no parar la trayectoria del grupo. Esto molestó al guitarrista, provocando su marcha del grupo con los propios músicos de Ñu: Ramiro Penas y Chiqui Mariscal. Rosendo fundaría el histórico y querido grupo español Leño. Después de la ausencia de Rosendo, las riendas de Ñu son cogidas por José Carlos, haciendo lo que él desea, con los músicos que él quiere y los temas que él mismo compone.

Cuentos De Ayer Y De Hoy

Leño y Ñu firman al mismo tiempo con la discográfica Chapa, unos para hacer su primer disco de nombre genérico "Leño", y Ñu para hacer su tan esperada obra maestra "Cuentos de ayer y de hoy" (1978). En este disco aparecen los nombres de José Carlos Molina (voz, flauta, mellotrón, etc.), Enrique Ballesteros (batería), José María García "Sini" (guitarra), François André (violín) y Jorge Calvo (bajo). Este disco es la carta de presentación de Ñu, y en él trabaja con instrumentos tan raros para el rock duro como violín, concertina, etc. El disco quedará como una de las mejores obras del rock español. Aunque falto de producción hay que destacar temas como "Algunos músicos fueron nosotros", "Cuentos de ayer y de hoy" o la preciosa balada "El juglar". También se incluyó un tema que rompía con todos los esquemas nacionales de música, "La explosión del universo". Son los años de expansión del rock español. La fundación de Chapa abre sus puertas al rock, y Ñu comienza a trabajar el directo. Los problemas afloran: un accidente aéreo en el que, por suerte, no fallece nadie, hace que Molina se quede casi solo, tras el abandono de José María García "Sini" y Enrique Ballesteros. Molina cuenta con músicos que pasarían a la nómina de Ñu: Eduardo Pinilla (guitarra) y Raúl Garrido (batería). Las otras dos plazas son mantenidas por los anteriores Jean François y Jorge. Es hora de meterse al estudio a grabar el segundo disco. "A golpe de látigo" (1980) se graba con la formación antes descrita, pero para las mezclas no se cuenta con un buen presupuesto. El problema surge finalmente con la portada que no satisface a José Carlos Molina. Este va a defender la profesionalidad del grupo frente a los directivos de Chapa y la banda en bloque decide separarse por la fuerte personalidad de Molina. ¡Otra vez solo! Sin embargo, las críticas del disco vuelven a ser formidables para el grupo español. Las ventas vuelven a dispararse y los medios de comunicación especializados se vuelcan con el grupo. Los temas del disco son, una vez más, demoledores; entre ellos nos encontramos "El flautista", mítico título de una canción de las más, si no la más, representativas del grupo a lo largo del tiempo.

La Historia Continúa

José Carlos no descansa: en su afán de buscar músicos para Ñu se topa con un grupo llamado Salamandra en el que tocan nombres tan ilustres, del futuro rock español, como Jerónimo Ramiro, Ramiro Ballester y Miguel Angel Collado. En su búsqueda de nuevos sonidos para el grupo y durante su época sinfónica, ofrece a Miguel Angel Collado unirse a la banda, pero éste no quiere dejar a los otros músicos. Jerónimo se encontraría a los pocos días con José Carlos Molina y Chiqui Mariscal, que ya había sido reclutado de nuevo para Ñu, en una tienda de música. Habían puesto un anuncio buscando músicos y casualmente Jerónimo ofreció sus servicios y los de sus compañeros.

En los años 1981 y 1982 se intenta cambiar de discográfica. La elegida sería Belter, pero los aspectos legales y, sobre todo, la desaparición de ésta, provoca que el grupo de José Carlos Molina no pueda registrar los temas de la época sinfónica. El contrato con Chapa sigue adelante, y así llegamos a 1983, año en que se graba "Fuego". La época sinfónica de Ñu no ve la luz, sólo unos toques en este disco, cuya grabación tuvo lugar en los estudios M.C. A Ñu se le asignaron 200.000 Pesetas para un single y Molina grabó un LP, quizás el mejor de su carrera. El sonido es malo, debido al estudio que había sido creado principalmente para que los grupos que empezaban grabasen allí sus maquetas. El peor sonido se lo llevaría la batería, saturada en los agudos. La formación de "Fuego" la componían José Carlos Molina, Jerónimo Ramiro (guitarra), Chiqui Mariscal (bajo), Miguel Angel Collado (teclados) y Bob Thackway (batería), sustituyendo éste último a Bernardo Ballester que estaba en el servicio militar.

Si las críticas anteriores fueron buenas, este LP se lleva todos los méritos que se pueden conseguir. Las votaciones en España a los mejores grupos destacan a Ñu por encima de grupos ya consagrados. "Fuego" alcanza el máximo número de copias vendidas de rock de España, siendo éste uno de los grandes discos de Ñu, y uno de los fundamentales en su discografía. En él nos podemos encontrar temas como "Más duro que nunca" (uno de los más emblemáticos del grupo). Junto a ése también aparecen "La bailarina", "Nessa" o el propio "Fuego". Entre los retazos de la época sinfónica, se destacan "Los caballeros de hierro" y "La revolución". Ñu se convierte en uno de los pocos grupos de rock de este país que edita dos singles de un mismo LP. Como el disco alcanzó grandes ventas y popularidad, Chapa los mandó inmediatamente a Ibiza, a los afamados Mediterráneo estudios (en los que habían grabado grupos como Judas Priest) para grabar el cuarto LP, "Acorralado por ti" (1984). Este asunto le cogió a José Carlos desprevenido, tuvo que componer y arreglar el siguiente disco en el propio estudio de grabación y de camino a la isla. También tuvo que conseguir nuevos músicos para la ocasión ya que Jerónimo Ramiro y Bernardo Ballester habían formado Santa. Esta vez cuenta con Eduardo Pinilla (que ya había tocado en "A golpe de látigo), un batería argentino llamado Alejandro Colantonio. Para cubrir el puesto de bajista se contrata a José Luis Ajenjo. José Carlos Molina pudo contactar con el productor habitual de Jethro Tull, Robin Black. Este acepta ir a Ibiza, y cuando pregunta por las maquetas, Molina le dice que no hay nada preparado, sólo unas cuantas melodías y un par de temas terminados. "Acorralado por ti" es el disco más comercial del grupo. Klaus Meine, cantante de Scorpions se encontró a José Carlos Molina en una de sus visitas promocionales por España. Klaus se extrañó de por qué el tema "Más, quiero más" no había catapultado al grupo en el extranjero a pesar de cantar en castellano. Pensaba que era un tema que podía subir en los rankings internacionales. "Acorralado por ti" obtiene casi los mismos galardones que su antecesor. Ñu se consagra como uno de los mejores grupos de España. A los nombres, ya consagrados, de Barón Rojo y Obús (grupo), se suma con todos sus méritos, a pesar de las nulas promociones de su discográfica, el nombre de Ñu. En el disco nos encontramos temas como "Más, quiero mas", "Perseguido", "Ella" o "Romance fantasma". En él se hace notar en falta la famosa flauta que le diese su toque de distinción entre los grupos españoles. Sólo hace su aparición en dos temas de los nueve del disco.

Ruptura

1985 es el año de ruptura con Chapa. José Carlos Molina presenta las maquetas para el nuevo disco y la compañía le exige que estén mejor grabadas. La falta de confianza de su actual compañía provoca que José Carlos Molina, al día siguiente, pida la carta de libertad. Molina empieza a cambiar el grupo de nuevo, se incorpora Enrique Bertrán de Lis (ex-Goliath y ex-Orquídea) a la guitarra, José Luis Rodríguez (ex-Spider) al bajo, Toni "El mago" a los teclados y Enrique Ballesteros, anteriormente con Ñu y fundador del grupo Bella Bestia, de nuevo, a la batería. 1986 es el año del primer disco en directo de Ñu. Bajo el sello de Barrabás Producciones, un conocido locutor radiofónico español, Mariano García crea una discográfica para dar cabida solamente, en teoría, a los discos de Ñu. Para el disco en directo se cuenta con casi todos los músicos que habían pertenecido alguna vez a Ñu. Los conciertos tuvieron lugar el 7 y el 8 de febrero de 1986, en la conocida Sala Canciller de Madrid. En este local han tocado grupos de renombre internacional como Iron Maiden, Saxon, Def Leppard, Anthrax, Manowar, etc. La obra que se tituló "No hay ningún loco" recoge la trayectoria del grupo desde sus orígenes. Los temas fueron grabados por aquellos músicos que los habían tocado algún día. En 1986, Ñu alcanza el primer puesto en las votaciones españolas como mejor grupo y mejor cantante, cosa que en pocas ocasiones había sucedido en España. También consigue varios primeros puestos en votaciones a LP, single, canción, etc. El disco fue el más vendido de la historia de Ñu, prácticamente llegando al disco de oro. En él aparecen como temas nuevos "No hay ningún loco", "Sé quien", "Prometo besar" y "Los ojos de la zíngara", mezclando en este último las raíces españolas, árabes y andaluzas. La gira de presentación del disco es una de las más importantes en mucho tiempo. Ñu se recorre España de arriba a abajo.

El Mensaje Del Mago

"El mensaje del mago" fue su disco de 1987. Ñu inauguró los estudios Red Led de Madrid para su primera obra en Barrabás Producciones. El título es de un tema que ha sido rescatado de su primer repertorio. La formación se mantuvo estable, incorporándose, además, Enrique Valiño al violín. El disco es el más tranquilo de Ñu, debido a que los temas que José Carlos incluyó eran los previstos para su primer disco en solitario.

José Carlos Molina vuelve a atacar con dos temas que pasarían rápidamente a ser incluidos en el repertorio habitual de Ñu: "Manicomio" y "Robin Hood". El disco es de una belleza inimaginable, destacando temas como "Cautivos del placer", "Piratas del éxito" o el single "Amor en el cielo", en este tema participan como voces de acompañamiento las hermanas Vicky y Luisi Estévez (cantantes de la Orquesta Jerusalén), quienes años más tarde serán conocidas como Las Supremas de Móstoles . La gira de presentación del disco siguió con los mismos éxitos, siendo ésta un poco más corta que la anterior.

En el siguiente disco, José Carlos Molina apuesta de nuevo por el rock & roll y hard rock. Pero aparecen los problemas: Enrique Bertrán de Lis, guitarrista de plena confianza de José Carlos deja la música. Eduardo Pinilla, que ya había aparecido en varias etapas del grupo, le sustituye a última hora. Miguel Ángel Collado se incorporaría a la grabación después de la separación de Santa. En el disco "Vamos al lío!!" (1988) no aparecen los créditos de los músicos participantes debido a desacuerdos con sus pagos. Debido a ello, se despiden los músicos Miguel Angel Collado, Enrique Valiño y Eduardo Pinilla por el desacuerdo en los pagos por tocar en el disco, y permanecen Enrique Ballesteros y José Luis Rodríguez al no participar en la grabación. El disco, aunque otra vez con falta de producción, vuelve a mostrarnos a unos Ñu en plena forma. Los éxitos vuelven a atacar con "Trovador de ciudad", "La granja del loco" o los medio tiempos de "Yo para ti" y "Tocaba correr". En el disco aparece la versión de "El tren" retitulada "El tren azul" en la que Molina suprime la parte instrumental del centro. Es un tema escrito a medias entre Rosendo Mercado y José Carlos Molina que ya se incluyó en el primer y mítico LP de Leño. Ese mismo año empiezan a aparecer unos rumores comentando la posibilidad de editar el material antiguo de una grabación en directo y algunas maquetas y sesiones de estudios. Tristemente nunca apareció debido a que el sonido era malísimo. Eso ocurrió en el mismo año que Rosendo Mercado, con una fabulosa carrera en solitario, después de la separación de Leño, edita su primer disco en directo, recogiendo temas de sus cuatro discos anteriores, y en el año en que Ñu está más fuerte que nunca, con llenos absolutos por donde pasa.

Al quedarse sin guitarrista, pues Eduardo Pinilla vuelve con su anterior grupo, José Carlos Molina echa mano de su gran amigo Jerónimo Ramiro (ex-Ñu y ex-Santa). Mientras, José Luis Rodríguez publica su álbum debut "En el mundo de los sueños", bajo el sello Scobula records. En su disco en solitario aparecen muchos de los músicos de Ñu, incluido el propio José Carlos. La ruptura entre José Carlos Molina y José Luis Rodríguez surge al querer José Carlos que se dedique plenamente a Ñu. Este decide abandonar para siempre a Ñu. José Luis es sustituido por un nuevo músico, Nicolás del Hierro, "Niko", perteneciente al gran grupo español de reconocimiento europeo, Barón Rojo.

Cambio De Discográfica

En 1990 Ñu, tras el cumplimiento de su contrato, decide cambiar de discográfica para dar un aire nuevo a su repertorio y no encasillarse en una misma discográfica. La elegida es Avispa que cuenta entre sus filas con otro gran grupo como Medina Azahara. "Dos años de destierro" (1990) es el disco más duro que José Carlos Molina ha grabado nunca con los Ñu. Es un disco rabioso y potente, donde se combina el hard rock surgido de la poderosa guitarra de Jerónimo Ramiro, con el toque folk y personal de José Carlos Molina. El grupo que graba el disco es el formado por Jerónimo Ramiro, Enrique Ballesteros, otra vez en el grupo, Niko y José Carlos Molina. Colaboran en el disco, Miguel Angel Collado y José Barta (ex-Orquídea, ex-Jupiter y ex-Barón Rojo) a los teclados. "Dos años de destierro" toma el nombre de los dos años que estuvo Ñu sin poder grabar un disco. El LP tiene temas como "Destierro", "La espada", "Galeras o "Dama de honor" que se convierten en auténticas obras maestras del grupo.

En la noche de la presentación del disco en Madrid surgen varios problemas. La lluvia, la mala organización del concierto y los comentarios sarcásticos de José Carlos Molina, provocan la huida en masa de sus compañeros, la ruptura con la discográfica y con el management. José Carlos se cansa del mundo del rock y amenaza con retirar a los Ñu de la historia y empezar una carrera en solitario. Es la época más difícil para José Carlos y para sus Ñu. Sin apenas publicidad de su disco (Medina Azahara se lleva toda la promoción) y sin grupo para actuar en España, Ñu, con su líder y fundador José Carlos Molina, deja de existir. A últimos de año José Carlos graba su primer y único disco en solitario "Andando solo" que tardaría en publicarse cuatro años, y en el que participan muchos componentes de Ñu. El disco no se encuadra en la trayectoria de Ñu, sino en una onda más melódica y menos rockera.

José Carlos Molina funda un grupo con el batería Luis García (ex-Sobredosis y ex-Ramoncín), el nuevo bajista Javier Rocaberti y el teclista Cristóbal Delgado. El líder tocaría el piano y cantaría los temas de su disco en solitario. Actúan por pubs haciendo versiones,también, de Deep Purple, Led Zeppelin y otros. Ya con el nombre de "José Carlos Molina y los Robagallinas", José Carlos cambia al teclista por un guitarrista hispanoamericano llamado Carlos Kakutani, y con ellos presenta los temas de su disco en solitario y algunos temas de Ñu.

La Vuelta

En 1992, con la Expo 92, las Olimpiadas en Barcelona y la celebración del V Centenario del descubrimiento de América, José Carlos Molina encuentra un revulsivo para poner en marcha de nuevo a los Ñu. Con el grupo de Los Robagallinas y con un disco que debe a Barrabás, propone a la compañía un nuevo trabajo. El directo de Ñu es grabado, de nuevo, en la Sala Canciller, el 24 de abril. Más de 2.000 personas se quedaron en las puertas sin poder entrar, mientras se grabó su "Imperio de paletos". El disco incluye todo su repertorio hasta la fecha, dando cabida a sus temas más emblemáticos, otros que se tuvieron que quedar fuera del anterior disco en directo y, como no, nuevas canciones como "Imperio de paletos", "Carnaval sangriento" o "El golfo de la guerra". También hubo cabida para una de las caras de su buscado primer single, "Que nadie escape de la evolución".

José Carlos Molina empieza a buscar compañía para publicar su nuevo disco, y la encuentra en la tienda y sello discográfico de Madrid, Hard Vinyl. Su nueva obra es titulada "La danza de las mil tierras" (1994), y cuenta con Carlos Kakutani a la guitarra, Javier Rocaberti al bajo y Luis García a la batería, prácticamente la misma formación que en el último directo, a excepción del teclista. Carlos Kakutani decide abandonar el grupo debido a problemas burocráticos del permiso de residencia y Luis García también decide abandonar el grupo por motivos familiares. Los sustitutos de los dos músicos son encontrados en José Antonio Casal (ex-Panzer) y, de nuevo, Bernardo Ballester.

El disco es un homenaje y una vuelta a las raíces folk. Hay una gran opinión favorable de todos los medios de comunicación hacia este disco. Todos los medios especializados destacan las grandes composiciones como "El teatro de la suerte", "Cruz de hierro" o la mismísima "La danza de las mil tierras". También hay cabida para las canciones tan personales como "Campo yermo" o "Vivir en deshonra". La comercialidad, el preciosismo y el buen hacer se dan la mano en este disco. Al mismo tiempo, y debido al éxito, aparece a través de la discográfica DID, el disco en solitario de José Carlos grabado cuatro años antes. A José Carlos Molina no le agrada el apoyo de la discográfica (el disco no se registró en la SGAE y la promoción fue totalmente nula) y, para su vigésimo cumpleaños, decide buscar de nuevo otra discográfica. AR Producciones es la elegida. Su nuevo doble LP llamado "20 años y un día" (1995) consta, en su primer CD, de canciones antiguas regrabadas por la nueva formación, y en un segundo CD temas antiguos, raros, y algunos que nunca pudieron ser grabados. Al igual que hizo con "No hay ningún loco", José Carlos cuenta con la valiosa colaboración de antiguos componentes de Ñu para tocar los temas antiguos en los que participaron en su tiempo.

En verano de 1997, José Carlos Molina vuelve a meterse en estudio. Esta vez lo hace en el pequeño estudio de su casa, con plena libertad de horarios. "La taberna encantada", según las críticas, es el disco más personal e intimista de cuanto ha hecho. Este disco acústico nos muestra otra faceta del genial compositor, adaptando y creando canciones a un modo acústico, que no el conocido "unplugged". La transformación de los temas en unos pedazos de imaginación, retocando, arreglando y creando nuevas melodías sobre las ya hechas, sólo pueden ser ideados por un auténtico genio. Su pequeña gira de presentación en sitios pocos habituales para su música es un éxito. Bares, pubs, etc., son los sitios elegidos. La intimidad del disco se refleja en un contacto mayor con la gente. "Puedo verles los ojos, y sentir lo mismo que estoy sintiendo yo cuando canto esas canciones". En este 1998, Molina cambia nuevamente de grupo: Esta vez los elegidos son viejos conocidos, pero que nunca habían tocada con él. En su búsqueda de nuevos talentos para el grupo, y su afán de superación, José Carlos Molina elije a gente profesional para grabar su nuevo disco. Miguel Lozano (Ex-Alcaudón), Juan Miguel Rodríguez (ex-Alcaudón), Pedro Vela (ex-Nirvana) y Jesús Sánchez es la base fundamental actual de los Ñu ‘98.

La música de Ñu siempre ha estado influida por las locas ideas de José Carlos y, sobre todo, del grupo que le acompañó en su momento. Ninguno de los discos de Ñu es igual a otro, debido al gran cambio de instrumentistas que ha tenido a lo largo de su historia: por una parte, Rosendo Mercado y su sonido hippie; por otro Eduardo Pinilla y su toque suave y melodioso en "A golpe de látigo", "Acorralado por ti" y "Vamos al lío!!"; también la dureza y fiereza de Jerónimo Ramiro en "Fuego" y "Dos años de destierro"; Carlos Kakutani con su maestría y el toque virtuoso en "Imperio de paletos" y "La danza de las mil tierras"; y José A. Casal con su forma de tocar heavy metal. Todos los discos de Ñu son diferentes, siempre hay algo que los hace distintos. Eso es lo que ha hecho de Ñu una leyenda española viva.

En el año 2000 sacaron 3 discos: un directo acústico grabado el 6 de marzo de 1998 en la sala Caracol y con una tirada de 1000 copias en edición limitada que salió hacia enero, un nuevo disco llamado "Cuatro Gatos" que salió para Marzo y que volvía en parte a lo eléctrico sin dejar atrás lo acústico y, coincidiendo con los 25 años de Ñu, editaron con la compañía Pies Records, un recopilatorio llamado "Colección" que remasteriza sus viejas canciones. En el año 2002 grabaron un nuevo disco de estudio, "Requiem", más oscuro y agresivo que los anteriores. También en el 2002 se editó un nuevo recopilatorio llamado "Esperando" en el que se regrababan canciones de sus últimos discos. En el 2003 realizaron su último disco hasta el momento. "Titeres". un disco de de rock & roll con canciones sencillas. Y por fin en el 2007 salió a la luz el primer Dvd del grupo, grabado en la sala Heineken de Madrid el 3 de noviembre de 2006. La formación actual que acompaña a José Carlos Molina es la formada por Javier Arnaiz "Bumper" a la batería, Gorka Alegre al bajo, Manolo Arias (Niágara, Sobredosis, Muro...) a la guitarra y Jorge Calvo a los teclados.

Miembros
José Carlos Molina: voz, flauta y teclados
Rosendo Mercado: guitarra
Juan Almarza: bajo
Pedro Cruz: batería

Discografía

Ñu - Cuentos De Ayer Y De Hoy (1978)
Ñu - A Golpe De Látigo (1980)
Ñu - Fuego (1983)
Ñu - Acorralado Por Ti (1984)
Ñu - No Hay Ningún Loco (1986)
Ñu - El Mensaje Del Mago (1987)
Ñu - Vamos Al Lío!!! (1988)
Ñu - Dos Años De Destierro (1990)
Ñu - Imperio De Paletos (1992)
Ñu - La Danza De Las Mil Tierras (1994)
Ñu - 20 Años Y Un Día (1995)
Ñu - La Taberna Encantada (1997)
Ñu - La Noche Del Juglar (1999)
Ñu - Cuatro Gatos (2000)
Ñu - Colección (2001)
Ñu - Requiem (2002)
Ñu - Esperando (2002)
Ñu - Títeres (2003)

Extinción • biografía & discografía

2009-10-09T20:38:00.006-03:00

Biografía

Extinción (tabién llamada E.X.T.I.N.C.I.O.N) fue una banda de rock de origan guatemalteco. Alex Flindley fue quien inició la banda con Roberto Mora. Ellos salieron de una banda llamada "Extinción Del Culto", cuya canción Memorias De Un Bosque salió en algunos discos de recopilación nacional (de Guatemala) como Simbiosis y el recopilatorio de la extinta radio La Marca (94.1).

En 1996 se les unió Luis Castellanos, quien hizo vibrar a todos con su guitarra, influenciado por Korn en esos momentos (utlizaba una ESP de 7 cuerdas en algunos toques), al mismo tiempo se unió el baterista Gerlach Davipara conformar la alineación inicial. Grabaron su primer disco "Orange Buddha" que contenía temas como 16 Malditas, Chain, Orange Buddha y La Ciudad Ahumada, los cuales fueron los sencillos de este disco.

En 1998 grabaron el disco Manyula del que salieron los sencillos La Grieta y La Chocha. En este disco se incluyó la version en vivo de La Tina y Extinción Del Culto. En 1998 abrieron el concierto de A.N.I.M.A.L. en Guatemala, y también en el 2001.

En 2001 sacaron su último material. "Chichikaste", del que salieron los sencillos 1999 y 4Shock, y realizaron una gira en los bares y antros de Guatemala, con lo que se despidieron.

Discografía

Extinción - Orange Buddha (1996)
Extinción - Manyula (1998)
Extinción - Chichikaste (2001)

Jamie Cullum • biografía & discografía

2009-09-21T20:51:00.000-03:00

Biografía

Jamie Cullum nació el 20 de agosto de 1979 en Whiltshire, Essex (Inglaterra). Su madre, Yvonne, es una secretaria de origen anglo-burmese; y su padre John Cullum, trabajaba en finanzas. Su abuelo paterno fue oficial de la armada inglesa, mientras que su abuela paterna fue una judía refugiada de Prusia que cantaba en discos en Berlin; Cullum la ve a ella como su "ícono cultural". Fue criado en Hullavington, Wiltshire pero actualmente reside en North West London. Empezó su carrera musical a los dieciséis años, tocando en bares, clubs y hoteles de su pueblo natal. Años más tarde se trasladó a la Universidad de Reading, para estudiar cine y literatura inglesa. Fue durante esta etapa cuando comenzó a componer y a tocar su propia música para acompañar los cortometrajes que hacía como parte de su curso. Además, Cullum, aprovechaba para dar algunos conciertos con su grupo Jamie Cullum Trio, de los cuales nació un primer disco titulado "Hear it all before", en 1999, del cual solo se hicieron 500 copias; debido a su rareza, copias originales de este disco llegan a ser vendidas hasta £600 en eBay. Gracias al éxito de su primer disco, Jamie Cullum fue invitado a participar del disco de Geoff Gascoyne Songs of the summer. Luego logró sacar un segundo CD, "Pointless Nostalgic", el cual llamó la atención de personalidades de la talla de Michael Parkinson, entre otros.

A pesar de que "Pointless Nostalgic" se editó con un sello de jazz pequeño (Candid), la música de Cullum atrajo la atención de la discográfica Universal Records. Esta firma le ofreció un contrato por un millón de libras para promocionar y grabar sus discos durante los siguientes cinco años, ganándole así la batalla a Sony. Tras muchos años intentando abrirse un hueco en el mundo del jazz, Cullum se encontraba ahora a las puertas del éxito.

En octubre de 2003, pocos meses después de firmar el contrato, Cullum lanzó "Twentysomething". De este álbum se vendieron 850.000 copias en sólo 4 meses, consiguiendo dos discos de platino y convirtiéndose en el disco de estudio número 1 editado por un artista de jazz en Inglaterra hasta entonces. Gracias a este trabajo, la nueva figura del jazz británico obtuvo el premio al "Mejor Artista Nuevo" en la BBC National Radio 3 Jazz Awards y fue nominado como "Artista Revelación" en los premios Brit Awards de ese año. Tras el gran éxito mundial, se estaba preparando su cuarto disco que fue lanzado en septiembre de 2005 en Inglaterra y luego en el resto del mundo, bajo el nombre de "Catching Tales". En este último trabajo se pudo ver un cambio en el que se incorporan nuevos sonidos sin dejar su base de jazz. Su primer corte de difusión fue "Get your way", con la colaboración de Dan The Automator. Su segundo corte fue "Mind Trick", canción que fue escrita por el propio Jamie junto con su hermano mayor, Ben Cullum. El último corte de difusión de este disco fue "Photograph", también escrita por Cullum en la víspera de año nuevo de 2005, tras encontrar una caja con viejas fotos que le hicieron recordar lo especial que fue su juventud, a pesar de que en ese momento él no lo había visto así. Jamie Cullum se ha convertido en uno de los principales referentes del jazz vocal actual, hasta el punto de ser considerado, por el público americano, como sucesor de Harry Connick Jr. Su gran habilidad para la música hizo que mediante el jazz, se adentrara en diversos estilos musicales, haciendo variaciones de canciones de artistas de la talla de White Stripes, Kanye West, Pussycat Dolls, Elton John, John Legend, Justin Timberlake, Coldplay y muchos más. Su prestigio le ha llevado incluso a adentrarse en el terreno del cine, donde ha sido autor del tema principal de la banda sonora de la película "El diario de Bridgett Jones", Everlasting love; así como también la canción "Grace is Gone", que forma parte de la banda sonora de la película con el mismo título. El último tema para una película es "Gran Torino" por Clint Eastwood and Jamie Cullum para la película del mismo nombre y dirigida por Clint Eastwood, fue nominada como mejor canción original en los "Golden Globe Awards".

Discografía

Jamie Cullum - Heard It All Before (1999)
Jamie Cullum - Pointless Nostalgic (2002)
Jamie Cullum - Twentysomething (2003)
Jamie Cullum - Catching Tales (2005)
Jamie Cullum - Live At Ronnie Scott's (2006)
Jamie Cullum - In The Mind Of Jamie Cullum (2006)
Jamie Cullum - The Pursuit (2009)

Eric Clapton • biografía & discografía

2009-09-14T10:53:00.008-03:00

Biografía

Eric Patrick Clapton Shaw CBE (Ripley, Surrey, Inglaterra, 30 de marzo de 1945) es un guitarrista, cantante y compositor de rock y blues, conocido por su maestría con la guitarra eléctrica, en específico con su Stratocaster. Es conocido por el apodo de "Slowhand" (Mano lenta), desde su época en The Yardbirds. Clapton es miembro del Salón de la Fama del Rock por partida triple; por ser miembro de The Yardbirs, de Cream y por su carrera en solitario. A la vista de muchos críticos Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes de todos los tiempos. Además, aparece en el puesto número 4 de la lista "Los 100 grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone y en el puesto número 53 de su especial "Inmortales: Los 100 grandes artistas de todos los tiempos".

Su estilo musical ha sufrido múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas con el blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera, practicando el blues rock con John Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirds, y el rock psicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario; Delta blues en su álbum Me and Mr. Johnson, pop en su canción "Change the World" o reggae en su versión del tema de Bob Marley ("I shot the Sheriff"). Posiblemente su mayor éxito fue la canción "Layla" de su época con Derek and the Dominos.

Juventud

Eric Clapton nació en Ripley, Surrey, Inglaterra, como hijo de la pareja formada por Patricia Molly Clapton (7 de enero de 1929 - marzo de 1999), de 16 años, y Edward Walter Fryer (21 de marzo de 1920 - 1985), un piloto militar de Montreal, Quebec, Canadá de 25 años que por aquél entonces no estaban casados. Su padre se encontraba destinado en el Reino Unido durante la Segunda Guerra Mundial y antes de que Eric naciera, regresó a Canadá junto a su esposa. El niño creció con su abuela, Rose, y su segundo marido Jack creyendo que eran sus padres, y que su madre era su hermana mayor. El apellido de sus abuelos era Clapp, de ahí la confusión en cuanto a su apellido, ya que Clapton es el apellido del primer esposo de su abuela Rose y abuelo materno de Eric (Reginald Cecil Clapton). Años después, su madre se casó con otro soldado canadiense (Frank MacDonald) y se mudó a Canadá, dejando a Eric a cargo de sus abuelos. Cuando Clapton contaba con 9 años de edad, averiguó la verdad cuando su madre y su hermanastro Brian regresaron a Inglaterra de visita. Esto supuso un punto de inflexión en su vida, haciéndole distanciarse de su familia y no aplicarse en el colegio. Su hermanastro, Brian, murió en un accidente de moto en 1974 a los 26 años. Clapton tiene otras dos hermanastras del segundo matrimonio de su madre; Cheryl (nacida en mayo de 1953) y Heather (nacida en septiembre de 1958).

Clapton creció siendo un niño callado, solitario, y en sus propias palabras, "un niño malo". Aun así Clapton es conocido por su sentido del humor. Eric se crió en un entorno musical, donde su abuela tocaba el piano y, tanto su tío como su madre, disfrutaban escuchando las Big Bands de la época. Su madre le contó en una ocasión al biógrafo oficial de Eric, Ray Coleman, que su padre era un músico de mucho talento, y que tocó en varias bandas de la zona de Surrey. Eric consiguió su primera guitarra a los 13 años, una guitarra acústica de la marca alemana Hoyer recibida por su cumpleaños, encontrándolo muy difícil y casi dándose por vencido. Aún a pesar de su frustración inicial, dedicó muchas horas a aprenderse los acordes y a emular la música de los artistas de blues que escuchaba en su magnetófono de casete.

Después de abandonar el colegio en 1961, Clapton estudió en Kingston College of Art, del que fue expulsado por no progresar lo suficiente en el resto de las áreas del arte, centrándose únicamente en la música. Por esta época Clapton comenzó a frecuentar la zona de Kingston en Richmond (Londres). A los 17 años se unió a su primera banda "The Roosters." Permaneció en este grupo de enero a agosto de 1963. En octubre de ese mismo año tocó en siete conciertos con Casey Jones and the Engineers. Antes de dedicarse de lleno al mundo de la música Clapton se ganaba la vida trabajando de obrero junto a su abuelo.

The Yardbirds

En octubre de 1963 Keith Relf (que estudiaba con Clapton) y Paul Samwell-Smith, reclutaron a Clapton para el grupo de rock con influencias de blues, The Yardbirds. Hasta la entrada de Clapton, el grupo estaba formado por Keith Relf (voces), Paul Samwell-Smith (bajo), Chris Dreja (guitarra rítmica), Jim McCarty (batería) y Anthony "Top" Topham (guitarra principal), siendo Clapton el sustituto de Topham.

Durante su periodo de 18 meses con The Yardbirds, Clapton se ganó su apodo de "slowhand" (mano lenta). Sintetizando sus influencias de guitarristas de blues como Buddy Guy, Freddie King y B. B. King, Clapton se convirtió en uno de los guitarristas más populares de la escena musical británica. La banda comenzó a formarse un buen nombre, sobre todo después de ganar la vacante dejada por The Rolling Stones en el Crawdaddy Club en Richmond, Londres. Hicieron una gira con Sonny Boy Williamson II; del cuál saldría el álbum Sonny Boy Williamson and The Yardbirds (grabado el 8 de diciembre de 1963) y editado en 1965. En el álbum de 1964, Five Live Yardbirds, recrean versiones de R&B y blues americano, con largas improvisaciones y solos de guitarra, quedando clara la imaginación y confianza en sí mismo de Clapton.

Sin embargo, el grupo paulatinamente fue acercándose al estilo pop, para intentar entrar en las listas de venta, cosa que consiguieron con "For your love", que llegó al #2 en el Reino Unido y al #6 en Estados Unidos. Esta canción fue escrita por el compositor Graham Gouldman, que había escrito hits para el grupo adolescente Herman's Hermits y el grupo de pop The Hollies. Pero Clapton seguía fuertemente comprometido con el blues, por lo que renegaba del nuevo rumbo pop de The Yardbirds. Así que decidió dejar la banda y recomendó a Jimmy Page como su sustituto, quién se negó por lo bien que le iban las cosas como músico de sesión. Así que, al final no se unió al grupo y, él mismo recomendó que Jeff Beck, que por aquél entonces tocaba en una banda llamada The Tridents, fuera el sustituto de Clapton. De todas maneras, Page se uniría posteriormente al grupo, primero tocando el bajo y después asumiendo junto a Beck el papel de guitarrista. Clapton, Beck y Page, llegaron a tocar juntos en una mini-gira en beneficio de la esclerosis múltiple y en el álbum Guitar Boogie.

John Mayall & The Bluesbreakers

Clapton se unió a John Mayall & the Bluesbreakers en abril de 1965, renunciando apenas unos meses después, para marcharse a Grecia, a tocar con una banda inglesa llamada "The Glands", en la cual tocaba el piano un viejo amigo suyo, Ben Palmer, regresando a la banda de John Mayall en noviembre. Fue durante esta etapa donde se ganó el respeto unánime del circuito de clubes de Inglaterra. Aunque Clapton se ganó el reconocimiento mundial por su ejecución en el álbum Blues Breakers with Eric Clapton, éste álbum no se comercializó hasta después de su marcha definitiva de la banda. Habiendo cambiado su Fender Telecaster y su amplificador Vox AC30 por una guitarra Gibson Les Paul Standard y un amplificador Marshall, el sonido de Clapton inspiró un grafitti muy bien promocionado que rezaba: "Clapton is God" (Clapton es Dios). La frase fue pintada por un seguidor en una pared de la estación de Islington en el subterráneo de Londres en otoño de 1967. La pintada fue captada en una famosa fotografía, en la que aparece un perro orinando en esa misma pared. Clapton dijo:
"Nunca acepté que fuera el mejor guitarrista del mundo. Siempre quise ser el mejor guitarrista del mundo, pero eso es un ideal, y lo acepto como tal."

Cream

Clapton abandonó los Bluesbreakers en julio de 1966, siendo sustituido por Peter Green, para formar la banda Cream, uno de los primeros supergrupos de la historia. También se le considera uno de los primeros power trios, con Jack Bruce ex-miembro de Manfred Mann, John Mayall & the Bluesbreakers y Graham Bond Organization como bajista, y Ginger Baker también ex-miembro de Graham Bond Organization como baterista. Antes de la creación de Cream, Clapton era prácticamente desconocido en los Estados Unidos, ya que abandonó The Yardbirds antes de que el sencillo "For Your Love" entrara en el Top Ten US, y aún no había tocado allí. En su época en Cream, Clapton empezó a evolucionar como cantante, compositor y guitarrista, aunque Jack Bruce era la voz predominante y el compositor de la gran mayoría de los temas junto con el letrista Pete Brown. Su primer concierto fue en el "Twisted Wheel" de Manchester en julio de 1966, antes de hacer su debut oficial con dos noches en el "National Jazz and Blues Festival" en Windsor. Parte de su fama legendaria se debe a sus jam sessions y solos de guitarras y batería en sus conciertos.

A principios de 1967, la hegemonía de Clapton como mejor guitarrista de Gran Bretaña entró en rivalidad con Jimi Hendrix, que estaba innovando en la manera de tocar la guitarra existente hasta entonces. Hendrix asistió al concierto de Cream en la Universidad de Westminster en Londres del 1 de octubre de 1966. Cuando Hendrix comenzó a tocar en la escena local muchos de los grandes artistas de Inglaterra asistían con gran expectación a sus conciertos, entre ellos Clapton, Pete Townshend, The Rolling Stones y The Beatles.

Clapton visitó por primera vez Estados Unidos con Cream. Fueron a Nueva York en marzo de 1967 para tocar nueve noches en el teatro RKO. Después, en mayo de ese mismo año, regresarían a Nueva York para grabar su álbum Disraeli Gears. El repertorio de la banda evolucionó de canciones comerciales como "I Feel Free" a largas "jams instrumentales" de blues como "Spoonfull". Estos temas mostraban la guitarra punzante de Clapton, mezclado con la potente voz y vibrante bajo de Jack Bruce, mientras la potente, polirítmica batería con influencias de jazz de Ginger Baker aseguraban a Cream como un power trio.

En 28 meses, Cream se había convertido en un éxito comercial, vendiendo millones de álbumes y tocando por toda Europa y Estados Unidos. Ellos redefinieron el papel instrumental dentro del rock, siendo de las primeras bandas en enfatizar el virtuosismo musical y las improvisaciones de corte jazzístico. Sus sencillos de éxito en los Estados Unidos incluyen "Sunshine of Your Love" (#5, 1968), "White Room" (#6, 1968) y "Crossroads" (#28, 1969) - versión en directo de la canción de Robert Johnson "Cross Road Blues." Aunque Cream fue uno de las grandes bandas de su época, y la adulación para con Clapton era constante, el supergrupo estaba destinado a tener una vida corta. Las legendarias diferencias entre Bruce y Baker y la creciente tensión entre los tres miembros de la banda finalmente acabarían con el grupo.

El álbum de despedida de Cream, Goodbye, incluía actuaciones en directo en "The Forum", Los Ángeles, California, grabadas el 19 de octubre de 1968, y fue comercializado poco después de que Cream se separara. El álbum contaba también con el sencillo "Badge", co-escrita con George Harrison, a quién Clapton conoció en un concierto en el que The Yardbirds compartieron cartel con The Beatles en el London Palladium. Esta amistad se tradujo en la colaboración de Clapton en el tema "While My Guitar Gently Weeps" del White Album de The Beatles. Ese mismo año salió el debut en solitario de Harrison Wonderwall Music, que sería el primero de un largo número de álbumes de Harrison en contar con Clapton en la guitarra, aunque por motivos legales no apareciera en los créditos. Además, tocaban frecuentemente juntos como invitados el uno del otro. El 29 de noviembre de 2002, un año después de la muerte de Harrison, Clapton ayudó a organizar el tributo "Concert for George" como director musical.

Desde su ruptura en 1968, Cream se ha reunido en varias ocasiones. En 1993 en una ceremonia para ingresar en el Salón de la Fama del Rock y en 2005, una reunión para tocar cuatro noches en el Royal Albert Hall de Londres y tres noches en el Madison Square Garden de Nueva York. La grabación de sus conciertos en el Royal Albert Hall salieron a la venta a finales de 2005 bajo el título Royal Albert Hall London May 2-3-5-6 2005.

Blind Faith

Después de la ruptura de Cream, Clapton vuelve a formar un supergrupo, Blind Faith (1969), compuesto por Ginger Baker, Steve Winwood proveniente de Traffic (disuelto en enero de 1969) y Ric Grech de la banda Family, cuya corta vida dejó un álbum y una gira de promoción del mismo. El supergrupo debutó ante 100.000 espectadores en Hyde Park, Londres, el 7 de junio de 1969, del cual Eric Clapton, conocido por su perfeccionismo, salió bastante defraudado por la calidad ofrecida. Después hicieron varios conciertos por Escandinavia y comenzaron una gira americana en julio. El álbum Blind Faith fue grabado en los estudios de grabación Olympic, bajo la producción de Jimmy Miller con tantas prisas que la cara B sólo consta de dos temas, siendo una de ellas una "jam" de 15 minutos llamada "Do What You Like". Llegó al número 1 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. La cubierta del álbum, que incluía una foto de una chica pre-adolescente semidesnuda creó polémica en Estados Unidos y fue sustituida por una fotografía de la banda. La banda se disolvió después de apenas siete meses de actividad.

Delaney And Bonnie And Friends

Clapton decidió apartarse del mainstream (corriente principal), girando con el grupo americano Delaney and Bonnie and Friends, que habían hecho de teloneros de Blind Faith en su gira americana de 1969. Formado por Delaney y Bonnie Bramlett (marido y mujer), el dúo llegó a contar con colaboraciones de la talla de George Harrison y Duane Allman, además de Clapton. Delaney and Bonnie and Friends hizo una gira europea con The Plastic Ono Band, con quienes Clapton tocó en un par de conciertos de la gira. Clapton aparece en el álbum On Tour with Eric Clapton, siendo éste el álbum más vendido del grupo, llegando al Top 30 de las listas americanas.

Primer álbum en solitario

Usando a los músicos de "The Bramletts" y una serie de músicos de prestigio (incluyendo a Leon Russell y Stephen Stills), Clapton grabó su primer álbum en solitario, el homónimo Eric Clapton. El álbum incluía dos temas compuestos por "The Bramletts" ("Bottle Of Red Wine" and "Let It Rain"), además de la versión de la canción de J.J. Cale, "After Midnight", alcanzando este último el número 18 en las listas americanas. Además, en esta época participó en el álbum de George Harrison, All Things Must Pass en la primavera de 1970. También grabó con otros artistas como: Dr. John, Leon Russell, Plastic Ono Band, Billy Preston y Ringo Starr.

Derek And The Dominos

Después de ese primer álbum en solitario, Clapton reúne a los músicos de Delanney y Bonnie, Bobby Whitlock (teclados y voces), Carl Radle (bajo) y Jim Gordon (batería) para formar un nuevo grupo, posiblemente para demostrarse que podía tener un grupo y dejar un poco de lado su fama de estrella. La banda iba a llamarse en un principio "Eric Clapton and Friends", decidiéndose después por "The Dynamics". El hecho de acabar llamándose Derek and the Dominos, parece ser que es debido a que a la hora de presentarles en su primer concierto el locutor, en vez de Derek and the Dynamics, dijo "Derek and the Dominos", quedándose después así. Aunque, sin embargo, en la biografía de Clapton, se dice que Ashton quería que se llamase "Del and the Dominoes", (siendo Del el mote que le habían asignado a Clapton) y que al final lo que hicieron fue unir Del y Eric, quedando Derek and the Dominos como resultado.

La amistad de Clapton con Harrison, le hizo conocer a Pattie Boyd, esposa de Harrison, de la cual quedó prendado. Cuando ella rechazó sus avances, los sentimientos de Clapton se plasmaron en las canciones del álbum Layla and Other Assorted Love Songs. El álbum contiene el gran éxito "Layla", inspirada por el poeta clásico de Persia, Nezami, y su poema "The Story of Layla and Majnun". La historia que contaba el poema conmovió profundamente a Clapton, ya que hablaba de un joven que se enamoraba perdidamente de una hermosa mujer, inaccesible porque ya estaba casada.

La banda grabó su único álbum en los estudios de grabación Criteria de Miami con Atlantic Records, bajo la producción de Tom Dowd, con el que ya había trabajado Clapton en el álbum de Cream Disraeli Gears. Las dos partes de "Layla" se grabaron en sesiones distintas; primero se grabó el comienzo de guitarra, y para la segunda parte, grabada varios meses después, el batería Jim Gordon tocó la parte de piano. En el álbum también acabó colaborando Duane Allman de The Allman Brothers Band, convirtiendo al grupo en un quinteto. Duane primero añadió su guitarra slide a los temas "Tell the Truth" y "Nobody Knows You When You're Down and Out." En cuatro días el quinteto grabó "Key to the Highway", "Have You Ever Loved a Woman", y "Why Does Love Got to be So Sad." En septiembre, Duane dejó las sesiones para hacer unos conciertos con su banda, y los cuatro restantes grabaron "I am Yours", "Anyday", and "It's Too Late." Después grabaron la versión de la canción de Jimi Hendrix (que murió durante la grabación de este álbum) "Little Wing" y "Thorn Tree in the Garden"

El álbum tenía muchas influencias del blues. Además, la contribución de Allman, enriquecía mucho el sonido de la banda. Muchos críticos dirían que Clapton tocaba mejor cuando le acompañaba otro guitarrista. En este álbum aparecen algunas de las mejores composiciones de Clapton y algunas de sus mejores piezas de guitarra.

La banda comenzó una gira por los Estados Unidos sin Allman que había regresado a su banda. Aunque Clapton más adelante admitiría que la gira estuvo llena de drogas y alcohol, el álbum In Concert que se grabó en la gira, sonaba sorprendentemente potente. Además la banda grabó varios temas para su segundo álbum de estudio (que nunca llegaría a editarse) durante la primavera de 1971. Cinco de estos temas aparecen en la caja recopilatoria de Eric Clapton Crossroads de 1988.

No estando Tom Dowd y Duane Allman para limar asperezas, Derek and the Dominos pronto se separarían en Londres. El final de Derek and the Dominos, viéndolo con el paso de los años, constituye una parte trágica de la historia del rock. Allman murió en un accidente de moto el 29 de octubre de 1971, y aunque Radle permaneció con Clapton hasta el verano de 1979 (murió en mayo de 1980 bajo los efectos de las drogas y el alcohol), la ruptura entre Clapton y Whitlock fue amarga, y no fue hasta 2003, que volvieron a trabajar juntos. Además, el baterista Jim Gordon, que era un esquizofrénico sin diagnosticar, mataría años más tarde a su madre durante un episodio de brote psicótico. Gordon fue encarcelado y posteriormente llevado a una institución mental, donde permanece hoy en día.

Años 70

Los primeros años de la década de los 70 fueron desastrosos para la vida personal de Clapton, que estaba dominada por sus adicciones. Dejó de hacer giras y se recluyó en su residencia de Surrey, en el Reino Unido. Allí se dedicó a su adicción a la heroína, dejando de lado su carrera, sólo interrumpida por su aparición en el "Concierto por Bangladesh" en agosto de 1971, donde se desmayó en el escenario, fue reanimado, y continuó tocando. En enero de 1973, el guitarrista de The Who, Pete Townshend, organizó un concierto en el "Rainbow Theatre" para ayudarle a volver a la escena musical. Este concierto contó también con la colaboración de Ron Wood y Steve Winwood. Se grabó y después se editaría bajo el nombre de Eric Clapton's Rainbow Concert. Gracias a la ayuda de Townshend y una terapia de acupuntura Clapton dejó el consumo de heroina en 1973. Clapton, le devolvería en 1975 el favor apareciendo en la ópera rock de The Who, "Tommy", interpretando el tema "Eyesight To The Blind".

En 1974, ya junto a Pattie Boyd (aunque no se casaría con ella hasta 1979), y rehabilitado de su adicción a la heroína y cocaína, aunque todavía siendo alcohólico, Clapton formó una banda para su proyecto en solitario con el bajista Carl Radle, el guitarrista George Terry, el teclista Dick Sims, el baterista Jamie Oldaker y Marcy Levy (mejor conocida como Marcella Detroit del duo pop Shakespears Sister). Con estos músicos, Clapton grabó 461 Ocean Boulevard (1974), bajo la producción nuevamente de Tom Dowd. Era un álbum con canciones más simples y con menos solos de guitarra; siendo la versión de la canción de Bob Marley "I shot the sheriff" su primer sencillo en llegar al #1 en Estados Unidos.

El álbum de 1975 There's One in Every Crowd fue una decepcionante continuación de su anterior álbum, ya que ni siquiera entró en el "Top Ten". La banda hizo una gira mundial de cuyas grabaciones se extrajo el álbum en directo, E.C. Was Here. A continuación vendría el álbum de 1976 No Reason to Cry, con las colaboraciones de Bob Dylan y The Band.

En agosto de este mismo año Clapton, provocó uno de los momentos más criticados de su vida, cuando, durante un concierto en Birmingham, habló sobre la creciente inmigración que sufría Inglaterra. Visiblemente intoxicado, dio su apoyo a un candidato político de la época llamado Enoch Powell y dijo que el Reino Unido estaba en peligro por el incipiente crecimiento de la comunidad negra. Este incidente, junto con otro similar provocado por David Bowie, fueron los causantes de la creación de una asociación llamada "Rock Against Racism". Clapton, de hecho, nunca se ha retractado de estos comentarios, aunque sí ha reiterado en varias ocasiones que no es racista.

En noviembre de 1977 vendría Slowhand, muy bien recibida por la crítica, donde figura la canción "Wonderful Tonight", otra canción dedicada a Pattie Boyd, y la canción "Cocaine", una versión de un tema de J.J. Cale.

En 1978 vino Backless, que no recibió las mismas críticas positivas que Slowhand. Contaba con dos temas de Bob Dylan y volvía a aparecer una versión de J.J. Cale. El único sencillo que entró en el "Top Ten" británico fue "Promises". Este sería el último álbum que grabaría con la banda que le había acompañado desde 1974.

Años 80

En 1980, se edita el doble álbum en directo Just one night, grabado en el Teatro Budokan, en Tokyo, donde lo más destacable es su nueva banda, liderada por el guitarrista, Albert Lee, que le da un aire totalmente nuevo a la música de Clapton.

En 1981, Clapton es invitado a colaborar en el concierto en beneficio de Amnistía Internacional. En esta ocasión se hizo acompañar de Jeff Beck dejando para la historia unos memorables duetos. Tres de éstos aparecieron en el álbum que se editó del evento. En esta época saca el álbum titulado Another Ticket, un álbum con polémica desde el principio, ya que Polydor no aceptó la primera entrega del álbum producido por Glyn Johns, teniéndose que volver a grabar íntegramente con el productor Tom Dowd. Además, en uno de los primeros conciertos de la gira, Clapton cayó inconsciente, quedando cerca de la muerte por su acusado alcoholismo. En esta época Clapton comienza a apoyarse cada vez más en la religión.

En 1983 se lanza al mercado Money and cigarettes, con la compañía discográfica Reprise Records, con la memorable portada que muestra a Clapton fumando cerca de una stratocaster derritiéndose. Eric Clapton llamó así al álbum "porque, pensé que llegaría el momento en que serían las únicas dos cosas que me quedarían." Para este álbum Clapton se deshace de toda su banda, a excepción de Albert Lee, además de contar con la colaboración de Ry Cooder.

En 1984, aparte de editarse un recopilatorio llamado Backtrackin', colaboró en el álbum del miembro de Pink Floyd Roger Waters y después le acompañó en su gira. A partir de aquí se han reunido en numerosas ocasiones. Después de la gira, se puso a grabar Behind the Sun, que supuso su primera colaboración con Phil Collins, que además de tocar la batería, se encargó de la producción. Este año sería especialmente significativo en la vida personal de Eric Clapton, ya que, aunque seguía casado con Pattie Boyd, empezó una relación con Yvonne Kelly. Fruto de esta relación, en enero de 1985 nació su hija Ruth. Ni Clapton, ni Kelly dieron a conocer el nacimiento de su hija, que no fue revelado al público hasta 1991. Así pues, Boyd no supo de la existencia de la niña hasta 1991, cosa que la indignó sobremanera llegando a decir:
"Lo que más me dolió fue que Eric supo de su existencia todo este tiempo. Mientras me declaraba amor incondicional, llevaba seis años pagándole manutención a Yvonne."

En 1986 se lanzó el álbum August, el título refiriéndose al mes de nacimiento de su primer hijo reconocido, Conor. Este álbum, también producido por Phil Collins, obtuvo las mejores ventas desde "Another Ticket". Cabe destacar la colaboración en varios de los temas de Tina Turner. En 1988 se editó Crossroads, una caja recopilatoria de cuatro discos, que hacía un repaso a toda su discografía desde su época de The Yardbirds.

En 1989, Clapton lanzó al mercado Journeyman, un álbum de muy diversos estilos, tocando el jazz, el blues, el pop y el soul. En este álbum colaboraron George Harrison, Phil Collins, Daryl Hall, Chaka Khan, Mick Jones de Foreigner, David Sanborn y Robert Cray. Aunque la crítica recibió el álbum sin grandes elogios, Clapton sostiene que es uno de sus favoritos. Este año Clapton se divorció de Pattie Boyd, que alegaba infidelidades."

Años 90

Los primeros años de la década de los 90 fueron especialmente trágicos para Eric Clapton. El 27 de agosto, su compañero Stevie Ray Vaughan, con el que estaba de gira, y dos de sus técnicos de gira murieron en un accidente de helicóptero durante el traslado entre conciertos. Después, el 20 de marzo de 1991, su hijo Conor, que contaba con cuatro años de edad, murió al caer de un piso 53 de un rascacielos de Nueva York en el que se encontraba con su madre. Su aflicción quedó plasmada en la canción "Tears in Heaven", coescrita con Will Jennings. La canción aparece primero en la banda sonora de la película "Rush" y después en su álbum de 1992 Unplugged, en una versión acústica, por el cual recibió seis premios Grammy, entre ellos el de álbum del año y mejor canción de rock del año.

En septiembre de 1994, se edita From The Cradle, que es el primer álbum de blues íntegro grabado por Clapton, en el que se recoge una colección de temas clásicos. Ganó el Grammy al Mejor Álbum de Blues Tradicional en 1995 y vendió más de 3 millones de copias en Estados Unidos, siendo el disco de blues que más ha vendido de la historia. En 1985 sale otro recopilatorio más, llamado "The Cream of Clapton".

En abril de 1996, se publica una nueva caja recopilatoria con el título Crossroads 2: Live In The Seventies, que consiste en actuaciones en directo grabadas entre los años 1974 y 1978, así como 4 temas de estudio inéditos. Clapton también obtuvo un gran éxito ese año con la canción compuesta por Wayne Kirkpatrick, Gordon Kennedy y Tommy Sims, "Change The World", con el que ganó un Grammy a la mejor canción del año en 1997, el mismo año en que grabó Retail Therapy, un álbum de música electrónica con Simon Climiel. También participó en un concierto homenaje a Stevie Ray Vaughan y en el concierto "Princes Trust" en Hyde Park, Londres.

En marzo de 1998, Clapton publicó el álbum Pilgrim con material totalmente nuevo, cosa que no ocurría en más de una década. En esta ocasión también cuenta con la colaboración de Simon Climiel, y recibió críticas dispares. En 1999 se edita un doble álbum con material de los años 70 llamado The Blues, y otro llamado Clapton Chronicles: The Best of Eric Clapton con material más reciente. Clapton acabó la década de los noventa con un álbum con B. B. King llamado Riding with the King que ganó un premio Grammy al mejor álbum de blues tradicional en 2001. Durante la grabación de este álbum conoció a su actual esposa Melia McEnery con la que se casó en 2002 y con la que tiene tres hijas: Julie Rose (13 de junio de 2001), Ella May (14 de enero de 2003), y Sophie Belle (1 de febrero de 2005).

Miembro de
The Yardbirds
John Mayall & The Bluesbreakers
Cream
Blind Faith
Delaney, Bonnie & Friends
Derek And The Dominos

Discografía

Eric Clapton - 1970 - Eric Clapton
Eric Clapton - 1974 - 461 Ocean Boulevard
Eric Clapton - 1975 - There's One In Every Crowd
Eric Clapton - 1976 - No Reason To Cry
Eric Clapton - 1977 - Slowhand
Eric Clapton - 1978 - Backless
Eric Clapton - 1981 - Another Ticket
Eric Clapton - 1983 - Money And Cigarettes
Eric Clapton - 1985 - Behind The Sun
Eric Clapton - 1986 - August
Eric Clapton - 1989 - Journeyman
Eric Clapton - 1994 - From The Cradle
Eric Clapton - 1998 - Pilgrim
Eric Clapton - 2000 - Riding With The King (con B. B. King)
Eric Clapton - 2001 - Reptile
Eric Clapton - 2004 - Me And Mr. Johnson
Eric Clapton - 2004 - Sessions For Robert J
Eric Clapton - 2005 - Back Home
Eric Clapton - 2006 - The Road To Escondido (con J.J. Cale)

Letras de Eric Clapton

Steve Howe • biografía & discografía

2009-09-04T20:07:00.004-03:00

Biografía

Stephen James "Steve" Howe (Holloway, Londres, Reino Unido; 8 de abril de 1947) es un guitarrista y músico de Rock, mejor conocido por su trabajo con el grupo de rock progresivo Yes. También ha sido un miembro de Syndicats, Bodast, Tomorrow, Asia y GTR, así como publicando 13 álbumes como solista hasta junio de 2005.

Las influencias tempranas

Steve Howe fue el menor de cuatro hermanos que crecieron en un hogar donde se cultivó un ambiente musical, escuchando música de bandas en registros de 78 RPM. Él cita varias influencias de la colección de su padre como Les Paul y Tennessee Ernie Ford del grupo Speedy West y Jimmy Bryant. Además, Howe escuchó guitarristas clásicos y del jazz como Barney Kessel, destacándolo como una influencia fundamental en su vida, "su estilo era una mezcla notable de melodías y acordes, que me hicieron entender que ningún guitarrista que no conozca los acordes no podrá tocar mucho con una sola melodía y viceversa porque ambas se relacionan estrechamente". Howe también acreditó como una gran inspiración a Chet Atkins a quien escuchó en 1959. Howe dijo sobre Atkins, "él me enseñó el concepto que un buen guitarrista debe dominar todos los estilos de guitarra".

Howe recibió su primera guitarra como un presente de Navidad de sus padres a la edad 12 años, una F-Hole Acústica, y pronto empezó a tocar en las salas locales. Él compró su primera guitarra eléctrica, una Gibson tipo jazz, en 1964: "En aquellos días nadie estaba tocando una Archtop en una banda de rock, era una guitarra clásica al modo del jazz, sin efectos, y muy ornamentada". Howe dijo sobre su ES-175: "Las personas se rieron de mi y pensaron que yo era un ridículo, para mí en cambio, no era sólo una guitarra, era un objeto de arte, y un reconocimiento a mis precursores", Él hizo su primera grabación en el Chuck Baya, en Maybellene en 1964 con los Syndicats el cual fue producido por Joe Meek. En 1968, él grabó dos álbumes con Tomorrow: The In Crowd y Bodast, destacando con el single "My White Bicyclete", punta de lanza de la psiscodelía británica de finales de los 60s.

Howe rechazó ofertas para unirse a The Nice y Jethro Tull mientras esperaba por un contrato de grabación junto a Bodast, pero el sello de esta banda quebró. Él se acercó entonces a los miembros de Yes Jon Anderson y Chris Squire como un posible reemplazo para Peter Banks quien había aparecido en los primeros dos álbumes del grupo.

Su sello en Yes

En la primavera de 1970, Howe, luego de audicionar para The Nice y Jethro Tull, decide unirse a Yes haciendo su primer show con el grupo en el Queen Elizabeth Hall el 21 de marzo de 1970. Como una curiosidad Howe fue fotografiado con el grupo para la carátula de la edición no-Europea del segundo álbum de Yes, Time And Word que se lanzó en agosto aunque era en realidad Banks quien había tocado en la grabación.

Su debut en el estudio no seria sino hasta el año siguiente en 1971 con The Yes Album, en donde al sonido ya característico de Yes de los primeros dos álbumes, se le agregaba una sólida y a la vez dinámica caracterización melódica, entregada mayormente por el amplio set de guitarras fenders, gibsons, mandolinas, guitarras acústicas, paseando fluídamente entre la psicodelia, el blues, el country, y hasta el barroco europeo, llegando hasta donde ninguna banda de rock había llegado hasta ese momento. Llegando a constituir de este modo el sonido progresivo característico de Yes. Célebre fue su solo para el tema Starship Trooper calificado por la revista Bilboard como uno de los mejores solos de guitarra eléctrica de la historia. La introducción de una dinámica y humoresca pieza de guitarra acústica llamada simplemente The Clap, para celebrar el acontecimiento del nacimiento de su primer hijo: Dylan, nos hace retroceder a los comienzos de la música popular a la era dorada del Rag Time.

La suma de Rick Wakeman después de la salida de Tony Kaye para el álbum siguiente, Fragile, creó el clásico sonido de Yes con Anderson-Howe-Squire-Wakeman asociado con el apogeo de los logros tempranos de la banda. A su surtido ya-formidable de guitarra eléctrica y acústica, Howe agregó un único acercamiento del rock progresivo para pedal steel en el próximo álbum, Close To The Edge, en donde la complejidad instruumental se fusionó con temas de contenido onirico y místico que continuará en los siguientes dos álbumes como Tales from Thopographic Oceans y Relayer los cuales tienen también el sello característico de Howe. Sus influencias clásicas y del jazz, junto con su tendencia a la experimentación continua, ayudó producir un estilo único entre músicos de rock, mientras que grupo tomó una posición en conjunto como una de la bandas más importantes del rock progresivo. Aunque la banda sufrió algunos cambios en los años setenta, Howe, Anderson, y Squire fueron los elementos constantes durante toda la década.

En octubre de 1975, luego luego de la gira de Relayer, la banda toma un receso, por lo que Howe aprovecha soltando Beginnings, su primer álbum solista. En él participan miembros de Yes como Alan White, Bill Bruford y Patrick Moraz y fue el número 63 en ventas en el EE.UU. y número 22 en los charts del REINO UNIDO.

Luego de dos álbumes más junto Yes, incluyendo a Rick Wakeman: Going for the One (1977) y Tormato (1978), Howe alcanzaría el mayor apogeo de su carrera.

Luego de terminada la gira por Europa, Howe se concetra en la producción de su segundo trabajo, The Steve Howe Album, que se lanzó en noviembre de 1979. Esta vez Howe incluyó además de sus característicos temas instrumentales, y la participación de sus compañeros en Yes, a la hermosa voz de la cantante Claire Hamill.

A principios de 1980, sin embargo, Anderson y Wakeman son marginados del grupo debido a su creciente interés por el sonido de la New Age y fueron reemplazados unas semanas después por los Buggles Trevor Horn y Geoff Downes, desencadenando el rechazo de los fans y la disolución de Yes el 18 de abril de 1981, a dos meses de finalizada la gira de promoción del álbum Drama.

Los 80s

Durante los próximos años, Howe contribuyó en varios álbumes producidos por Horn para otros artistas (incluso Frankie Goes a Hollywood y Propaganda). Además de una destacada participación en Asia entre 1982 y 1983 y en GTR junto al guitarrista Steve Hackett entre 1985 y 1987.

Luego de la disolución de Yes y Emerson Lake and Palmer y UK en 1982, Howe, se une a Geoff Downes, Carl Palmer y a John Wetton, en una nueva banda llamada Asia pero después de dos álbumes de éxito masivos y algunos hits como Heat of the Moment, Only Time Tell, o Don't Cry, Howe deja la banda a causa de las diferencias con Wetton en 1983.

Luego de Asia, Steve Howe junto con el ex-Génesis, el guitarrista Steve Hackett en 1986 forma GTR. Su único álbum, GTR, fue disco de oro, con el single When the Heart Rules the Mind, pero el interés de Hackett por seguir con su carrera solista llevo y la salida del vocalista Max Beacon, Howe descubre en los ensayos a un nuevo vocalista y guitarrista llamado Robert Berry con quien intentará producir un nuevo álbum, sin embargo, Howe finalmente decide disolver la banda, y recomienda a Robert Berry unirse a Keith Emerson y Carl Palmer en Three con quienes llega a tener cierto éxito con el single "Talking about you" en cual ya había sido producido anteriormente con Howe.

Los 90s

En 1989, Jon Anderson, desilusionado con el nuevo Yes comercial, se reúne con sus viejos compañeros Howe, Wakeman, y Bill Bruford (ABWH) para ofrecerles si ellos podían grabar algunas canciones juntos. Es así como ellos lanzaron un álbum y completaron una gira bajo el nombre Anderson Bruford Wakeman Howe, llevando a conflictos legales menores sobre de la propiedad del nombre de Yes. Para el año siguiente se reunieron para la grabación de un segundo álbum en Francia, el cual nunca llegó a terminarse, llamado simplemente ABWH-2, o más conocido como Dialogue, cuyo demos aparecerían más adelante en Homebrew y Homebrew 2.

Luego en 1991 a petición de Jon Anderson acepta incluir los temas a medio desarrollar en el estudio de grabación en New York con ABWH y participar en una gira de promoción para un álbum llamado Unión compartiendo escenario junto al Yes Pop de Trevor Rabin (incluyendo a Tony Kaye, Chris Squire y Alan White). Cual sería su sorpresa al oír la edición final del álbum y encontrar sobre sus huellas la intrusión de post-producción de otros guitarristas a pedido del productor Jonathan Elias con quien Jon Anderson había trabajado un par de años atrás.

En respuesta a su desencanto con Union, Howe decide tomar su trabajo para este álbum y con la colaboración del baterista Bill Bruford decide volverlos a producir en su estudio en Devon Inglaterra, esta vez como un set de temas acústicos junto a otros temas ya ensayados con GTR en un álbum llamado Turbulence, el cual es lanzado a finales de 1991. Este álbum seria el primero después de 12 años del lanzamiento de su último álbum como solista, retomando de esta manera su carrera en solitario.

Además, mismo año, él contribuyó con un el solo de flamenco en el tema Innuendo del álbum del mismo nombre de Queen una canción de corte épico que le daría el nombre a dicho álbum, el último antes de la ya anunciada muerte de Freddie Mercury.

Al año siguiente Colaboraría en cuatro temas con su ex-compañero y buen amigo Geoffrey Downes, en su nueva re-encarnación de Asia esta vez junto al joven vocalista John Payne, en un álbum titulado Aqua, en donde también colaboraría Carl Palmer. Participando también en la gira de promoción de dicho álbum.

A Partir de Turbulencce en 1991, Howe ha soltado una grabación casi cada año, yendo de lo acústico a lo progresivo, y a un particular tributo a Bob Dylan. Su hijo Dylan, ahora un respetado músico del jazz, tocó la batería en su descargo instrumental solista de 1998, Quántum Guitar [18]. Elements, realizado en el 2003, en ambos Dylan destacado y su hijo menor Virgil (en los teclados y coros), como la parte de un proyecto llamado Remedy.

Brevemente en 1993, Howe trabajó en las partes de la guitarra para un "Symphonic Yes" un álbum de versiones de clásicos, y entonces dejó la banda después de que el sello Victory lo omitió de una invitación para participar en las sesiones del estudio que llevarían a su próximo álbum Talk con Trevor Rabin.

Luego del fracaso de Trevor Rabin con Talk, Howe finalmente se reunió con Yes en 1996, para resucitar la alineación más clásica de esta banda junto a Rick Wakeman, realizando una serie de conciertos en San Luis Obispo en marzo de 1996[10]. Desde Keys to Ascension, Howe ha aparecido de nuevo en todos los álbumes grabados por Yes, imprimiéndoles su particular estilo.

El sitio web personal de Howe, Guitarra Rondo, se lanzó en mayo de 1996. El guitarrista toma un papel activo en el sitio dirigiendo las subastas para los álbumes de oros y las guitarras de colección, y contestando las preguntas de los fans.

El 24 de mayo de 1996, Howe recibió un Honoris Causa en música en la Five Towns College en Dix Hills, Nueva York.

En cuanto a Asia, después de 25 años algunas de las discordancias que lo llevaron a una ruptura con John Wetton se han reconciliado y subsecuentemente Howe se ha reunido con con los otros tres miembros fundadores en una gira mundial conmemorando los 25 años de su primer éxito a finales del 2006, re-interpretando los éxitos de sus primeros dos disco y preparando el lanzamiento de un nuevo disco para abril de 2008 llamado Phoenix.

El reconocimiento artístico

A pesar de los problemas que Yes estaba experimentando en ese momento, Howe fue elegido como "El Mejor Guitarrista de todos los tiempos" por Global la revista para guitarristas por cinco años (1977 - 1981) y se instaló en la "Galería de los más grandes guitarristas de todos los tiempos" en 1981.

La Gibson Guitar Corporation, la Segunda fabricante de guitarras eléctrica para Howe (qué él todavía esta tocando después cuarenta años), declaró que Howe "elevó la guitarra de la rock a un "nivel de arte" y ayudó definir un nuevo estilo de música conocido como la "art rock". En un tributo a Howe y su guitarra Gibson ES-175, Gibson produjo una edición limitada en 2002.

El sello en su música

En los primeros años de Yes junto a Steve Howe, la banda incluiría dos de sus temas que serían lo más célebres de su carrera como The Clap en The Yes Album, en donde una guitarra sincopada Rondo se pasea con fluidez y con fuertes raíces en Ragtime y el Country Blues. The Clap es una canción que ha sido solicitada e interpretada en cada una de las actuaciones en vivo de la banda. Además del tema Mood For A Day aparecido como una sesión de estudio en Fragile la cual tiene sus raíces en el Flamenco Clásico. Esta pieza, la cual fue incluida en el disco Fragile ha sido un referente para todos los estudiantes de guitarra clásica en el mundo. Es muy popular entre la comunidad guitarristas clásicos, ya que mezcla varias técnicas y escalas que todo estudiante de guitarra tiene que dominar, además de que es una obra que es muy bien recibida por cualquier tipo audiencia. Artistas de la talla de Steve Morse y L.A. Guitar Quartet han grabado esta hermosa obra. Prácticamente en todos los conciertos de Yes desde 1972, Steve Howe ha interpretado esta composición.

Artistas relacionados
Yes
Asia
GTR
Anderson, Bruford, Wakeman, Howe
Bodast
Tomorrow
The Syndicats
Explorer's Club

Discografía

Steve Howe - Beginnings (1975)
Steve Howe - The Steve Howe Album (1979)
Steve Howe - Turbulence (1991)
Steve Howe - The Grand Scheme of Things (1993)
Steve Howe - Not Necessarily Acoustic (1994)
Steve Howe - Homebrew (1996)
Steve Howe - Quantum Guitar (1998)
Steve Howe - Pulling Strings (1999)
Steve Howe - Portraits of Bob Dylan (1999)
Steve Howe - Homebrew 2 (2000)
Steve Howe - Natural Timbre (2001)
Steve Howe - Skyline (2002)
Steve Howe - Steve Howe's Remedy - Elements (2003)
Steve Howe - Guitar World (2003)
Steve Howe - Spectrum (2005)
Steve Howe - Remedy Live (2005)
Steve Howe - Homebrew 3 (2005)
Steve Howe - Steve Howe Trio Live (2007)
Steve Howe - Steve Howe Trio: The Haunted Melody (2007)

Buffalo Springfield • biografía & discografía

2009-07-27T12:25:00.003-03:00

Biografía

Buffalo Springfield fue una banda folk rock estadounidense de corta vida aunque de gran influencia, que sirvió de plataforma de lanzamiento para las carreras de Neil Young, Stephen Stills, Richie Furay y Jim Messina. Tras su formación, en abril de 1966, una serie de interrupciones de planes, y rencillas internas, además de la presión añadida del mundo de los negocios en la música, dio como resultado cambios continuos en la formación de de la banda, finalmente culminados en la disolución de la banda tras apenas 25 meses. La banda publicó sólo tres álbumes pero también aportó un legado que incluye numerosas demos, grabaciones en vivo y de estudio.

Orígenes

Si bien la banda se formó a principios de 1966, la génesis del grupo bien puede atribuirse a la oportunidad de encontrarse que tuvieron un año antes, cuando Neil Young y Stephen Stills cruzaron sus caminos por primera vez en Fort William, Ontario. Young estaba allí con The Squires, la banda que había liderado desde 1963, y Stills estaba de gira con The Company, un banda folk rock con cinco miembros de la antigua banda Cafe Au Go Go. Si bien ambos no se volvieron a ver el uno al otro hasta pasado un año, el encuentro dejo en ambos un fuerte deseo de trabajar juntos.

Algo más tarde, cuando The Company se disolvió al acabar la mencionada gira, Stills se trasladó a la Costa Oeste, donde trabajó como músico de estudio por un tiempo. Aconsejado por el productor Barry Friedman, quien le decía que tendría trabajo si preparaba una banda, Stills invitó a varios músicos: Richie Furay, de Cafe Au Go Go y un antiguo componente de The Squirres, el bajista Ken Koblun, para probar.

A principios de 1966, Neil Young conoció a Bruce Palmer, quien por aquella época tocaba el bajo para una banda llamada Mynad Birds. Por la necesidad de un guitarrista, Palmer invitó a Young a unirse a la banda, oferta que fue aceptada. Mynah Birds se reunieron para grabar un álbum para Motown Records, momento en el que Rick James, su cantante, fue arrestado por evitar el llamamiento a filas. Con su contrato discográfico cancelado, Young y Palmer decidieron dirigirse a Los Ángeles, donde esperaban encontrarse con Stills. Apenas una semana después, desanimados por no ser capaces de encontrar a Stills, y listos para ponerse camino a San Francisco, se vieron envueltos en un gran atasco de tráfico, y encontraron a Stills en carril de sentido contrario. Entonces los cuatro decidieron unirse en una banda. Menos de una semana después, se unió en batería Dewey Martin, quien había trabajado con artistas de estilo country como Patsy Cline y The Dillards, a sugerencia del mánager de los Byrds, Jim Dickson.

Tomando el nombre de una apisonadora aparcada frente a la casa de Friedman, donde estaban también viviendo Stills y Furay, la banda debutó un 11 de abril, e iniciaron una gira por California como teloneros de Dillards y los Byrds.

El club nocturno Whisky A Go Go, un contrato discográfico, y las revueltas de Sunset Strip

Al acabar the Byrds su gira, Chris Hillman convenció al propietario del pub Whisky A Go Go para que fuese a escucharles. como resultado, Buffalo Springfield pasaron a ser la banda principal del bar por un período de siete semanas, desde el 2 de mayo al 18 de junio. Esta importante serie de concierto solidificó la reputación de la banda por su directo y atrajo el interés inmediato de varios sellos discográficos locales. Al final, fue Atlantic Records quienes los contrató para grabar en los estudios Gold Star en Hollywood.

Young, Stills, y Furay querían grabar algunas demostraciones antes del álbum, pero Greene y Stone, quienes se habían autoimpuesto el rol de productores del álbum, consideraron la voz de Neil Young "demasiado extraña" y asignaron como vocalista principal de la mayoría de las canciones escritas por Young a Furay.

Su primer sencillo, “Nowadays Clancy Can’t Even Sing”, fue publicado en julio de 1966 pero tuvo poca repercsión fuera de Los Ángeles. el grupo estaba insatisfecho, y reconstruyeron alguna de sus grabaciones anteriores para el resto del álbum. De hecho, Young y Stills han asegurado por un largo período de tiempo que su propia mezcla en mono era de superior calidad a la mezcla estéreo de los ingenieros Greene y Stone. El álbum homónimo a la banda originalmente fue publicado por el sello discográfico subsidiarrio de Atlantic Records Atco Records con sonido monocanal en octubre de 1966, siiendo publicada una versión estéreo con diferente orden de pistas en marzo de 1967.

En noviembre de 1966, Stills escribió la que es la canción emblema de la banda "For What It's Worth" tras observar las revueltas de Sunset Strip. La grabación de este tema fue en diciembre, y a partir de enero de 1967, Buffalo Springfield logró poner la canción en los puestos altos de las listas de ventas.

Multitud de cambios en la formación de la banda

En enero de 1967, el grupo viajó a Nueva York a instacias de la discográfica. Fue entonces cuando, en su hotel, Palmer fue por primera vez arrestado por posesión de marihuana, y deportado a Canadá. La banda se movió entre sesiones de grabación y apariciones en directo en las dos costas americanas, contratando a varios bajistas en sustitución de Palmer.

Bajo estas condiciones, el trabajo en el nuevo álbum, llamado inicialmente Stampede, fue tenso. Desconfiando de Greene y Stone, Young y Stills también reñían entre ellos, y cada cual insistía en ser el productor de sus propias composiciones. Furay, quien no había contribuido material hasta entonces excepto su guitarra y su rol de vocalista, dio un paso adelante e igualó el número de contribuciones de Neil Young en su segundo álbum.

Si bien Palmer volvió al grupo a principios de junio, Young ya había dejado la banda y de ese modo corrían el riesgo de perderse el Monterey Pop Festival. Young volvió en agosto, y tras despedir a Greene y Stone, el grupo repartió su tiempo entre sus conciertos y darle sus últimos retoques a su segundo álbum, llamado al final Buffalo Springfield Again.

Si bien se puede considerar más un batiburrillo de trabajos individuales que un auténtico esfuerzo en conjunto, muchos críticos consideran Buffalo Springfield Again, publicado en noviembre de 1967, como la grabación más exquisita de Buffalo Springfield, y que incluye gran número de pistas de gran importancia, como Mr. Soul, Rock & Roll Woman, y Sad Memory. Si bien, para muchos fans de la banda, es la composición "Bluebird" la que permanece en su memoria.

Disolución de la banda

En enero de 1968, la segunda deportación de Palmer, nuevamente por posesión de drogas, rompió el transcurso de las sesiones. Esta vez, fue contratado para su sustitución el guitarrista e ingeniero de estudio Jim Messina. Sin Palmer, también Young empezó a aparecer con menos frecuencia, no pocas veces incluso dejando a Stills el papel de guitarra principal en los conciertos. Se reservó una sesión de grabaciones, grabándose todas las canciones de su tercer álbum a finales de marzo, pero estaba claro que la banda iba a desaparecer. En abril de 1968, tras otra nueva detención por consumo de drogas, en el que se vieron envueltos Young, Furay, Messina, y Eric Clapton, la banda se disolvió.

Su último concierto tuvo lugar en el Long Beach Arena, un 5 de mayo de 1968. Tras tocar muchos de sus más conocidos temas, una versión extendida de "Bluebird" se convirtió en su despedida. El grupo se había disuelto apenas dos años después de su formación.

Tras la ruptura, Furay y Messina recogieron diversas grabaciones de entre mediados de 1967 y principios de 1968, en un tercer y último álbum de estudio llamado Last Time Around. Sólo en unas cuantas de las canciones participaban más de dos o tres miembros a la vez, y suele ser descrito por la crítica como su peor álbum. Stills y Furay aparecían en más pistas que los demás componentes, y básicamente eran quienes habían impuesto su visión en el álbum, si bien éste no triunfó.

Legado y reconocimiento

A pesar de no ser nunca un banda de gran éxito comercial, "For What It’s Worth" fue un éxito en toda regla, y la reputación de la banda creció aún más con el éxito sucesivo de sus componentes. Stills formó banda con David Crosby, de The Byrds, y Graham Nash de The Hollies en 1968; Neil Young inició su carrera en solitario, si bien se implicó de forma importante en varios de los álbumes de la banda de Crosby, Stills y Nash, perpetuando así sus complicadas relaciones con Stephen Stills. Furay y Messina fundaron Poco antes de dedicarse a otros proyectos.

Tras grabar un álbum en 1970, fracasado comercialmente, Palmer cayó en el olvido, si bien ocasionalmente tocó en algunos tributos a la banda, y en bastantes ocasiones participó como bajista para Crosby, Stills y Nash, siendo sustituido en participaciones porteriores por el bajista Greg Reeves. También colaboró en varios de los álbumes de Young de los años 80.

Dewey Martin siguió con The New Buffalo Springfield hasta formar después un nuevo grupo, Dewey Martin and Medicine Ball, y grabar un LP con UNI Records.[1]

En 1997, la banda fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame, aunque Young no participó en la proclamación. En 2001, fue publicado un disco recopilatorio de la banda preparado por Neil Young. El disco incluía numerosas demos, tomas y mezclas alternativas.

En su álbum publicado en 2000 Silver & Gold, Young cantó su deseo de recuperar la banda. Desafortunadamente, con la muerte en octubre de 2004 de Palmer, la reunión ha dejado de ser posible.

Miembros
Richie Furay
Dewey Martin
Jim Messina
Stephen Stills
Neil Young
Bruce Palmer

Discografía

Buffalo Springfield - Buffalo Springfield (1966)
Buffalo Springfield - Buffalo Springfield Again (1967)
Buffalo Springfield - Last Time Around (1968)
Buffalo Springfield - Buffalo Springfield (1997)

Silvio Rodríguez • biografía & discografía

2009-07-25T13:26:00.005-03:00

Biografía:

Silvio Rodríguez Domínguez (San Antonio de Los Baños, Cuba, 29 de noviembre de 1946) es un músico, poeta y cantautor cubano.

Exponente de la música cubana surgida con la Revolución, Silvio es uno de los cantautores cubanos con más relevancia internacional. Forma parte del grupo de músicos (Pablo Milanés, Noel Nicola, Vicente Feliú y otros) que crearon el movimiento de la nueva trova cubana.

La niñez

Silvio Rodríguez Domínguez nació el 29 de noviembre de 1946 en el pueblo de San Antonio de Los Baños, un fértil valle al sur de La Habana conocido por su cultivo del tabaco. Se crió en una familia campesina pobre. Su padre, Víctor Dagoberto Rodríguez Ortega, fue campesino y poeta aficionado que apoyaba las causas socialistas. Su madre, Argelia Domínguez León, era estilista. En muchas ocasiones Silvio ha afirmado que su amor por la música se desarrolló gracias a su madre, quien cantaba boleros y canciones de Santiago. Y, aunque un tío de Silvio tocaba el bajo, la influencia de su madre fue mucho mayor.

Cuando Silvio tenía cinco años de edad, su familia se trasladó a La Habana. A los siete, recibió gratuitamente algunas clases de piano, gracias a Margarita Pérez Picó. Cuando el futuro cantautor contaba con diez años de edad, sus padres se divorciaron y la madre se lo llevó a él y a su hermana de regreso a su pueblo natal, y retornaría a La Habana en 1958, un mes antes del triunfo de la Revolución.

En 1960 Silvio pasa a formar parte de las filas de la Asociación de Jóvenes Rebeldes (AJR).

En 1961 Silvio se inscribe en las milicias: la secundaria "Carlos J. Finlay". Participa en las campañas de alfabetización con la brigada "Conrado Benítez" en la Sierra Gavilán y Rancho Luna, ubicada en la actual provincia de Cienfuegos; posteriormente lo hace en la Ciénaga de Zapata y, al año siguiente, empieza a trabajar como dibujante de cómics en el semanario Mella, donde Lázaro Fundora pone en sus manos por primera vez una guitarra. También en esos años conoce a Vicente Feliú.

Juventud

En 1962 hace estudio de piano durante algunos meses. Estudia pintura en la escuela San Alejandro.

En el mes de marzo de 1964 empezaría a cumplir el servicio militar obligatorio, donde comenzaría a tocar y componer canciones por las noches. De esa época son conocidas actualmente canciones como El viento eres tú, Y nada más, La canción de la trova o Quédate. También formaría un dúo con Luis López, quien tocaba la guitarra eléctrica. Pronto empezaría a escribir artículos periodísticos y poemas para distintas revistas.

En el año 1967 gana primera mención en el concurso literario de las FAR con su libro de poemas Horadado Cuaderno No. 1. En ese mismo año termina el servicio militar.

Al día siguiente de ser desmovilizado, Mario Roemu, padre de una amiga de Silvio, lo anima a presentarse en el programa de televisión Música y estrellas, y le hace los arreglos de Sueño del colgado y el árbol y Quédate, las canciones que interpretaría. En esa época comienza a dar sus primeros recitales en solitario o como telonero de César Portillo de la Luz (autor del conocido bolero Contigo en la distancia). Posteriormente entró en la Casa de las Américas, organización cultural dirigida por Haydée Santamaría, donde coincidió con otros cantautores como Pablo Milanés o Noel Nicola.

Al morir el Che Guevara, Silvio compone con sonidos rockeros La era está pariendo un corazón y Fusil contra fusil, canciones que en 1968 se incluirían en el disco colectivo Hasta la victoria siempre, Che querido. También comenzaría en aquella época a aparecer como artista principal en el programa de televisión Mientras tanto, que a fin de año se retiró de antena después de que Silvio elogiase a Los Beatles. Al año siguiente, (1969), Rodríguez, luego de mucha insistencia, logró enrolarse como trabajador en el barco pesquero Playa Girón, y navega durante casi 5 meses por el Océano Atlántico y las costas africanas (haciendo escala en Gran Canaria y Lanzarote). Durante el transcurso del viaje compone un total de 62 canciones (muchas de ellas conocidas, como por ejemplo Ojalá, Playa Girón, Boga Boga, Jerusalén Año Cero, Cuando digo futuro o Al final de este viaje en la vida), que muchos años más tarde se editarían en el libro Canciones del mar.

Cuando regresa del viaje en barco, el 28 de enero de 1970, se reincorpora al Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC (GESI), que se encargaría de grabar bandas sonoras de distintas películas y documentales cubanos. Recibe una emergente educación musical de la mano de maestros como el compositor y guitarrista Leo Brower, Juán Elósegui y el genial norteamericano Fred Smith. El GESI investigaría y fusionaría elementos de la música tradicional cubana y afroamericana, el rock, el jazz, la música clásica, la música electrónica, el happening, el fenómeno beat, entre otros, dando como resultado un sonido original. De esta época son algunas grabaciones como Fusil contra fusil, El papalote, Cuba va (rock compuesto para la película homónima del británico Felix Green y cantado junto a sus coautores Pablo Milanés y Noel Nicola), El Mayor y Granma (una espectacular obra colectiva), La oveja negra, Si tengo un hermano, etc. Estas canciones serían editadas años más tarde en discos como los tres del GESI, Cuando digo futuro o Memorias.

En 1972 hace una gira por Alemania y Chile, donde actúa con Isabel Parra (hija de Violeta Parra). Ese año se celebraría en La Habana el Encuentro de Música Latinoamericana. A finales de año, el 1º de diciembre, Silvio, Pablo y otros nuevos cantautores cubanos, la mayoría vinculados al GESI (Noel Nicola, Eduardo Ramos, Augusto Blanca, Vicente Feliú, Lázaro García, Sara González, Pancho Amat (tresero que años más tarde formaría parte de la banda de Juan Perro y en la actualidad el cabildo del son) y otros, se unen para formar la Nueva Trova Cubana y se dedican a buscar a nuevos trovadores por toda la isla.

En 1974 se celebró en la República Dominicana el Festival Internacional de la Nueva Canción Siete Días con el Pueblo, al cual asistió una delegación cubana compuesta por Silvio y Noel Nicola. Otros artistas participantes de este evento fueron: Mercedes Sosa, Ana Belén, Víctor Manuel, Pi de la Serra, Los Guaraguao, Danny Rivera, Roberto Darwin, Sonia Silvestre, Víctor Víctor, Guadalupe Trigo y Expresión Joven, entre otros. Fue la primera vez que Silvio cantó ante un estadio repleto.

En 1975 graba su primer LP Días y flores con arreglos propios y el acompañamiento de los músicos del GESI y de la Orquesta EGREM. En la España de Franco este disco se tuvo que titular "Te doy una canción" ,debido a la prohibiciónes de Días y Flores , canción que da título al disco (y que contiene la frase "la rabia, coño, paciencia, paciencia...) y de Santiago de Chile. Destacan los temas Pequeña serenata diurna, con aires de bossa nova brasilero, Yo digo que las estrellas y el surrealista Sueño con serpientes. Por entonces el uruguayo Daniel Viglietti grabaría su disco "Trópicos" con el GESI.

En 1976, Silvio, como muchos otros artistas cubanos, se alista como combatiente en las brigadas internacionalistas cubanas a la guerra de Angola. Contando con los artistas alistados, las Fuerzas Armadas crean una brigada cuya misión era llevar el arte a las trincheras. Tras hacer Testamento (luego grabado en el disco Rabo de nube), marcha hacia ese país, donde compone, entre otras, Canción para mi soldado, Pioneros y La Gaviota. Junto a Silvio iban Vicente Feliú, el mago José Alvarez Ayra y, durante un recorrido por el sur de Angola, el cuarteto Los Cañas.

A su regreso hace una gira por España, donde grabaría, en dos sesiones de trabajo y acompañado tan sólo por su guitarra, el disco Al final de este Viaje, donde interpreta algunas de sus primeras canciones (algunas de ellas ya grabadas con el GESI y editadas en discos recopilatorios), como Ojalá, La era está pariendo un corazón, Canción del elegido y Óleo de mujer con sombrero (esta última perteneciente a una tetralogía pictórica de la que sólo sería conocida este Óleo...). Su siguiente disco, en 1979, también sería sólo con guitarra: se tituló Mujeres y presenta temas como Adónde van, el humorístico Cierta historia de amor y Qué hago ahora (¿Dónde pongo lo hallado?).

En el verano de 1978 viajaría por primera vez a los Estados Unidos, donde actuó junto a Pete Seeger, y luego a Dinamarca, a Noruega y a Suecia, donde sería llevado por el primer ministro Olof Palme a cantar en una reunión de los socialistas europeos. A partir de entonces empezaría a hacer giras por toda América Latina y España. En 1980 grabó Rabo de nube I (aunque el segundo volumen jamás llegó a grabarse), donde combinaba elementos acústicos con teclados y sintetizadores. El disco incluía la colaboración de la hermana de Silvio, Anabel López, en Te amaré, y de Yanela Lonjos en el arpa de Rabo de nube. El disco incluía además temas como Vamos a andar, Fábula de los tres hermanos y Testamento, que termina con una curiosa coda instrumental. En 1981, durante un concierto en Zaragoza (España), la policía irrumpió en el escenario y desalojó el recinto usando gases lacrimógenos.

En los años ochenta "las fronteras se besan y se ponen ardientes"

En 1982 grabó Unicornio, que incluía la canción del mismo título que luego se convertiría en la que es, quizá, la más famosa canción de Silvio. El disco, con una orquestación más rica que el anterior, incluía además la Canción urgente para Nicaragua, un homenaje a la revolución sandinista de 1979; Por quien merece amor, una crítica a la política de los Estados Unidos y un canto a la solidaridad internacionalista cubana; La maza (con ritmo de chacarera argentina) y otras canciones de temática diversa. En la gira estuvo acompañado por Pablo Milanés y tres músicos más.

En 1983 colaboró en el disco de Aute Entre amigos. Sus primeros conciertos en Argentina (1984), con la colaboración de músicos como León Gieco, Piero y Víctor Heredia, serían editados luego en disco. En 1984 también grabó el multidisco Tríptico, acompañado por Frank Fernández, antiguos músicos del GESI, y las cuerdas de la Camerata Brindis de Salas, con colaboraciones como Anabel López, Pablo Milanés, Pancho Amat o el grupo Manguaré. En 1985 colaboraría en el disco Querido Pablo, donde el cantautor Pablo Milanés, en un disco producido por Víctor Manuel, daría un repaso a sus viejos temas con nuevos arreglos y con colaboraciones de viejos amigos cantautores y escritores.

En 1985, Silvio Rodríguez comenzaría una gira con el grupo Afrocuba, dirigido por Oriente López, y formado por nueve músicos. Con ellos grabaría en 1986, en los estudios Sonoland de Madrid, el doble disco Causas y azares (con temas como Sueño de una noche de verano, Canción en harapos, una crítica a la hipocresía y la comodidad "pequeñoburguesa", con la que él mismo se golpea; Réquiem, una triste canción de desamor; Te conozco, con una bellísima coda instrumental, y No hacen falta alas, estas dos últimas compuestas para la película Como la vida misma, de Víctor Casaus).

En 1988, entre Londres y La Habana, graba Oh melancolía (también disco doble), con temas como el feminista Eva, Jerusalén año cero (una reflexión sobre quién habrá sido Jesucristo, si es que existió), En el jardín de la noche (un homenaje a Arnaldo Tamayo, la luna y a los viajes espaciales) y El extraño caso de las damas de África (un tema de salsa bastante mal visto por los críticos). El segundo de estos discos fue considerado por algunos demasiado comercial.

Posteriormente, en 1990, Silvio haría gira con el mítico grupo cubano Irakere y el gran pianista Chucho Valdés. Tras la apertura democrática en Chile, Silvio viajaría con su grupo a ese país y daría un concierto en el Estadio Nacional de Santiago, ante 80.000 personas. De este concierto saldría un disco triple (y CD doble), en el que aparecerían temas no grabados en estudio como Venga la esperanza o la bellísima El hombre extraño, dedicada al cantautor Víctor Jara.

Terminando la década colabora con Carlos Alfonso y su grupo Síntesis, publicando El hombre extraño, que incluye ocho composiciones de Silvio arregladas por Alfonso. Silvio Rodríguez participa en la interpretación del tema que da nombre al trabajo y haciendo coros en otras canciones. El hombre extraño fue publicado inicialmente como LP en Cuba y luego como disco compacto por una editorial francesa.

En 1992 hizo gira con Diákara (con músicos de Afrocuba e Irakere) y comenzaría a grabar un disco que aún no ha sido publicado. Por esa época empezaría a apoyar a músicos de la llamada Novísima Trova Cubana, como Carlos Varela, y colaboraría en discos de distintos artistas y grupos como Taller Canario.

Los años noventa, la trilogía, Silvio Rodríguez Domínguez

En 1992 hacía su aparición el disco Silvio, el primero de una trilogía (luego tetralogía, con Descartes), en principio sólo con guitarra. Le seguirían Rodríguez (1994) y Domínguez (1996). Esos discos, con una gran aceptación entre el público, incluían temas como Quien fuera, La guitarra del joven soldado (recordando su juventud), el swing La desilusión, Escaramujo (de la cual existe una bellísima versión del grupo coral cubano Vocal Sámpling), Flores nocturnas (un canto a las prostitutas), Desnuda y con sombrilla (un curioso tema erótico), Ala de colibrí, Canción del trovador errante (un tema totalmente hablado sobre un fondo electrónico), Me quieren (un divertido tema sobre sus “enemigos”) o Reino de todavía (sobre la situación actual entre Cuba y los Estados Unidos). Esta trilogía, casi sólo con guitarra (con pequeños toques de percusión manual y “natural” y tímidos elementos eléctricos en Domínguez, donde colaborarían su madre y su hermana Anabel), se vio completada con Descartes, de menor difusión, que incluye temas como Rosana. En 1993 graba con Luis Eduardo Aute el disco en directo "Mano a mano", y vuelven a hacer gira juntos a finales de los años noventa. A estas actuaciones siguió un largo periodo de ausencia de los escenarios, que el cantante ha venido justificando por su cansancio de la escena, y que ha sido roto con la nueva gira que comenzó en 2006 y que durante 2007 le lleva por diversos países de Hispanoamérica y por España.

En 1999 editó, junto con el guitarrista Rey Guerra, el disco Mariposas, con la colaboración de la compañera de Silvio, Niurka González, que toca la flauta en dos temas. Disco sin el éxito de los anteriores, incluiría temas como Olivia, Viñeta o Sin hijo ni árbol ni libro. Después de un periodo sin giras, puso manos a la obra y compuso e hizo arreglos en su siguiente disco, que sería orquestal: Expedición sería editado en el 2002, y en él participaron miembros de la Orquesta Nacional de Cuba, algunos de los músicos habituales en la discografía de Silvio (su hermana Anabel López, Pancho Amat, Niurka González, Yanela Lonjos, etc.), estudiantes de música, y miembros de Diákara. Incluye temas como Tiempo de ser fantasma, Sortilegio, Fronteras, Anoche fue la orquesta y el conmovedor y antiquísimo Quédate.

En el Siglo XXI

En 2003 edita el disco Cita con ángeles, dedicado a su hija Melva y a su nieto Diego nacidos ambos hacía poco, y donde también participa su mujer, la destacada flautista Niurka González. El disco tiene temas que hablan sobre la situación actual en el mundo, principalmente sobre el conflicto entre los Estados Unidos e Iraq.

En el 2006 edita Érase que se era, un disco doble con temas compuestos entre los años 1968 y 1970 que en su gran mayoría no habían sido publicados anteriormente. Lleva a cabo una gira por diversos países latinoamericanos y España, con la compañía del trío de cuerdas Trovarroco, la percusión de Óliver Valdés y la flauta y el clarinete de Niurka González, con quien actualmente está casado.

El 23 de febrero de 2007 recibe el grado de doctor Honoris Causa por parte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos "en mérito a su excelencia artística, que lo ha llevado a ser considerado uno de los mayores exponentes de la Nueva Trova Cubana".[1] Ésta es la más alta distinción académica que confiere esta casa superior de estudios, la de mayor antigüedad del continente americano.

Durante la gira de 2007, aprovechando su paso por República Dominicana, el artista gráfico dominicano Óscar Rodríguez realizó una exposición gráfica basada en la obra de Silvio y como homenaje a este distinguido artista. Durante esta gira, tras tocar en la ciudad de Santiago de Chile, debía realizar otro recital en la ciudad de Talca, pero el mismo día en que debía tocar (jueves 9 de marzo) decidió cancelar la presentación debido, según el comunicado, a su disconformidad con el alto precio de las entradas; a modo de compensación, el cantautor volvió para presentarse gratuitamente en Talca el domingo 2 de diciembre.

Discografía:

Silvio Rodríguez - Pluma En Ristre (1968-69)
Silvio Rodríguez - Días Y Flores (1975)
Silvio Rodríguez - Te Doy Una Canción (1975)
Silvio Rodríguez - Cuando Digo Futuro (1977)
Silvio Rodríguez - Al Final De Este Viaje (1978)
Silvio Rodríguez - Antología (1978)
Silvio Rodríguez - Mujeres (1979)
Silvio Rodríguez - Rabo De Nube (1980)
Silvio Rodríguez - Unicornio (1982)
Silvio Rodríguez - Tríptico (1984)
Silvio Rodríguez - Causas Y Azares (1986)
Silvio Rodríguez - ¡Oh, Melancolía! (1987)
Silvio Rodríguez - Memorias (1987)
Silvio Rodríguez - Silvio Rodríguez En Chile (1990)
Silvio Rodríguez - España Y Argentina En Vivo (1990)
Silvio Rodríguez - Canciones Urgentes (1991)
Silvio Rodríguez - Silvio Autobiográfico (1992)
Silvio Rodríguez - Silvio (1992)
Silvio Rodríguez - Rodríguez (1994)
Silvio Rodríguez - Domínguez (1996)
Silvio Rodríguez - Descartes (1998)
Silvio Rodríguez - Mariposas (1999)
Silvio Rodríguez - Expedición (2002)
Silvio Rodríguez - Cita Con Ángeles (2003)
Silvio Rodríguez - Érase Que Se Era (2006)

Frijid Pink • biografía & discografía

2009-07-19T13:30:00.004-03:00

Biografía:

Frijid Pink is a Detroit area hard rock/blues band formed in 1967, best known for their version of "House of the Rising Sun", released in 1969.

The initial line-up of the band included drummer Richard Stevers, guitarist Gary Ray Thompson, bassist Tom Harris, lead singer Tom Beaudry (aka:Kelly Green), and later Larry Zelanka as off staff keyboardist.

History

Frijid Pink, formed from members of the Detroit Vibrations, spent their first two years steadily touring throughout the Southeast Michigan/Detroit area. The group eventually signed with Parrot Records in 1969. Their first two singles, "Tell Me Why" and "Drivin' Blues", failed to attract much attention, but their third effort for the company, a distorted guitar driven rendition of "House of the Rising Sun", reached the Top Ten on the U.S. Billboard Hot 100. This disc sold over one million copies, thereby receiving a gold disc.[1] Ironically, the song was literally "filler", helping to round out the final time slot at the end of a recording session. A big hit in the U.S. (rising to #7 in February 1970), it became an even bigger hit in Europe. The band was so popular in their native Detroit area that a fledgling Led Zeppelin (who were just then getting started from the remnants of The Yardbirds) opened for them at Detroit's Grande Ballroom. Frijid Pink often shared billing then with the MC5, The Stooges, The Amboy Dukes and others.

Frijid Pink's self-titled debut LP followed in 1970, as did their sophomore release Defrosted, with most of the first album's writing credits and all of the second album's writing credits going to Beaudry/Thompson. Subsequent singles including "Sing a Song for Freedom" and a cover of "Heartbreak Hotel" failed to match earlier successes, and after the departure of Beaudry and Thompson, a new lineup, featuring Jon Wearing on vocals, Craig Webb on guitar and Larry Zelanka on keyboards recorded 1972's Earth Omen. The group would have another lineup in place before re-entering the studio to record 1975's All Pink Inside, with Jo Baker taking over on vocals and Larry Popolizio playing the bass.

Over the years there have been several personnel line-ups for Frijid Pink, even some without any original members. One such version of the band formed in 2001. They recorded one album, Inner Heat, which was set for release in 2002, but was pulled by the record label, Dynasty Records. In 2005 another lineup formed featuring most of the original members; drummer Stevers had succeeded in getting bassist Tom Harris and vocalist Tom Beaudry together with guitarist Steve Dansby (ex late 1970s lineup of Cactus) and keyboardist Larin Michaels. In late 2006, after an attempt to once again reunite the original members, Stevers began auditioning other musicians for the reformation of Frijid Pink. This new lineup has recorded an album and continues to play club dates and public functions in the southeast Michigan area.

Miembros:

Rick Stevers
Phil "Mac" Mcllvenna
Joe Gillis
Brent Austin
Ricky Houke
Kelly Green
Gary Ray Thompson
Tom Harris
Larry Zelanka
Jon Wearing (Died January 4, 2009)
Craig Webb
Jo Baker
Larry Popolizio
Reggie Vincent
Rondy Burgett
David Ahlers
Mike Wood
Danny Romanek

Discografía:

Frijid Pink - Frijid Pink (1970)
Frijid Pink - Defrosted (1970)
Frijid Pink - Earth Omen (1972)
Frijid Pink - All Pink Inside (1975)
Frijid Pink - Inner Heat (2002)
Frijid Pink - TBA (2009)

Judas Priest • biografía & discografía

2009-07-17T21:19:00.002-03:00

Biografía:

Judas Priest es un grupo británico de heavy metal, considerado uno de los más influyentes en el desarrollo de este estilo. Sus integrantes reciben su inspiración musical básicamente de los grandes del rock psicodélico, rock progresivo y el hard rock, como Cream, Jimi Hendrix, Deep Purple y Led Zeppelin aunque desde sus inicios buscaron un sonido propio que los diferenciara de las bandas de la época, anticipando así el estilo metálico que se desligaba del sonido blues, proceso iniciado por Black Sabbath y que marcaría la era de la New Wave Of British Heavy Metal. Judas Priest terminó de definir el sonido heavy metal, siendo la primer banda en basar su sonido 100% en el estilo, ya que los llamados precursores (Deep Purple, Led Zeppelin y Black Sabbath) incluían otros generos como el hard rock en sus composiciones. Incluso Black Sabbath comenzó un proceso de experimentos de sonidos dentro del metal desde su tercer álbum Master of Reality, que más tarde se conocerían como stoner rock y doom metal. También se les identifica como pioneros en imponer un tipo de indumentaria característica del heavy metal, el cuero y los accesorios de metal vinculados directamente a su música. Ello se hizo a través de su vocalista, Rob Halford, quien adoptó dicha indumentaria como su imagen (debido a sus visitas a tiendas de objetos fetichistas), cada vez que se presentaba en público, induciendo al resto de la banda para que hicieran lo mismo. Han vendido más de 78 millones de álbumes alrededor del mundo.

En 1969, Al Atkins y Bruno Stapenhill luego de haber experimentado entre los años 1967 y 1968 con otros nombres como "Halfbreed", "The Chapter of Life", "Blue Condition", "The Jug Blues Band" y "Sugar Stack", deciden formar una nueva banda tras la disolución de esta última. Bruno, revisando sus discos se topa con uno de Bob Dylan llamado John Wesley Harding (1967) el cual contiene el tema "The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest", por lo que propuso el nombre Judas Priest a Atkins, al que también le gustó.

El grupo se formó el año de 1969 en la ciudad inglesa de Birmingham, como otra de las bandas pioneras del heavy metal, Black Sabbath. Tras la disolución de "Sugar Stack", orientado al Blues Rock, comienza la búsqueda parte de Al Atkins de una banda que lograra despegar. Junto a su otro compañero, el bajista Stapenhill y el baterista utilizado para "Sugar Stack" John Partridge, forman "Judas Priest". Necesitaban un guitarrista, así que Atkins llama a John Perry, que al poco tiempo murió en un accidente automovilístico. El puesto se lo quedó el guitarrista Ernie Chataway quien inyecta a Judas Priest un sonido más progresivo, lo que motiva a la banda a comenzar a componer sus propios temas. El futuro guitarrista de Priest, K.K. Downing también realizó una audición con la banda, pero no fue escogido por no tener en ese momento la experiencia necesaria.Ernie solo tenía 17 años, pero era un músico versátil, no solo tocaba la guitarra, también lo hacía con la armónica y el teclado. Otra de las cosas que motivó a Judas Priest a seleccionar a Ernie es que un día Stapenhill se encontraba en la misma agencia que llevaba a Black Sabbath,cuando todavía se llamaban "Earth". Según Stapenhill, Ernie estaba sentado adentro con los miembros de Earth tocando la armónica, así que pensaron que con sus contactos podrían ayudar a la banda a conseguir un contrato.

Esta formación, (Atkins, Stapenhill, Chataway y Partridge) logran hacer la primera grabación de Judas Priest en un cassette de producción propia que incluía dos temas: "We'll Stay Together" y "Good Time Woman". La grabación fue del interés de Inmediate Records que les sirvió para firmar un contrato por tres años a principios de 1970. Dicho sello era propiedad de Andrew Loog Oldham, el mismo que unos años antes había descartado para firmar a The Beatles cuando daban sus primeros pasos, pero que si firmó más tarde a The Rolling Stones. Poco después, graban sus primeros temas con ellos en miras de realizar su primer acetato: "Holy is the Man" y "Mind Conception". Al Atkins conserva una copia de dicha grabación la cual iba a ser su primer demo oficial que se titularía "Holy is the Man", y que es una rareza de la banda, ya que nunca fue lanzado oficialmente ya que el sello discográfico quebró, lo que desalienta a los miembros para ese entonces de Judas Priest, que se disuelve a mediados de 1970.

A finales de 1970, Al Atkins escuchó a K.K. Downing, Ian Hill y John Ellis ensayando en una vieja iglesia en las afueras de la ciudad que había sido reformada para cuartos de ensayos musicales. El sonido fuerte de estos jóvenes le llamó la atención y les propuso reformar Judas Priest. Downing, Hill y Ellis ya llevaban 6 meses ensayando como un trío, pero nunca tuvieron vocalista, nunca compusieron temas, ni realizaron presentaciones públicas. Solo iban a dicho lugar a tocar sus temas favoritos según comenta K.K. Downing, aunque si tenían un nombre, "Freight". Aceptaron la propuesta de Atkins y decidieron utilizar el nombre de "Judas Priest". K.K. Downing, en una entrevista que le realizaron para la B.B.C en 1991 confesó que, antes de su primera audición con Judas Priest, había visto pasar por la calle la furgoneta de la banda, con el nombre de "Judas Priest" pintado en aerosol a un lado de la misma, y pensó en ese momento que le gustaría pertenecer a ella. Así, con nuevos integrantes inyectando nuevas ideas y con el material compuesto por Atkins y sus antiguos compañeros, Judas Priest comienza a trabajar en un sonido propio, logrando hacer su debut en un concierto el 16 de Marzo de 1971 en el "Essington St. John's Hall" como banda soporte de Thin Lizzy. Ellis haría su última presentación con la banda el 6 de Octubre de 1971 en el "Derby Yeoman", dando paso a Alan Moore, quien debutó el 15 del mismo mes en el "Newport Comunity Center". En 1972 Moore es sustituido por Chris Campbell, también conocido como "Congo" debido a su color de piel. Esta formación duró hasta mayo de 1973, lapso de tiempo durante el cual Judas Priest llegó a compartir cartel con otras prestigiosas bandas como Gary Moore, Supertramp, Magnum, Status Quo, Slade, Budgie, Family o Spirit entre otros. Grabaron también un single de producción Propia, llamado "The Age of the Tyrant" el cual contenía el tema "The Tyrant". Aun así, el contrato discográfico no llegaba y los ingresos de la banda no eran suficientes para que los cuatro músicos vivieran de ella. Al Atkins, quien era el único de los miembros de la banda que estaba casado y ya tenía un hijo, convencido de que no llegarían a nada, decide dejarlos para buscarse un trabajo fijo con ingresos más regulares. Chris Campbell también deja al grupo al poco tiempo.

Pocos meses después, K.K. e Ian llamaron a Atkins para preguntarle si le importaba que utilizaran el nombre de Judas Priest y las canciones que habían escrito junto con el, ya que habían encontrado a un nuevo cantante y estaban dispuestos a continuar con el grupo. Atkins dio su aprobación, con lo que llega a Judas Priest el cantante Rob Halford, hermano de la novia de Ian Hill por aquél entonces. Un día que se encontraba Ian y algunos miembros de Priest en la casa de los Halford, escucharon por casualidad a Rob cantando frente a la radio con su distintiva voz aguda. Halford pertenecía en ese entonces a una banda llamada Hiroshima, y ante la propuesta de Ian y K.K decide dejarlos para unirse a Judas Priest. Más tarde se les uniría en John Hinch, un baterista que había estado con Halford en Hiroshima, y antes con la banda Bakerloo. Con esta formación estuvieron girando varios meses más, y a finales de 1973 grabaron un demo de producción propia el que titularon "Ladies", el cual contenía 3 temas "Ladies", "Run of the Mill" y "Caviar and Meths".

La grabación fue del interés de Gull Records, quien a principios de 1974 les ofreció un contrato si incluían a un teclista o un trompetista en la banda para engordar el sonido. La idea no fue del agrado de los miembros de Judas Priest. Es entonces cuando surge la idea por parte de K.K. Downing de incluir otro guitarrista, lo cual fue aceptado por la discográfica. El guitarrista elegido fue Glenn Tipton, procedente de The Flying Hat Band, que había realizado conciertos como teloneros de Deep Purple. Tipton le inyectó al grupo un sonido más pesado y trajo consigo nuevas ideas en la composición de los temas. Al mismo tiempo ingresó el batería John Ellis. La banda contó entonces con la aprobación del sello y logran con esta formación su primer contrato discográfico con Gull Records.

Con Gull Records grabaron su primer demo puesto a la venta oficialmente en agosto de 1974, Rocka Rolla, que contenía los temas Rocka Rolla (Lado A) y Never Satisfied (Lado B), este último creado en los tiempos de Atkins y versionado con Halford y la inclusión de Glenn Tipton. Solo un mes después, el 6 de septiembre, se produjo el lanzamiento oficial de su primer LP, titulado también Rocka Rolla, disco que le daba su sonido característico a la banda desde sus comienzos, aunque con notable influencia de Led Zeppelin tanto en música como en aspecto, supuestamente aconsejados por el productor del álbum. Rocka Rolla podría considerarse como uno de los primeros discos cuyo contenido fue 100% Heavy Metal. En el mismo se incluyeron temas de la etapa de Judas Priest con Al Atkins como “Winter” y “Never Satisfied”, versionados ahora con Rob Halford y con la inclusión de Glenn Tipton como segunda guitarra.

Miembros:

Rob Halford - vocalista (1973-1993, 2003-presente)
K. K. Downing - guitarra backing vocals (1968-presente)
Glenn Tipton - guitarra, teclados, coros (1974-presente)
Ian Hill - bajo (1968-presente)
Scott Travis - batería (1989-presente)

Discografía De Estudio:

Judas Priest - 1974 - Rocka Rolla
Judas Priest - 1976 - Sad Wings of Destiny
Judas Priest - 1977 - Sin After Sin
Judas Priest - 1978 - Stained Class
Judas Priest - 1979 - Killing Machine
Judas Priest - 1980 - British Steel
Judas Priest - 1981 - Point of Entry
Judas Priest - 1982 - Screaming for Vengeance
Judas Priest - 1984 - Defenders of the Faith
Judas Priest - 1986 - Turbo
Judas Priest - 1988 - Ram it Down
Judas Priest - 1990 - Painkiller
Judas Priest - 1997 - Jugulator
Judas Priest - 2001 - Demolition
Judas Priest - 2005 - Angel of Retribution
Judas Priest - 2008 - Nostradamus

Mahavishnu Orchestra • biografía & discografía

2009-07-11T03:49:00.005-03:00

Biografía:

La Mahavishnu Orchestra fue un grupo de jazz pionero en la fusión entre el rock y el jazz. Estuvo activo entre 1970 y 1976, reuniéndose de nuevo brevemente de 1984 a 1986.

La versión original estaba liderada por el Mahavishnu John McLaughlin en guitarra acústica y guitarra eléctrica, y los miembros Billy Cobham , anteriormente co-fundador del grupo Dreams, en la percusión, Rick Laird (bajo eléctrico y acústico), Jan Hammer en piano eléctrico y acústico, y Jerry Goodman , que había sido líder del grupo The Flock, en el violín. El grupo tuvo 2 álbumes muy conocidos: The Inner Mounting Flame (1971) y Birds of Fire (1973).

El grupo es considerado pionero del movimiento jazz fusión o Jazz Rock. McLaughlin y Cobham se conocieron mientras grababan para Miles Davis. McLaughlin también se influenció por sus estudios con el gurú Sri Chinmoy, quien le dio el nombre de "Mahavishnu" con el que se daría a conocer.

McLaughlin tenía ideas sui generis acerca de cómo instrumentar su grupo, buscando siempre el concepto de mezclar géneros a la hora de componer. Especialmente, buscaba un violinista. Luego hizo patente su guitarra de doble cuello (con 6 y 12 cuerdas), y Hammer añadió un sintetizador Moog, lo cual le permitió entablar un diálogo con el lenguaje de la guitarra de McLaughlin.

En los 2 álbumes mencionados arriba, sin embargo, el grupo va de esta intensa fusión de géneros (como en la canción "Noonward Race") hasta piezas más calmadas, como "A Lotus On Irish Streams" y "Thousand Island Park", que tenían guitarra acústica, piano y violín, o también desde bajo perfil hasta saturación en una misma canción (i.e., "Open Country Joy").

En 1973 la banda empezó a enfrentar algunos problemas. Luego de un concierto en el Central Park de Nueva York (grabado y lanzado como Between Nothingness and Eternity) las tensiones empezaron a surgir. Para 1973 y 74 McLaughlin, Cobham, y el legendario guitarrista Carlos Santana comenzaron la gira Love Devotion Surrender. Los 3 tocaron varias canciones que luego aparecerían en el álbum homónimo y en otro más de Cobham. Éste último abandonó el proyecto antes de que el álbum fuera editado en el estudio.

Luego, Mahavishnu Orchestra estuvo en Londres tocando en un puñado de conciertos y grabando algunas canciones, pero una disputa de regalías y el material producido por el grupo (que hasta ese momento había sido atribuído por completo a Mahavishnu) surgió a lo interno del grupo.

El resto del grupo consideró que merecían más dinero y reconocimiento del que habían obtenido, y disolvieron la Mahavishnu Orchestra original. Las grabaciones de Londres no se lanzaron al mercado en ese momento por problemas de derechos de autor, lo cual finalmente cambió y en 1999 se lanzaron al mercado bajo el nombre de The Lost Trident Sessions (Sony).

Tras la disolución del grupo, McLaughlin formó uno nuevo en 1974: Jean-Luc Ponty (ex Frank Zappa and the Mothers) al violín, Gayle Moran en teclados, Ralphe Armstrong en el bajo, y Narada Michael Walden en percusión, entre otros. Esta "nueva" Mahavishnu Orchestra (a la cual McLaughlin supuestamente se ha referido como la Mahavishnu Orchestra "real") fue reducida a un cuarteto en el álbum de 1975 Inner Worlds.

Tras la separación de esta segunda versión de la orquesta, McLaughlin formó Shakti para explorar su interés en la música de la India. Luego formó otros grupos: The One Truth Band & The Translators, y un trío con los afamados Al Di Meola y Paco de Lucía.

En 1984, McLaughlin volvió a formar la Mahavishnu Orchestra con Bill Evans en saxofones, Jonas Hellborg en el bajo, Mitchell Forman en teclados, y un miembro fundador, Billy Cobham en percusión, aunque fue reemplazado por Danny Gottlieb para fines de presentaciones en vivo. Jim Beard también estuvo involucrado en algún punto. Esta versión de la orquesta sonaba diametralmente distinta de la original, sobre todo por el uso de sintetizadores Synclavier de parte de John.

Miembros:

John McLaughlin
Danny Gottlieb
Jim Beard
Jonas Hellborg
Bill Evans
Billy Cobham
Jan Hammer
Jerry Goodman
Rick Laird
Jean-Luc Ponty
Ralphe Armstrong
Gayle Moran
Narada Michael Walden
Stu Goldberg
Mitchel Forman

Discografía:

1971 - The Inner Mounting Flame
1973 - Birds of Fire
1973 - The Lost Trident Sessions
1973 - Between Nothingness and Eternity
1974 - Apocalypse
1975 - Visions of the Emerald Beyond
1976 - Inner Worlds
1980 - The Best of Mahavishnu Orchestra
1984 - Mahavishnu
1986 - Adventures in Radioland
1994 - The Collection

The B-52's • biografía & discografía

2009-07-07T13:46:00.007-03:00

Biografía:

The B-52's son una banda de New Wave y Rock formada en la ciudad de Athens, Georgia, un importante centro de rock alternativo. El nombre de la banda viene del avión Boeing B-52, bombarderos usados por la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, pero también se refiere al peinado apodado B-52 por su semejanza con la nariz del avión, aunque otra teoría refiere a que el origen del nombre de la banda no está relacionada con el famoso bombardero americano, sino con un sueño que tuvo Ricky Wilson donde figuraba una banda con el nombre B-52's. Durante los primeros años de la banda, las cantantes Cindy Wilson y Kate Pierson solían llevar estos peinados.

Wilson y Pierson acabaron la banda con el baterista Keith Strickland, el guitarrista Ricky Wilson (hermano mayor de Cindy) y el vocalista Fred Schneider, luego de una noche en un restaurante chino, y tocaron por ultima vez en 1977, en una fiesta del día de San Valentín, para algunos amigos. La música de B-52's está marcada por las voces de Wilson y Pierson, y el tono generalmente monótono (o directamente hablado) de la voz de Schneider. El sonido "new wave" de la banda era una combinación de dance y música de surf, junto con los extraños sonidos de guitarra de Ricky Wilson. También eran distinguibles por su vestuario. Durante el tour "Mesopotamia", las famosas pelucas de la banda fueron encomendadas al cuidado de Jackie Slayton, artista de Athens y amiga de la banda.

Su primer single, "Rock Lobster", grabado en 1978 por DB Records, fue un éxito underground, que llevó a los B-52's a tocar en lugares com CBGB en Nueva York. El lado B de este single era "52 Girls". Se lanzaron dos versiones de este single en el Reino Unido, que tenían como lado B "Running Around". Su primer álbum, "The B-52's", incluía versiones regrabadas de "Rock Lobster" y "52 Girls", junto con seis temas originales y una nueva versión del clásico de Petula Clark "Downtown". El álbum tuvo un éxito inesperado, especialmente en Australia, donde llegó a ser disco de platino. "Rock Lobster" le dio a la banda su primer entrada en el listado Billboard Hot 100. Su siguiente álbum, "Wild Planet", alcanzó el Top 20 en el Billboard 200 en 1980, y obtuvo el disco de oro. "Private Idaho" fue su segunda entrada en el ranking Hot 100; en esta época, los B-52's tocaron en Saturday Night Live y también se presentaron el festival Heatwave en agosto de 1980. "Party Mix!" fue su álbum siguiente, un álbum con remixes que incluía temas de sus dos primeros discos y los presentaba en forma extendida.

A pesar de que las sesiones de grabación con David Byrne (de Talking Heads) fallaron, las grabaciones fueron lanzadas como el disco "Mesopotamia" ("Party Mix!" y "Mesopotamia" luego serían unidos y lanzados juntos en un solo CD). El álbum "Whammy!" en 1983 llevó a la banda hacia música más electrónica y hacia la experimentación con caja de ritmos. Así, "Legal Tender" se convirtió en su tercera entrada a los rakings. Luego de las primeras ediciones de "Whammy!", problemas legales con Yoko Ono sobre copyright, llevaron a reemplazar la canción "Don´t worry" en las nuevas ediciones con "Moon 83", una variación de su tema "There's a Moon in the Sky (Called the Moon)" de su primer álbum. Ricky Wilson, guitarrista de la banda, falleció de SIDA en 1985. En 1986 sale a la luz el álbum "Bouncing off the satellites", último trabajo en estudio con el fallecido Ricky Wilson.

Uno de los puntos más altos de la carrera de la banda, fue su participación en el "Rock-in-Rio" festival de 1985, en Rio de Janeiro, Brasil. En 1989, lanzaron el álbum "Cosmic Thing" donde entre otros se destacan el super conocido tema "Love Shack" y el excelente "Roam" posicionando la banda nuevamente en el puesto nº 1 de los USA y tornándose un éxito mundial.

En los años '90 fueron elegidos para elaborar la banda sonora de la película Los Picapiedra (1994), con su tema principal Meet the Flinstones (en el videoclip se lee Meat the Flintstones). Aparecen en el largometraje con sus respectivos atuendos prehistóricos, cantando el tema The Bedrock Twitch.

Adicionalmente la banda fue invitada para participar en la serie animada de Nickelodeon studios "La vida moderna de Rocko" en la que interpretaron el tema de inicio de la serie.

Últimamente la banda esta enfocada en muchas labores de apoyo a ONG's asociadas a los temas de salud y preservación ambiental. Participaron tambièn del "True Colors Tour" de Cyndi Lauper, junto a otros artistas invitados. Este evento promovìa los derechos civiles de la comunidad gay americana.

El 25 de marzo de 2008 fue lanzado el más reciente trabajo discográfico de la banda bajo el nombre de "Funplex", este es el primer álbum de estudio de "The B-52's" después de 16 años y por la discográfica Astralwerks.

Miembros:

Fred Schneider
Kate Pierson
Cindy Wilson
Keith Strickland
Ricky Wilson (Deceased)

Discografía De Estudio:

1979 - The B-52's
1980 - Wild Planet
1982 - Mesopotamia
1983 - Whammy!
1986 - Bouncing off the Satellites
1989 - Cosmic Thing
1992 - Good Stuff
2008 - Funplex

Marilyn Manson • biografía & discografía

2009-07-05T00:14:00.004-03:00

Biografía:

Brian Hugh Warner nacido el 5 de enero de 1969 en Canton, Ohio, más conocido por Marilyn Manson es el vocalista de la banda de Metal Industrial Marilyn Manson. Apareció en algunas películas como Jawbreaker, Lost Highway de David Lynch y Party Monster, y es director de cine. No sólo se dedica a la música, también pinta y algunas celebridades como Jack Osbourne o Nicolas Cage son admiradores y compradores de sus obras. Su nombre se formó a partir de la actriz Marilyn Monroe y el convicto Charles Manson. Figura en el lugar número 44 en la reciente lista de los "100 mejores vocalistas de la historia del Heavy Metal Hit Parader".

Marilyn Manson nació en la ciudad de Canton, en Ohio, hijo de Barb Wyer y Hugh Warner. Su padre era católico y su madre sufría de ataques de paranoia y era de religión episcopaliana. Según su autobiografía Marilyn Manson es de origen estadounidense y polaco por la parte del padre, este se crió con las creencias religiosas de la madre, asistió a la escuela católica Heritage, aunque años más tarde se trasladó a graduarse en la escuela Cardenal Gibbons en el año 1987. En el año 1990 Marilyn Manson asistió a la universidad Broward Community y se graduó como un periodista para la revista de sur de Florida Lifestyle Magazine, 25th Parallel lo cual le permitió realizar sus primeros contactos con la música, sobre todo con los artistas que él entrevistaba y entre estos se encontraban dos de los cuales le iban a servir para formar su propia carrera musical My Life With the Thrill Kill Kult y Trent Reznor de Nine Inch Nails.

Marilyn formó la banda Marilyn Manson & the Spooky Kids en Florida en el año 1989 (para el año 1992 el nombre se recortó a Marilyn Manson). En los primeros años de la banda este se vio involucrado con varios músicos con los cuales grabaría su primer álbum, Jeordie White (también conocido con su nombre artístico Twiggy Ramirez) y Stephen Gregory Bier Jr. (mejor conocido como Madonna Wayne Gacy o Pogo), este no solo se encontraba con The Spookie Kids sino que también participó en proyectos paralelos con el bajista de su banda en ese entonces, Jordie y su novia Jessicka (cantante de la banda Jack Off Jill) con una banda llamada Satan On Fire conjunto con el cual tocó el bajo, la batería, esta banda fue usada como contraataque a los clubes que no dejaban permitirle a Manson tocar.

En el verano del 93 Manson atrajo la atención de uno de los exponentes más grandes de la industrial metal en esa era, Trent Renzor el cantante de NIN. Renzor se ocupó de la producción del primer álbum de Manson en el año 1994 llamado Portrait of an American Family el cual logró la certificación de oro en Estados Unidos con un número mayor de ventas que superaron las 500.000 copias vendidas y fue distribuido por la discográfica Nothing Records (propietaria de Trent Renzor). Con este álbum fue que la banda logró conseguir su propio club de fans, el cual creció con su primer álbum remix llamado Smells Like Children en 1995 el cual recibió la certificación platino, por superar el millón de copias vendidas, este consiguió tambien participar en MTV con el video de su primer éxito llamado Sweet Dreams (Are Made of This) el cual es el cover de la canción del grupo Eurythmics.

El éxito siguió con el álbum más reconocido de la banda hasta el momento llamado Antichrist Superstar (co-producido por Trent Renzor). En los Estados Unidos tres de los álbumes de la banda han logrado la certificación de platino y otros tres consiguieron la certificación de oro, también la banda ha logrado entrar a los 10 primeros del Billboard, incluyendo dos de sus álbumes que han logrado debutar en el puesto n° 1. Manson también debutó como productor en la banda Jack Off Jill. Este también ayudó a poner el nombre a la banda y es el productor de la mayoría de los álbumes de Marilyn Manson, este también toca la guitarra lo cual se ve en la canción My Cat y ha abierto la mayoría de los shows en su ciudad natal Florida Manson también ayudó a la producción de las letras de la banda Jack Off Jill Humid Teenage Mediocrity 1992-1995, que es una compilación de varios de los álbumes de esta en sus comienzos. Marilyn apareció como cantante invitado en el álbum de DMX Flesh of My Flesh, Blood of My Blood y en el álbum de Godhead 2000 Years of Human Error el único álbum producido por su discográfica Posthuman. Y también su último trabajo hecho como un cover (de Danny Elfman) apareció en el soundtrack de la película remasterizada The Nightmare Before Christmas.

En el año 2002 Twiggy Ramirez se separa de Marilyn Manson al estar en desacuerdo con el nuevo disco "The Golden Age Of Grotesque", ya que no le parecía "tan bueno". En el 2008 Twiggy se vuelve a encontrar con Manson en una reunión, los dos arreglan sus diferencias, y como consecuencia Tim Skold abandona Marilyn Manson por la vuelta de Twiggy. Twiggy Ramirez estuvo presente en el resto de la gira y su intención es grabar en los futuros álbumes de la banda. Manson comentó que la vuelta de Twiggy fue una buena influencia ya que piensa sacar un nuevo álbum, fechado para mayo llamado The High End of Low.

Discografía De Estudio:

Marilyn Manson - Portrait of an American Family (1994)
Marilyn Manson - Smells Like Children (1995)
Marilyn Manson - Antichrist Superstar (1996)
Marilyn Manson - Remix & Repent (1997)
Marilyn Manson - Mechanical Animals (1998)
Marilyn Manson - The Last Tour on Earth (1999)
Marilyn Manson - Holy Wood (2000)
Marilyn Manson - The Golden Age of Grotesque (2003)
Marilyn Manson - Lest We Forget (2004)
Marilyn Manson - EAT ME, DRINK ME (2007)

Nektar • biografía & discografía

2009-07-01T12:47:00.005-03:00

Biografía:

The band formed in Hamburg, Germany in 1969, members included Englishmen Roye Albrighton on guitars and vocals, Allan "Taff" Freeman on keyboards (Allan's son Alain Freeman is still living in Hamburg, Germany and is an owner of a travel-office), Derek "Mo" Moore on bass, Ron Howden on drums, and Mick Brockett on lights, special effects and other miscellanea. Songwriting was always considered a group effort.

The band's early albums such as Journey to the Centre of the Eye, ...Sounds Like This and A Tab in the Ocean were obscure psychedelic rock albums that won the band a small but growing cult following, based largely on word of mouth. The last of those albums was the first Nektar album to be released in the U.S., on the small Passport Records label.

It was Nektar's second U.S. release, Remember the Future (1973), that propelled the band briefly into mass popularity. A concept album about a blind boy who communicates with an extraterrestrial being, the music was a big leap forward for the band with a much more melodic sound than on previous albums. It shot into the Top 20 album charts in the U.S. The follow up album, Down to Earth (1975), was another concept album with a circus theme; it also sold well, breaking into the Top 40 album charts and included Nektar's only song to chart on the Billboard singles charts, "Astral Man". The next album, Recycled (1976), was stylistically close to bands like Gentle Giant and is considered by many fans to be Nektar's finest moment. Nektar's first major-label release, Magic is a Child (1977) was more eclectic, although with shorter songs and fairly straightforward rhythms-but many fans thought it was too pop-oriented; lyrically the album covered a wide range of subjects from Norse mythology and magic to more down to earth subjects like railroads and truck drivers. But there are some fans who considered the album a misfire and it proved to be the end of Nektar's brief popularity, although a few more albums were released, mostly live albums and compilations.

When the Nektar back catalog was first released on compact disc in the early 1990s, the wrong master(the quad rear channel mix)was used for the Bellaphon CD release of Remember the Future, infuriating many fans.[who?] The mix practically buried Roye Albrighton's lead guitar. Although this was corrected in later CD releases, those looking for Nektar's music on CD should be aware of this if buying used CDs. One way to ensure that the correct master was utilized is to verify that the CD contains "bonus tracks".

Miembros:

Roye Albrighton
Ron Howden
Klaus Henatch
Peter Pichl

Discografía De Estudio:

Nektar - Journey To The Centre Of The Eye (1971)
Nektar - A Tab In The Ocean (1972)
Nektar - Sounds Like This (1973)
Nektar - Remember The Future (1973)
Nektar - Down To Earth (1974)
Nektar - Recycled (1975)
Nektar - Magic Is A Child (1977)
Nektar - Man In The Moon (1980)
Nektar - The Prodigal Son (2001)
Nektar - Evolution (2004)
Nektar - Book Of Days (2007)

Dream Theater • biografía & discografía

2009-06-30T10:01:00.003-03:00

Biografía:

Dream Theater es una banda estadounidense de metal progresivo, iniciada por tres estudiantes de Berklee en 1985. En sus más de veinte años de existencia, se ha convertido en la banda de su género más exitosa después de la época de oro del rock progresivo (a mediados de los años 1970), a pesar de ser relativamente desconocidos en los círculos mainstream del pop y del rock. Sus dos álbumes con más ventas son Images and Words de 1992, que les mereció un disco de oro y es consistentemente reconocido como un lanzamiento germinatorio del metal progresivo, a pesar de que sólo alcanzó el número 61 en la cartelera Billboard 200; y Octavarium de 2005, que alcanzó el número 36 en la misma cartelera.

La banda es bien conocida por la capacidad técnica de cada instrumentista, y ha recibido numerosos premios de revistas especializadas. Los músicos son altamente respetados por muchos de los nombres más grandes del rock y del metal, lo que ha propiciado colaboraciones entre los miembros de Dream Theater y muchos otros músicos bien conocidos. En un famoso ejemplo, Mike Portnoy ha recibido 23 premios de la revista Modern Drummer y John Petrucci fue nombrado el tercer guitarrista en la gira G3 con Steve Vai y Joe Satriani junto a su compañero Mike Portnoy, que fue el baterista de la gira. Petrucci sigue así los pasos de Eric Johnson, Robert Fripp, Yngwie Malmsteen y otros guitarristas influyentes.

Dream Theater también es notable por su versatilidad musical y los muchos géneros diferentes que su propia música incorpora, lo que ha hecho posible para ellos realizar espectáculos con un rango de actos muy diverso. Algunos de sus más notables compañeros de gira incluyen a Deep Purple, Emerson, Lake & Palmer, Iron Maiden, Joe Satriani, King's X, Marillion, Megadeth, In Flames, Pain of Salvation, Porcupine Tree, Opeth, Queensrÿche, Spock's Beard, Fear Factory, Fates Warning, Symphony X y Yes. En 2005, Dream Theater hizo una gira por Estados Unidos en el festival Gigantour, junto a Megadeth.

Dream Theater fue formado en septiembre de 1985. La alineación inicial contaba con el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung, el baterista Mike Portnoy, Kevin Moore en los teclados y el vocalista Chris Collins.

El nombre de la banda proviene de un teatro en la ciudad natal de Mike Portnoy llamado así. El padre de Portnoy sugirió bautizar al grupo de esta manera luego de algunos problemas legales con el nombre original del grupo, Majesty.

En noviembre de 1986, después de algunos meses escribiendo y tocando juntos, Chris Collins dejó la banda por diferencias creativas con los otros miembros. Después de un año intentando encontrar un reemplazo, Charlie Dominici, quien era mucho mayor y más experimentado que cualquiera en la banda, superó la audición para entrar en el grupo.

En 1988 Dream Theater firmó su primer contrato de grabación con Mechanic Records, una división de MCA.

En 1989 lanzarían su primer álbum, When Dream and Day Unite, con Charlie Dominici como vocalista. Temas a destacar de este disco son "A Fortune In Lies", la instrumental "The Ytse Jam" y "Only a Matter of Time".

Dos años más tarde, se unió el vocalista canadiense Kevin James LaBrie quien, para evitar confusión con el teclista Kevin Moore, empezó a utilizar su segundo nombre, James. En 1992 lanzaron su segundo álbum, Images and Words, que les catapultó a la fama debido a la gran acogida del público japonés (siempre muy implicado con la banda) y a la emisión en la cadena MTV del videoclip promocional de "Pull Me Under". Algunos temas destacados en este disco son "Pull Me Under", "Take the Time" y "Metropolis Part 1: The Miracle and the Sleeper". Como curiosidad cabe señalar que en el momento de grabar "Metropolis" la banda la nombró como "parte 1" a manera de chiste, pero tuvo una gran recepción por parte de los fans, quienes no paraban de preguntar por la segunda parte. Esta parte no llegó hasta 1999 con el disco Metropolis Part 2: Scenes from a Memory.

En 1993 la banda grabó el directo Live at the Marquee, su primer álbum en directo, grabado en el Marquee Club de Londres. Posiblemente el título sea un homenaje a Live at the Marquee de la banda King Crimson.

En 1994 saldría Awake, álbum en el que la banda experimenta con un sonido algo más fuerte con respecto a los anteriores y que es considerado por muchos como uno de los mejores discos de Dream Theater. Muchos fans y parte de la crítica destacan la entrega del vocalista James LaBrie en esta producción. Temas a destacar de este disco son el ciclo "A Mind Beside Itself" formado por "Erotomania", "Voices" y "The Silent Man"; "Lie", la psicodélica "Space-Dye Vest", compuesta por Kevin Moore y "The Mirror" uno de los temas más pesados de la banda. En esta época, Kevin Moore dejaría la banda por diferencias musicales con sus compañeros, y sería sustituido por Derek Sherinian.

Miembros:

James LaBrie
John Myung
John Petrucci
Mike Portnoy
Jordan Rudess
Chris Collins
Charlie Dominici
Kevin Moore
Derek Sherinian

Discografía De Estudio:

Dream Theater - When Dream and Day Unite (1989)
Dream Theater - Images and Words (1992)
Dream Theater - Awake (1994)
Dream Theater - Falling into Infinity (1997)
Dream Theater - Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory (1999)
Dream Theater - Six Degrees of Inner Turbulence (2002)
Dream Theater - Train of Thought (2003)
Dream Theater - Octavarium (2005)
Dream Theater - Systematic Chaos (2007)
Dream Theater - Black Clouds & Silver Linings (2009)

Rush • biografía & discografía

2009-06-29T22:33:00.003-03:00

Biografía:

Rush es una banda de hard rock y rock progresivo de origen canadiense compuesta por el bajista, teclista y vocalista Geddy Lee (cuyo verdadero nombre es Gary Lee Weinrib), el guitarrista Alex Lifeson (cuyo verdadero nombre es Alexander Zivojinovich) y el baterista Neil Peart. La banda fue fundada en septiembre de 1968, en Sarnia, Ontario, por Lifeson, el bajista y cantante Jeff Jones (reemplazado un mes después por Lee) y el baterista John Rutsey. Grabaron su primer álbum a principios de 1974 y posteriormente, en julio de 1974, Peart reemplazó a Rutsey en la batería, para así completar la formación actual. Desde entonces, Rush, aún habiendo experimentado con toda clase de tendencias musicales dentro del rock, sigue manteniendo vigencia como uno de los referentes legendarios del género.

Rush ha sido honrado con el Premio Juno (equivalente canadiense de los Grammy) en múltiples ocasiones. Además, Lee, Lifeson, y Peart han sido condecorados con la Orden de Canadá, en el grado de Oficiales.

Con el paso del tiempo, el estilo musical de Rush ha ido cambiando significativamente. Su primer álbum tiene un sonido similar al de las bandas de rock británicas Led Zeppelin y The Who, pero en los siguientes discos su estilo evolucionó, influenciado principalmente por el movimiento británico de rock progresivo, pero manteniendo el hard rock como núcleo de su sonido.

La alineación original de Rush se reunió por primera vez en septiembre de 1968, con Jeff Jones (bajista y vocalista), John Rutsey (batería y coros) y Alex Lifeson (guitarrista y coros), siendo el hermano mayor de Rutsey quien sugirió el nombre Rush. Ese mismo mes, Jones fue reemplazado por un compañero de escuela de Lifeson, Geddy Lee, que era quien les prestaba el amplificador para que Jones pudiera tocar. Después de varios intentos infructuosos de lograr fama, Lee, Lifeson, y Rutsey finalmente grabaron su primer álbum en 1974, titulado simplemente Rush, muy semejante en sonoridad al estilo de Led Zeppelin, aunque más rocanrolero. Rush tuvo una fama local algo limitada, hasta que su lanzamiento original, distribuido por Moon Records, fue recogido por Donna Halper, quien era DJ en una estación de radio de Cleveland. Esta popularidad llevó a que el álbum fuera redistribuido por Mercury Records, la compañía discográfica de Rush hasta 1987.

Ese mismo año, Rutsey renunció debido a problemas derivados de una diabetes que no le permitían salir de gira por períodos muy prolongados de tiempo y disgustos por lo apretado de las giras. Rush comenzó a audicionar un baterista reemplazante y terminaron seleccionando a Neil Peart, quien llevó a Rush por un camino más progresivo a través de los siguientes álbumes, Fly by Night, Caress of Steel y el álbum conceptual 2112. Las letras en esa época fueron más densas y estaban muy influenciadas por la poesía clásica y literatura de ciencia ficción y, en algunos casos, por los escritos y conceptos filosóficos de Ayn Rand, como se evidencia más claramente en la canción "Anthem" (basada en una novela de Rand) y el álbum 2112.

Muchas de sus primeras canciones recibieron poca exposición debido a su larga duración (en algunos casos más de 10 minutos). Una notable excepción fue "Closer to the Heart" (de 3 minutos) de su álbum A Farewell to Kings (1977), que fue ampliamente radiado, convirtiéndose posteriormente en la canción emblemática de la banda canadiense. También de A Farewell to Kings, "Xanadu" (una de sus canciones épicas) se convirtió en una favorita de los fanáticos.

En 1978, el álbum Hemispheres seguiría el género de rock progresivo, incluyendo una segunda parte a la canción "Cygnus X-1", una de las obras musicalmente más complejas de la banda. Aunque Rush seguiría produciendo otras obras capitulares durante su carrera, "Hemispheres" fue su último tema épico. El agotamiento producido por haber realizado cinco álbumes en estudio y más de 1200 conciertos en cuatro años, les llevó a los integrantes de Rush a replantear su propuesta musical.

Miembros:

Geddy Lee
Alex Lifeson
Neil Peart
John Rutsey
Jeff Jones

Discografía:

Rush - Rush (1974)
Rush - Fly by Night (1975)
Rush - Caress of Steel (1975)
Rush - 2112 (1976)
Rush - A Farewell to Kings (1977)
Rush - Hemispheres (1978)
Rush - Permanent Waves (1980)
Rush - Moving Pictures (1981)
Rush - Signals (1982)
Rush - Grace Under Pressure (1984)
Rush - Power Windows (1985)
Rush - Hold Your Fire (1987)
Rush - Presto (1989)
Rush - Roll the Bones (1991)
Rush - Counterparts (1993)
Rush - Test for Echo (1996)
Rush - Vapor Trails (2002)
Rush - Feedback (2004)
Rush - Snakes & Arrows (2007)

Mike Oldfield • biografía & discografía

2009-06-28T20:44:00.004-03:00

Biografía:

El padre del músico, Raymond Oldfield, adquirió una guitarra cuando servía en la Royal Air Force en Egipto durante la Segunda Guerra Mundial. Mike recuerda cómo su padre "solía tocar la guitarra cada Nochebuena, cantando la única canción que sabía tocar, 'Danny Boy'". Mike también atribuyó el hecho de que su interés por la música despertara tan pronto al virtuoso guitarrista Bert Weedon: "Le vi en la tele cuando tenía siete años y enseguida convencí a mi padre para que me comprara mi primera guitarra. De hecho, creo que de no haber sido por Bert nunca hubiera llegado a ser lo principal en mi vida".

Los Oldfield se convirtieron en una familia ligada a la música: el hermano mayor de Mike, Terry Oldfield, es un compositor de prestigio en el campo de la música para documentales televisivos, y tiene varios álbumes en el mercado; su hermana, Sally Oldfield, consiguió un gran éxito a principios de los 80 con el tema vocal Mirrors, y en la actualidad continúa en activo.

A la edad de 10 años, Mike ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. La guitarra era para él más que un instrumento, era una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo. A lo largo de esa década, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud, debido al resurgimiento de la cultura folclórica británica que tuvo lugar en las décadas anteriores. Fue en uno de los muchos clubes dedicados a este movimiento donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que su virtuosismo musical era del agrado del público.

"Solía tener dos instrumentales de 15 minutos cada uno, que tocaba en los clubes de folk locales en los que iba repasando todos los estilos", decía. "Incluso desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas. En cuanto me daban vacaciones en la escuela, pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra". Probó también con la música eléctrica, tocando piezas instrumentales de The Shadows en un grupo amateur.

Cuando Mike cumplió 13 años, la familia Oldfield se trasladó a Romford, Essex. En 1967 dejó la escuela y junto con su hermana Sally formó The Sallyangie, un dúo folk-hippie de voz y guitarra. Firmaron por la compañía Transatlantic, que les editó el álbum "Children of the Sun" en 1968 y el single Two Ships en 1969. Por esta época el toque de guitarra de Mike fue fuertemente influido por el "folk barroco" popularizado por John Renbourn, líder de Pentangle y Bert Jansch. Después de un año, llegó el fin de Sallyangie.

Mike se aproximó en más profundidad a la música rock, formando otro grupo de corta vida llamado Barefeet, con su hermano Terry. Eso le condujo a trabajar como bajista en Kevin Ayers & The Whole World. Kevin Ayers había sido miembro fundador de Soft Machine, pero abandonó el grupo en 1968. Al año siguiente publicaron el álbum Joy of a Toy, que les llevó a hacer una gira en 1970.

Entre los miembros de The Whole World se encontraba David Bedford ocupándose de los teclados. Bedford, un compositor de formación clásica, entabló una buena amistad con Mike, ayudándole en la composición de una temprana versión del que sería su primer álbum en solitario. Estando de gira con The Whole World, Mike entró en contacto con Centipede, una enorme orquesta de jazz dirigida por Keith Tippett. La amplia gama de instrumentos de que disponían influyó a Mike en el carácter multiinstrumentalista que más tarde daría a sus propias composiciones.

Kevin Ayers & The Whole World grabaron dos álbumes, Shooting At The Moon y Whatevershebringswesing, antes de disolverse en agosto de 1971. Para entonces, Mike había pasado de ser bajista a ser el guitarrista principal de la banda, y sus magistrales solos ya le habían dado una notable reputación.

Entre 1971 y 1973 Mike comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.

Con la grabadora prestada se metió en el dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo, y las ideas para su nuevo trabajo empezaron lentamente a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se decidió a tocar todos los instrumentos él mismo, y pensó que no le sería difícil con su don natural para la música el poder dominar casi cualquier instrumento; desde el xilófono al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa... Mientras aún trabajaba con Kevin Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, donde tuvo la oportunidad de compartir algunas conversaciones con The Beatles. Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían al cuarteto de Liverpool, así que se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. Ensimismado en un trabajo que sabía iba a ser revolucionario, se propuso plasmar en él todas las profundas emociones que estaba experimentando como explorador de un campo musical virgen. La obra que estaba componiendo sería, además, un trabajo que se convertiría gradualmente en el vehículo para descargar sus emociones más profundas, y con las que más le estaba costando vivir.

Después de crear una primera maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyase su proyecto. Por toda respuesta obtuvo negativas de las discográficas, que argumentaban que aquello "no era comercial" y que, si en algún caso llegaba a editarse, nadie lo compraría; obviamente, eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Tras haber compuesto la hipnótica introducción (la melodía más emblemática de su primera obra), seguiría acordándose de aquello: ¡si tan solo pudiese grabarlo, editarlo y promocionarlo!

Un rayo de luz iluminaría el futuro de Oldfield. Cuando Mike dejó la banda de Kevin Ayers definitivamente, para ganarse la vida trabajó ocasionalmente como guitarrista de sesión. Uno de esos trabajos lo llevó en la banda de acompañamiento de la producción londinense de Hair, el "musical de amor-rock tribal" por 5 £ la noche. También tocó por un tiempo el bajo en una banda comandada por el cantante de soul Arthur Lewis. El grupo iba a grabar a un estudio recientemente inaugurado en una mansión de Shipton-on-Cherwell, a 20 millas de Oxford. Los estudios de grabación The Manor fueron construidos por aquel entonces para Richard Branson por Tom Newman, asistido entre otros por Simon Heyworth. El reunido en The Manor era un equipo de buenos amigos, y también estaban allí las novias de algunos de ellos para atenderlos, así como un cocinero, limpiadoras y jardineros. Como Mike comentó más tarde, "todos los problemas que surgían los tratábamos como si fuésemos una gran familia".

Discografía:

Mike Oldfield - 1973 - Tubular Bells
Mike Oldfield - 1974 - Hergest Ridge
Mike Oldfield - 1975 - The Orchestral Tubular Bells
Mike Oldfield - 1975 - Ommadawn
Mike Oldfield - 1978 - Incantations
Mike Oldfield - 1979 - Exposed
Mike Oldfield - 1979 - Platinum
Mike Oldfield - 1980 - QE2
Mike Oldfield - 1982 - Five Miles Out
Mike Oldfield - 1983 - Crises
Mike Oldfield - 1984 - Discovery
Mike Oldfield - 1984 - The Killing Fields
Mike Oldfield - 1987 - Islands
Mike Oldfield - 1989 - Earth Moving
Mike Oldfield - 1990 - Amarok
Mike Oldfield - 1991 - Heaven's Open
Mike Oldfield - 1992 - Tubular Bells II
Mike Oldfield - 1994 - The Songs of Distant Earth
Mike Oldfield - 1996 - Voyager
Mike Oldfield - 1998 - Tubular Bells III
Mike Oldfield - 1999 - Guitars
Mike Oldfield - 1999 - The Millennium Bell
Mike Oldfield - 2002 - Tr3s Lunas
Mike Oldfield - 2003 - Tubular Bells 2003
Mike Oldfield - 2005 - Light + Shade
Mike Oldfield - 2008 - Music of the Spheres

Bob Marley • biografía & discografía

2009-06-28T19:59:00.003-03:00

Biografía:

Robert Nesta Marley (Nine Miles, Saint Ann Parish, Jamaica, 6 de febrero de 1945 - Miami, 11 de mayo de 1981), mejor conocido como Bob Marley, fue un músico jamaicano y miembro del movimiento Rastafari. Su fe fue una parte importante de su carrera. Es considerado como un profeta Rastafari.

Robert Nesta Marley nació el 6 de febrero de 1945 en Nine Miles (Rhoden Hall, Saint Ann) una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe, era hijo de Cedella Booker, una afro-jamaiquina de 18 años y de Norval Marley; un jamaicano blanco de ascendencia escocesa, capitán de los Marines Reales (infantería de marina británica), de 50 años, que se desentendió de su hijo por miedo a ser desheredado. A finales de los años cincuenta, Bob se trasladó con su madre a Kingston, la capital, donde los habitantes de las zonas rurales acudían para mejorar su situación económica. Por desgracia para la mayoría, su destino eran los barrios pobres.

Bob creció en ese ambiente donde conoció a Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny, con quien comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados por la música de Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y de grupos como The Drifters muy populares en Jamaica que se escuchaban en la emisiones radiofónicas de las emisoras del sur de los Estados Unidos. Bob Marley alternó el trabajo en una empresa de fundición, donde se quemó en un ojo, con la música. Bob y Bunny recibieron formación musical de Joe Higgs, un cantante venido a menos que había gozado de cierta fama en Jamaica y que se ganaba la vida impartiendo clases de canto para principiantes. En una de esas clases conocieron a otro joven músico llamado Winston Hubert McIntosh (Peter Tosh). En 1962 Bob Marley participó en una audición para un productor musical llamado Leslie Kong que, impresionado, le invitó a grabar algunas canciones. Al año siguiente Bob decidió que el mejor camino para alcanzar su sueño, lo tenía planteado acaso, no lo sabremos, mediante un grupo. Compartió su idea con Bunny y Peter y los tres formaron los "Wailing Wailers" (literalmente, "Gritos de protesta"). El nuevo grupo ganó la simpatía del percusionista rastafari Alvin Patterson, que los presentó al productor Clement Dodd. A mediados de 1963 Dodd vio a los Wailing Wailers y decidió promocionar al grupo. Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, "Simmer Down", con la discográfica Coxsone a finales de 1963. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith.

Mientras tanto, la madre de Bob, Cedella, se había casado nuevamente y se había mudado a Delaware, Estados Unidos, tras un importante esfuerzo económico. Ella deseaba dar a Bob una nueva vida en este país, pero antes del viaje, él conoció a Rita Anderson y el 10 de febrero de 1966 se casaron. Bob Marley pasó apenas ocho meses con su madre en Wilmington, Delaware. Allí consigue un trabajo en el turno de noche de una planta de automóviles de Chrysler. Bob llegó a Kingston en octubre de 1966, apenas seis meses después de la visita de Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía, que impulsó y renovó el importante movimiento rastafari de la isla. El acercamiento de Bob con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos "The Wailers". Rita también comenzaba su carrera como cantante con un importante éxito llamado "Pied Piper", una versión de una canción pop inglesa. En Jamaica, la frenética ola del ska estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady. Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, "Wail’N’Soul". A pesar de conseguir algunos éxitos, el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967. El grupo sobrevive fungiendo como compositores de una compañía asociada a un cantante estadounidense, Johnny Nash, quien en la década siguiente tendría un gran éxito con la canción "Stir It Up", de Bob.

Los Wailers conocieron entonces a un hombre que revolucionaría su trabajo: Lee Perry. La asociación entre Perry y los Wailers trajo consigo algunos de los éxitos más notables de la banda como "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400 Years" y "Small Axe", clásicos del futuro reggae. En 1970, dos de los músicos más reconocidos de la isla, Aston 'Family Man' Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers, quienes por aquel entonces arrasaban en el Caribe, pero internacionalmente continuaban siendo desconocidos.

En el verano de 1971 Bob aceptó una invitación de Johnny Nash para acompañarlo a Suecia, ocasión en que firmó un contrato con la CBS, que también era la discográfica del estadounidense. En la primavera de 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single "Reggae on Broadway", pero no cosecharon demasiados éxitos. A la desesperada, Bob visitó los estudios de grabación de Island Records, que había sido la primera discográfica en interesarse por la música jamaicana, y pidió hablar con su fundador, Chris Blackwell. Blackwell conocía a los Wailers y les ofreció 4 mil libras para grabar un álbum con los últimos avances tecnológicos de la industria musical, los mismos que gozaban las bandas de rock de la época. Ese primer álbum fue "Catch A Fire", fuertemente promovido por Island. El disco no fue un éxito inminente, y es que la música y las letras comprometidas socialmente de Bob contrastaban bastante con lo que se estaba haciendo hasta entonces en Europa. Island promovió una gira del grupo por Inglaterra y los Estados Unidos, otra novedad para una banda de reggae. Los Wailers tocaron en Londres en abril de 1973 y tres meses más tarde el grupo volvió a Jamaica. Bunny, desengañado de la vida musical, abandonó la banda antes de la gira estadounidense. En su lugar entró Joe Higgs, el viejo profesor de música de los Wailers. Ya en los Estados Unidos, participaron en algunos conciertos de Bruce Springsteen y Sly & The Family Stone, la principal banda de música negra estadounidense del momento.

En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum con el sello Island, "Burnin’", un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más importantes, como: "Duppy Conqueror", "Small Axe" y "Put It On", junto con "Get Up, Stand Up" y "I Shot The Sheriff". Fue justamente este último tema el que consagró internacionalmente a Bob Marley de la mano de la voz de Eric Clapton, alcanzando el primer lugar en la lista de los sencillos más vendidos en los Estados Unidos. En 1974, Bob Marley pasó gran parte de su tiempo en el estudio trabajando en "Natty Dread", un álbum que incluía canciones como "Talkin’ Blues", "No Woman No Cry", "So Jah Seh", "Revolution", "Them Belly Full (But We Hungry)" o "Rebel Music (3 o’clock Roadblock)". Al año siguiente, Bunny y Peter dejarían definitivamente el grupo para embarcarse en sus carreras en solitario, lo que provocó que la banda comenzase a ser conocida como Bob Marley & The Wailers. "Natty Dread" fue lanzado en febrero de 1975. En cuanto a las giras, destacan dos: una en el Lyceum Ballroom de Londres, que fue catalogada como una de las mejores de la década (El disco Live es este concierto). Y la segunda en noviembre, cuando Bob volvió a Jamaica para tocar en un concierto benéfico con Stevie Wonder, ya como superestrella en su país y en el mundo. "Rastaman Vibrations", el siguiente álbum de estudio, fue lanzado en 1976. El trabajo incluía canciones como "Crazy Baldhead", "Johnny Was", "Who The Cap Fit" y, tal vez la más significativa de todas, "War", cuya letra fue extraída de un discurso del Emperador Hailè Selassiè, en las Naciones Unidas.

En los años 70 Jamaica vivía un empeoramiento de su ya típica violencia política; la situación degeneró en una guerra civil callejera entre pandillas de pistoleros militantes de los dos grandes partidos políticos tradicionales, el Partido Nacional del Pueblo (socialista democrático) y el Partido Laborista de Jamaica (centro-derecha conservador). El Ejército y la Policía de Jamaica tomaron las calles, pero no pudieron contener la violencia entre los dos bandos enfrentados.

Bob Marley era entonces un pacifista no-político en Jamaica, un músico ya consagrado y un auténtico propulsor de la fe rastafari. Bob Marley decidió participar en un concierto gratuito en el Parque de los Héroes Nacionales de Kingston, el 5 de diciembre de 1976 para promover la paz y la reconciliación nacional, y así ayudar a frenar la violencia. Pero sectores del entonces opositor Partido Laborista de Jamaica criticaron el concierto porque pensaban que estaba parcializado y en realidad era un acto de apoyo al Primer Ministro y líder del Partido Nacional del Pueblo, Michael Manley (señalado como amigo de Bob Marley); de hecho Michael Manley era el organizador detrás del evento. Después del anuncio del concierto, el gobierno de Manley convocó elecciones para el día 15 de diciembre (en un claro intento de sacar provecho político del mismo en plena campaña electoral). El 3 de diciembre de 1976, dos días antes de “Smile Jamaica”, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el manager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos dentro de su casa en 56 Hope Road, Jamaica; se piensa que el atentado fue una represalia de los sectores políticos que rechazaban el concierto por su supuesto carácter de apoyo al gobierno de Manley, aunque algunos creyentes en teorías conspirativas barajan la posibilidad de que estuviese la CIA involucrada (ya que Michael Manley se había acercado mucho a la Cuba de Fidel Castro). Bob fue herido por disparos de arma de fuego en el pecho (muy cerca del corazón) y un brazo, su esposa Rita en la cabeza, Lewis Griffith en el estomago y el manager Don Taylor también fue hospitalizado por cruzarse en la línea de fuego. Afortunadamente después de un tiempo se recuperaron por completo. Dos días después del atentado, Bob se montó en la tarima y cantó. Cuando le preguntaron el porqué, el dijo: “La gente que está tratando de hacer este mundo peor no se toma ni un día libre, ¿cómo podría tomarlo yo? Ilumina la oscuridad.” Fue la última presentación de Bob en Jamaica durante los próximos 18 meses. Temiendo otro atentado, dejó el país para irse a vivir a Londres, donde grabó su siguiente álbum, "Exodus", uno de los más importantes de su carrera y del reggae.
Bob Marley tiene su propia estrella en Paseo de la Fama de Hollywood.

Lanzado en el verano de aquel año, "Exodus" consolidó el status internacional de la banda, permaneciendo en las listas de Inglaterra durante 56 semanas seguidas y teniendo los tres sencillos - "Waiting in Vain", "Exodus" y "Jamming’" - como grandes éxitos mediáticos. En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con "Kaya", que alcanzó el cuarto lugar en Inglaterra a la semana siguiente a su lanzamiento. Del álbum fueron extraídos dos sencillos: "Satisfy My Soul" e "Is This Love?". En abril de 1978 volvió a Jamaica para el "One Love Peace Concert", cuando consiguió que el Primer Ministro Michael Manley y el líder de la oposición Edward Seaga se diesen la mano en el escenario, en un esfuerzo para frenar la violencia política y promover la reconciliación nacional. Fue entonces invitado para ir a la sede de las Naciones Unidas, en Nueva York, para recibir la Medalla de la Paz. Y, a finales de año, Bob viajó a África por primera vez, visitando inicialmente Kenia y después Etiopía, hogar espiritual rastafari. La banda había terminado recientemente una gira por Europa y los Estados Unidos, de donde se sacó material para el segundo álbum en vivo: "Babylon By Bus". "Survival", el noveno álbum de Bob Marley con Island fue lanzado en el verano de 1979. Incluía "Zimbabwe", un himno para Rodesia, que luego sería liberada, junto con "So Much Trouble In The World", "Ambush In The Night" y "Africa Unite". Como indica la portada, que contiene las banderas de las naciones independientes, "Survival" fue un álbum en homenaje a la causa Panafricana. En abril de 1980, el grupo fue invitado oficialmente por el gobierno del recientemente libertado Zimbabwe para tocar en la ceremonia de independencia de la nueva nación.

El siguiente disco de la banda, "Uprising", fue lanzado en mayo de 1980 y tuvo un éxito inmediato con "Could You Be Loved?". El álbum también traía "Coming In From The Cold", "Work" y la famosa "Redemption Song". Los Wailers entretanto se embarcaban en su mayor gira europea, rompiendo records de asistencia en un concierto. La agenda incluía un concierto para 100.000 personas en Milán, el mayor de la historia de la banda. Bob Marley & The Wailers eran la mayor banda en gira de aquel año y "Uprising" estaba en todas las listas de Europa. Era un período de máximo optimismo y estaban haciendo planes para una gira en los Estados Unidos en compañía de Stevie Wonder al final del año.

Discografía De Estudio:

The Wailing Wailers
Soul Rebels
Soul Revolution
Soul Revolution Part II
The Best of The Wailers
Catch a Fire
Burnin'
Rasta Revolution
Natty Dread
Rastaman Vibration
Exodus
Kaya
Survival
Uprising
Confrontation

Compilaciones:

African Herbsman (1973)

Iron Maiden • biografía & discografía

2009-06-28T11:48:00.003-03:00

Biografía:

Iron Maiden es una agrupación musical británica de heavy metal del área de Leyton del East End de Londres, fundada en 1975 por el bajista y compositor Steve Harris a la edad de 19 años.

Sus influencias han sido Thin Lizzy, UFO, Deep Purple, entre otros. En el año 2000 recibe el premio “International Achievement” en los 46th Ivor Novello Awards. En el 2005, en un emotivo acto, lo invistieron en Hollywood's Rock Walk por considerarlos uno de los más importantes y populares del movimiento British Metal por su innovación y énfasis inusual tanto visual como musical. El día 11 de marzo del 2008 anuncian que han vendido más de 70 millones de discos alrededor del mundo.

La historia de Iron Maiden comienza en el año de 1974, cuando Steve Harris con 17 años de edad, inspirado por Wishbone Ash, Black Sabbath, Judas Priest, etc. adquiere una copia del Precision Bass por unas 40 libras esterlinas. Steve inicialmente tuvo la ilusión de ser jugador de fútbol del West Ham, sin embargo, había jugadores de gran calidad y sólo unos pocos llegaban a ser profesionales, a pesar de ello, él continuó entrenando. Tras meditarlo seriamente, perdió todas las esperanzas de ser algún día un jugador profesional, así que comenzó a dedicar todos sus esfuerzos a su otra gran pasión, la música. Esto condujo a la formación de una agrupación musical que llamó "Influence", que posteriormente pasaría a llamarse Gypsy´s Kiss.

Tras unos cuantos conciertos con Gypsy´s Kiss (todos ellos ante muy poco público), Steve decidió abandonar el grupo y se unió a "Smiler", que por cierto sus miembros eran varios años mayores que él, lo cual le sirvió para acumular una valiosa experiencia, pero no era suficiente para él. Finalmente se dio cuenta de que la única manera de hacer lo que él quería era crear su propia banda y así en 1975, nació Iron Maiden. A Steve se le ocurrió el nombre al ver un objeto de tortura en una vieja película llamada El hombre de la máscara de hierro. Era un ataúd de metal (conocida como doncella de hierro) con docenas de clavos oxidados en su interior donde metían a sus víctimas y las encerraban hasta morir. En 1976, Harris comenzó a buscar músicos para su banda y los encontró en su propio barrio del East End de Londres. El grupo lo componían él en el bajo, Dave Sullivan, Terry Rance en las guitarras, Ron Matthews en la batería y Paul Day en el canto, quien poco después sería sustituido por el cantante del anterior grupo que perteneció Harris ("Smiler"), Dennis Wilcock, el cual le recomendó un talentoso guitarrista llamado Dave Murray (del grupo Urchin y admirador como Harris, de Free, Queen y Deep Purple y sobre todo de Jimi Hendrix). Esto hizo que los guitarristas Sullivan y Rance lo tomaran como un insulto, así llegó Bob Sawyer quien utilizó el nombre Bob D'Angelo para ser reclutado como el segundo guitarrista y con Ron Rebel en la batería llegó a la primera formación de Iron Maiden.

Poco después, Steve reclutó a otro ex-Smiler, Doug Sampson en la batería, mientras comenzaban a buscar un nuevo cantante. Un compañero de Steve recomendó a Paul Di'Anno, un vocalista con tendencias punk (que hasta entonces se encontraba en una banda llamada "Bird of Prey").

Aquellos tiempos fueron muy duros para Harris y sus compañeros; eran los años del punk que explotaba por las calles de Londres, bandas como los Sex Pistols arrasaban con todo el movimiento, y con el negocio discográfico que estaba totalmente dominado por la estética y la música punk. Algunas disqueras le sugirieron a Harris que cambiara la imagen de su grupo, que se cortasen el pelo y que adaptaran su música a los tiempos que corrían. Sin embargo Steve Harris tenía una idea muy clara de cómo quería que fuera su grupo y el tipo de música que quería tocar. En sus propias palabras, "no podría haber comenzado una banda de punk ... eso habría estado en contra de mi religión". Di'Anno, por su parte, comentó, "compositores que alguna vez estuvieron en Fairport Convention están ahora en The Clash, sólo viven alterando sus gustos para mantenerse acorde a los tiempos. No veo la razón de eso. Debes mantenerte en la música que te gusta, mantenerte fiel". Así, Harris mantuvo la agrupación tal y como él creía que debía ser.

El mánager Rod Smallwood logró que Brian Shepherd, presidente del sello discográfico EMI, presenciara un concierto de la banda en el Club Marquee, y una semana más tarde, Iron Maiden firmaba contrato con la compañía discográfica. Contrato que estaba en competencia con otra banda representativa del NWOBHM, Def Leppard.

El 8 de febrero de 1980, Paul Di'Anno en la voz, Steve Harris en bajo y coros, Dave Murray en guitarra, Clive Burr (proveniente de la banda Samson) en batería y Dennis Stratton en guitarra celebraron la edición del primer sencillo oficial y, a los pocos días, Running Free escalaba rápidamente las listas británicas hasta posicionarse en el puesto treinta y cuatro. Después de Running Free, la prensa británica fue evidenciando en Paul Di'Anno un paulatino giro en su actitud hacia el grupo.

Miembros:

Bruce Dickinson
Janick Gers
Steve Harris
Nicko McBrain
Dave Murray
Adrian Smith
Blaze Bayley
Clive Burr
Paul Day
Paul Di'Anno
Dennis Stratton
Doug Sampson
Dennis Wilcock

Discografía De Estudio:

Iron Maiden - Iron Maiden (1980)
Iron Maiden - Killers (1981)
Iron Maiden - The Number Of The Beast (1982)
Iron Maiden - Piece Of Mind (1983)
Iron Maiden - Powerslave (1984)
Iron Maiden - Somewhere In Time (1986)
Iron Maiden - Seventh Son Of A Seventh Son (1988)
Iron Maiden - No Prayer For The Dying (1990)
Iron Maiden - Fear Of The Dark (1992)
Iron Maiden - The X Factor (1995)
Iron Maiden - Virtual XI (1998)
Iron Maiden - Brave New World (2000)
Iron Maiden - Dance Of Death (2003)
Iron Maiden - A Matter Of Life And Death (2006)

Red Hot Chili Peppers • biografía & discografía

2009-06-23T23:56:00.001-03:00

Biografía:

Red Hot Chili Peppers es una banda de funk rock, formada en Los Angeles, California, en 1983 en 1998 siguieron con el movimiento post grunge. Durante la mayor parte de su carrera, la banda ha estado constituida por el cantante Anthony Kiedis, el guitarrista John Frusciante, el bajista Michael "Flea" Balzary, y el baterista Chad Smith. La banda ha compaginado en su estilo distintos géneros musicales que van desde el rock y el funk, hasta el rap, punk rock, el rock psicodélico y el hard rock la banda a vendido 50 millones de discos.

La banda (originalmente Tony Flow and the Miraculously Majestic Masters of Mayhem) fue formada en la preparatoria Fairfax High School por un grupo de alumnos que asistían a dicha escuela: Anthony Kiedis, Hillel Slovak, Jack Irons, y Michael "Flea" Balzary. Éste último acababa de terminar una breve estancia como bajista de uno de los primeros grupos hardcore punk de Los Angeles llamado Fear, pero su ínterés en los sonidos negros lo hizo renunciar en 1983. Slovak e Irons a su vez, estaban en otro grupo What Is This?, pero los miembros más permanentes de Red Hot Chili Peppers (Anthony y Flea) ya no quisieron entrar de lleno en el mercado Punk. La primera actuación de ellos fue en el "Rhythm Lounge", a la que acudieron 30 personas. Para ese concierto, ellos habían compuesto una canción claramente inspirada por la fusión de punk, rap y funk del sencillo "The Magnificient Seven" de The Clash pero con la nueva actitud salvaje y mayor velocidad del hardcore, la después conocida "Out in L.A". El rendimiento en vivo de la banda fue tan bueno que se les pidió regresar la semana siguiente. Debido a este inesperado éxito, los miembros de la banda cambiaron el nombre por el de Red Hot Chili Peppers, debido a que vieron el nombre original un poco incómodo. Luego siguieron tocando en varios conciertos por clubes de LA y cabarets como el Kit Kat Club. Es en estos primeros momentos cuando empiezan a hacerse populares por sus actuaciones en las que aparecían completamente desnudos, con sólo un calcetín en los genitales. Seis de las canciones que tocaban en esos shows fueron grabadas en su primer demo.

Varios meses después de su primera actuación, la banda firmó con la compañía discográfica EMI. Pero, dos semanas antes, What Is This? había obtenido contrato con MCA, por lo que Slovak y Irons dejaron Red Hot Chili Peppers y se dedicaron a What is this?. Kiedis y Flea ni pensaron en disolver la banda, sino que decidieron reclutar a nuevos miembros. Cliff Martínez, un conocido de Flea, pidió sumarse a los Chili Peppers poco después. También se uniría Jack Sherman el rey pirata.

Andy Gill el guitarrista de Gang of Four, también pioneros en la incorporación del funk al estilo punk, fue contratado para producir su primer álbum. A pesar de que Kiedis y Flea dudaron, él empujó a la banda a tocar música más viable comercialmente. En un principio Kiedis quería titular el disco True men don't kill coyotes, pero la compañía quería que el título fuese Red Hot Chili Peppers, a lo que el grupo tuvo que acceder finalmente. El disco salió el 10 de agosto de 1984 y fue un fracaso comercial. Vendió aproximadamente 25000 unidades y obtuvo poco reconocimiento. La siguiente gira estuvo un poco mejor, aunque Kiedis y Sherman tenían un relación muy tensa. Sherman fue despedido poco después y Slovak regresó a la banda, después de hartarse de What is This?.

George Clinton (el legendario líder de Parliament y Funkadelic) fue elegido (a petición de Anthony y Flea) para producir el próximo album de la banda, Freaky Styley.

El álbum fue grabado en el famoso Detroit's famed R&B and funky United Sound Systems studios en el borde de la Universidad Estatal de Wayne. Clinton combinó diversos elementos del punk y el funk en el repertorio de la banda, que permitieron incorporar variedad a la música. De hecho en la canción "Hollywood", que es una adaptación del tema "Africa" de los legendarios Funkateers de Nueva Orleans The Meters, participa en el Saxofón el músico Maceo Parker, que al igual que el bajista Bootsy Collins, había grabado para el forjador del Funk, James Brown, y el mismo Clinton.

El álbum fue publicado el 16 de agosto de 1985, pero aunque la banda tuvo una relación mucho mejor con Clinton que con Gill, el álbum fue apenas más exitoso que el primer álbum, y no tuvo llegada a ningún Chart, pese a contar con la producción de una leyenda viviente como el "Dr. Funkenstein". La posterior gira no fue considerada lo suficientemente productiva para la banda.

Cliff Martínez partió del grupo en el verano de 1986, y la banda contrató temporalmente a Chuck Biscuits para terminar la gira. Jack Irons, se quedó sin trabajo y separado de otros compromisos, se reintegró al grupo, Anthony, Flea y Hillel quedaron muy sorprendidos. El grupo eligió a Michael Beinhorn, quien había colaborado con Herbie Hancock, y formado grupos como Material y Tackheads, para producir su próximo álbum. Volvían a estar los cuatro componentes originales de la banda. Las canciones comenzaron a formarse rápidamente, y el álbum empezó a tener forma, usando la misma mezcla de funk y ritmos que Freaky Styley y pero con sonidos mucho más agresivos de punk y metal. Reuniéndose los cuatro integrantes, empezaron el proceso de creación.

El 29 de septiembre de 1987, The Uplift Mofo Party Plan salió a la venta, convirtiéndose en el primer álbum de los Red Hot Chili Peppers en aparecer en algún Chart. A pesar de que llegaron sólo al pueso # 148 en el Billboard Hot 200, este fue un éxito importante en comparación a los dos primeros álbumes.

Durante este período, Kiedis y Slovak estaban desarrollando graves habitos de adicción a las drogas, a menudo hasta abandonaban la banda. La adicción a la heroína llevo a Slovak a la muerte el 27 de julio de 1988 a los 25 años de edad. Kiedis abandonó la ciudad y no asistió al funeral de Slovak, considerando que la situación era surrealista. Huyó a México donde permaneció unos meses para desintoxicarse. Jack Irons, posteriormente, abandonó el grupo, diciendo que él no quería ser parte de un grupo donde sus amigos estaban muriendo. Fue internado en un psiquiátrico.

Miembros:

Anthony Kiedis
John Frusciante
Michael "Flea" Balzary
Chad Smith
Hillel Slovak
Jack Irons
Cliff Martinez
Jack Sherman
D. H. Peligro
DeWayne "Blackbyrd" McKnight
Jesse Tobias
Arik Marshall
Dave Navarro

Discografía De Estudio:

Red Hot Chili Peppers - The Red Hot Chili Peppers (1984)
Red Hot Chili Peppers - Freaky Styley (1985)
Red Hot Chili Peppers - The Uplift Mofo Party Plan (1987)
Red Hot Chili Peppers - Mother's Milk (1989)
Red Hot Chili Peppers - Blood Sugar Sex Magik (1991)
Red Hot Chili Peppers - One Hot Minute (1995)
Red Hot Chili Peppers - Californication (1999)
Red Hot Chili Peppers - By The Way (2002)
Red Hot Chili Peppers - Stadium Arcadium (2006)

Peter Gabriel • biografía & discografía

2009-06-16T22:54:00.003-03:00

Biografía:

Peter Brian Gabriel, (n. 13 de febrero de 1950, Chobham, Inglaterra), es un músico inglés de rock. Se hizo conocido como miembro de la banda de rock progresivo Genesis, que fundó cuando era estudiante de la escuela secundaria Charterhouse, con sus compañeros Tony Banks, Anthony Phillips y Mike Rutherford.

Tras publicar el disco "The Lamb Lies Down on Broadway", el séptimo del grupo, Gabriel decidió dejar el grupo por diferencias artísticas y personales, siendo el único miembro de la banda con familia; no hubo ruptura personal y las buenas relaciones con sus antiguos compañeros permitieron la colaboración de varios de ellos a lo largo de la exitosa carrera solista de Gabriel.

Su primer éxito fue el sencillo "Solsbury Hill", una canción autobiográfica en la que expresa sus sentimientos al dejar Genesis. Aunque logró éxito crítico y aceptable éxito comercial desde temprano en su carrera solista, (p.e. "Games Without Frontiers" de su tercer álbum y "Shock the Monkey" del cuarto), Gabriel logró el máximo éxito comercial y popularidad con las canciones de su disco de 1986 So, en particular "Sledgehammer." Su siguiente disco, "Us", producido seis años después, reflejó los problemas personales que atravesaron la vida de Gabriel (su divorcio y una relación fallida con la actriz Rossanna Arquette), y si bien tuvo un éxito menor con "Steam", no fue comparable en ventas con el "So"; el año 1989 Gabriel compuso e interpretó su segunda banda sonora para cine, "Passion", para La Última Tentación de Cristo de Martin Scorsese, una obra de altísimo nivel. Tras un hiato de siete años, Gabriel regresó con la puesta en escena para el Domo del milenio, en Londres, llamada "Ovo", en el 2000; la música para la película "Rabbit Proof Fence" el 2001 y finalmente su disco "Up", de éxito menor. También colaboró en el año 2004 con el tema central del juego Myst IV: Revelation, con "Curtains", cara B del single "Big Time" procedente del álbum So.

En los inicios de su carrera solista, Gabriel se negó a ponerle títulos a sus discos, considerándolos más bien ejemplares de una revista. Sólo la presión del sello distribuidor en Estados Unidos puso un título en el cuarto disco ("Security") y lo obligó a ponerle títulos a sus discos desde el quinto (So). Para identificarlos se suele recurrir al número de orden o a detalles de la carátula; en realidad existe un tácito acuerdo entre todos los fans para llamar al primero, segundo y tercer discos como Car, Scratch y Melt respectivamente. - - Peter Gabriel tiene dos hijas de su primer matrimonio, Melanie y Anna, y un hijo, Ralph Isaac, del segundo. Melanie fue cantante de apoyo en el tour Growing Up, y está iniciando una carrera solista. Anna realizó la película Growing up on tour: a family portrait.

Peter Gabriel es uno de los fundadores de On Demand Distribution (OD2) y co-fundador con Brian Eno de MUDDA, "magnificent union of digitally downloading artists".

En la década de los 80 fue pionero en la fusión con todo tipo de músicas étnicas y no es extraño encontrar en sus temas percusiones de absoluta inspiración africana, y guiños a otras culturas. Sobresaliente en ello resulta su álbum Passion.

De hecho la figura de Peter Gabriel se encuentra estrechamente ligada a los festivales WOMAD, y su éxito con el álbum So le permitió fundar la discográfica Real World que ha permitido grabar discos y difundir su música a autores de todos los lugares de la tierra.

Más allá de tener la mera condición de músico, Peter Gabriel ha estado comprometido a lo largo de casi toda su carrera con los problemas sociales más variados, tales como la discriminación en Sudáfrica, haciendo oír su voz a menudo en los foros internacionales. En la actualidad colabora con el movimiento que pretende el reconocimiento de los derechos a los simios.

Discografía:

Peter Gabriel - Peter Gabriel (1977)
Peter Gabriel - Peter Gabriel (1978)
Peter Gabriel - Peter Gabriel (1980)
Peter Gabriel - Peter Gabriel (1982)
Peter Gabriel - Peter Gabriel Plays Live (1983)
Peter Gabriel - So (1986)
Peter Gabriel - Us (1992)
Peter Gabriel - Secret World Live (1994)
Peter Gabriel - Ovo (2000)
Peter Gabriel - Up (2002)
Peter Gabriel - Big Blue Ball (2008)

Letras de Peter Gabriel >>

Badfinger • biografía & discografía

2009-06-14T23:12:00.004-03:00

Biografía:

Badfinger fue un grupo británico de rock frecuentemente considerado uno de los primeros del estilo llamado power pop. La banda fue exitosa comercialmente a principios de los años 70 y debido a su estilo similar al de The Beatles y a su contrato con el sello independiente de esa banda, Apple Records, fue considerada su posible sucesora. Sin embargo, una serie de problemas con sus sellos discográficos hicieron que sus integrantes no recibieran dinero pese al éxito de sus singles, por lo que tuvieron problemas económicos que llevaron sus dos principales compositores al suicidio, en 1975 y 1983.

El grupo en sus inicios se llamó The Iveys, y fue formado en Swansea, Gales, por el guitarrista Peter Ham, el bajista Ron Griffiths, y el guitarrista Dai Jenkins. The Iveys surgió de un grupo que formó Ham a principios de los años 60, que tuvo una serie de nombres como The Panthers, The Black Velvets y The Wild Ones. El nombre del grupo surgió del nombre de una calle de Swansea. En 1965 Mike Gibbins se volvió el baterista del grupo, que comenzó a ganar notoriedad, por lo que algunos sellos discográficos comenzaron a interesarse en contratarlos. En 1967 Jenkins dejó el grupo y fue reemplazado por Tom Evans.

El grupo firmó un contrato con Apple Records, un sello que había sido fundado por los Beatles. El primer single de la banda fue "Maybe Tomorrow", y no fue exitoso ni en las listas británicas ni en las estadounidenses. El grupo grabó un álbum titulado Maybe Tomorrow, que pasó desapercibido en el mercado y ni siquiera se editó en Estados Unidos. Sim embargo, el grupo había llamado la atención de Paul McCartney, quien le presentó una de sus propias composiciones al grupo, titulada "Come and Get It", que fue editada como single y tuvo mucho éxito en Estados Unidos e Inglaterra. "Come and Get It" iba a ser parte de la banda sonora de la película "The Magic Christian". Griffiths dejó la banda, por lo que Evans pasó a ser el bajista del grupo y la banda buscó reemplazar sin éxito a Griffiths con Hamish Stuart (de The Marmalade). El grupo pasó a llamarse Badfinger (inspirado en el titulo preliminar de la canción With a Little Help from My Friends de The Beatles, Bad finger boogie) y contó con Joey Molland como reemplazante de Griffiths. Con Molland ingresa un guitarrista y cantante bien rudo a la banda, y también un "caritas" a lo Macca.

El siguiente álbum del grupo (y el primero bajo el nombre de Badfinger) se tituló Magic Christian Music, y contenía cancions de la película Magic Christian y remixes de las canciones del LP de los Iveys, este álbum incluye el tema "Carry on till tomorrow" que en 1972 seria popularizada por el Grupo Peruano We All Together.

El siguiente álbum de estudio del grupo fue No Dice, el cual fue editado en 1970 e incluye el exitoso single "No Matter What", al igual que "Without You", canción que posteriormente Harry Nilsson convertiría en un hit en todo el mundo. No Dice fue bien recibido por la crítica y es considerado uno de los mejores álbumes de la banda. Durante 1970 el grupo contrató al manager Stan Polley, quien tenía más experiencia que Bill Collins (quien había estado con el grupo desde mediados de los años 60 y que seguiría trabajando con la banda). Polley se encargó de reorganizar las finanzas del grupo e iba a tener un rol relevante en la historia de la banda. Más allá de Polley, Badfinger creció como grupo y las individualidades de la banda comenzaron a tomar forma. Pete el genio. Tommy su compañero. Joey el sideshowbob. Mike el baterista.

El siguiente trabajo del grupo, Straight Up se editó en 1971. El álbum produjo exitosos sencillos como "Day After Day" y "Baby Blue", y contó con dos productores, George Harrison y Todd Rundgren. Sin embargo, a pesar del éxito comercial, Apple no promocionó el álbum lo suficiente, la banda no estaba completamente satisfecha con el álbum y sus integrantes no estaban recibiendo gran parte del dinero que estaban produciendo, en parte debido a los problemas del sello, pero también debido a la intervención de Polley. Una serie de problemas hicieron que el grupo no pudiera editar un nuevo álbum durante 1972, aunque siguieron con sus presentaciones en vivo. Durante ese año Gibbins abandonó el grupo temporalmente. Debido a la crítica situación financiera de Apple, Polley negoció un contrato millonario con Warner antes de que el contrato con Apple llegara a su fín. La banda editó Ass a fines 1973, antes de que Apple entrara en bancarrota, algo que le impediría a los integrantes del grupo recibir regalías por varios años.

El grupo editó un álbum autitulado en 1974, su primer álbum de estudio con Warner. Badfingerfue grabado en Trident con la producción de Chris Thomas. En ese estudio los Beatles grabaron por ejemplo "Savoy Trufle", y Chris Thomas había sido ingeniero de grabación de los Beatles desde 1968. Efectivamente, el disco suena beatle, o al mejor estilo de la banda Parliament, y es otra muestra de lo compacta que Badfinger era en el estudio. Pero el disco no tuvo un éxito de ventas y la banda comenzó a sentir lo mismo que otras bandas de rock setenteras que vieron pasar su cuarto de hora; la diferencia era que Badfinger contaba con un músico de la altura de Ham. Tras una serie de giras por los Estados Unidos, donde la banda tocó en pequeños bares y estadios universitarios sin mucha taquilla, Badfinger volvió a los estudios para grabar otro disco con Thomas como productor. Era el segundo disco que hacían en Warner Bros. El resultado fue Wish You Were Here, pero el sello lo retiró del mercado a las pocas semanas de su edición por recomendación de sus representantes legales. Los problemas económicos del grupo se volvieron notorios cuando millones que le pertenecían al grupo desaparecieron. El grupo grabó otro álbum para Warner titulado Head First, el cual no fue editado sino hasta el año 2000. A principios de 1975 Warner canceló el contrato con Badfinger, y la crisis económica llevó a una serie de demandas. El 23 de abril de 1975 Peter Ham se suicidó en su garage.

Pete Ham fue uno de esos grandes músicos de rock and roll. Cuando George Harrison produjo "Day After Day", cuenta el biógrafo de Badfinger, escuchó la canción de Pete y bajó de la sala de control del estudio número 3 de Abbey Road para preguntarle si lo dejaba tocar slide en la canción. Se pueden ver fotos de los dos sonrientes compartiendo sólo lo que los músicos comparten. Harrison también colaboró con Ham para "Name of the Game", gran canción del líder de Badfinger que ya había sido grabada con la producción de George Martin, pero el arreglo que el ex beatle y Pete hicieron fue la versión de la canción que vio la luz. Sin dudas, Pete Ham demostró con su suicidio que el dinero sí importa en la música. Un gran artista pero sin sin el okay de una discográfica como WB. Isn't it a pity?

El grupo intentó seguir en los años siguientes: en 1979 editó Airwaves, con el baterista Peter Clarke y el ex-teclista de Yes Tony Kaye. Sin embargo, los conflictos legales y artísticos entre los integrantes se profundizaron, y tras una discusión telefónica con Molland, Evans se ahorcó el 19 de noviembre de 1983.

Miembros:

Pete Ham
Tom Evans
Joey Molland
Mike Gibbins
Ron Griffiths
Bob Jackson
Joe Tansin
Tony Kaye
Glenn Sherba
Richard Bryans

Discografía De Estudio:

Badfinger - Magic Christian Music (1969)
Badfinger - No Dice (1970)
Badfinger - Straight Up (1971)
Badfinger - Ass (1973)
Badfinger - Badfinger (1974)
Badfinger - Wish You Were Here (1974)
Badfinger - Airwaves (1979)
Badfinger - Say No More (1981)
Badfinger - Head First (2000)

Chickenfoot • biografía & discografía

2009-06-13T16:10:00.002-03:00

Biografía:

Chickenfoot es un supergrupo de rock integrado por el vocalista Sammy Hagar (ex-Van Halen, y Montrose), el bajista Michael Anthony (también ex Van Halen), el guitarrista Joe Satriani y el baterista Chad Smith (de Red Hot Chili Peppers). Chickenfoot recientemente terminó la grabación de su primer álbum, el cuál será lanzado el 5 de junio de 2009 en Europa, y el 7 de junio en los Estados Unidos.

Su primera presentación fue en un concierto de Sammy Hagar en Las Vegas. Tenían un listado de tres canciones en el cual estaban incluidos los temas "Rock and Roll" de Led Zeppelin y "Dear Mr. Fantasy" de Traffic. De la presentación Chad Smith fue el pegamento que mantiene unida a la banda - "El material es realmente golpeador, cualquiera que estuvo alguna vez cerca de Chad sabe que tiene una gran personalidad, una gran energía en la batería y en persona es realmente explosivo" dijo Satriani.

La banda anunció una su primera gira mundial, que iniciará en mayo con varios conciertos en Estados Unidos, y continuará en junio y julio en varios países de Europa. La gira incluye presentaciones individuales y también festivales junto con otros artistas.

Miembros:

Sammy Hagar
Michael Anthony
Joe Satriani
Chad Smith

Discografía De Estudio:

Chickenfoot - Chickenfoot (2009)

Avalanch • biografía & discografía

2009-06-13T12:13:00.003-03:00

Biografía:

Avalanch es un grupo español de Thrash Metal, Heavy Metal y Hard Rock, formado en 1993, y procedente de Asturias.

La banda asturiana Avalanch lleva una larga trayectoria combinando el Heavy metal en castellano de sus inicios con un rock más moderno de indudable influencia Thrash en el presente, incorporando a su música elementos de hard rock, pop y folk. Sus discos se editan en varios países europeos y americanos, y realizan habitualmente giras por fuera de España, principalmente por Latinoamérica.

La historia de Avalanch comienza en 1993, cuando Alberto Rionda, Francisco Fidalgo y Víctor García forman una banda a la que se unirán Alberto Ardines y Juan Lozano, que también buscaban miembros para una nueva banda. El nombre escogido fue Avalanch, nombre con el cual Ardines y Lozano ya habían grabado en 1988 junto a dos compañeros una maqueta titulada Ready to the glory. Alberto Rionda, asumirá desde el inicio las labores de compositor y guitarrista principal y productor musical de Avalanch. Tras varios cambios internos en la banda, lanzan en 1997 su primer disco profesional, La llama eterna, grabado en Bunker Estudios, estudio de Posada de Llanera (Asturias) que más tarde acabaría dirigiendo Alberto Rionda. Con este disco, Avalanch provoca un gran impacto en la escena heavy metal española. No tardaría en aparecer la versión en inglés del disco, Eternal Flame, y en algunos países como Italia o Japón se editaron ediciones de ese trabajo en inglés y español. Mediada la gira de este disco, Avalanch decide prescindir de su vocalista (Juan Lozano) y contacta con Víctor García para que se una a ellos, comenzando en Barcelona.

Es entonces cuando entran en el estudio para grabar Llanto de un héroe, un disco en el que el power metal, combinado con tintes de música clásica, era la nota predominante, y que les hizo girar por toda España. De esa gira surgió Días de gloria, un directo que ponía de manifiesto el momento que vivía la banda, e incluía una versión en estudio de Queen, "Save Me", que se editó como single.

En 2001 se edita el disco más vendido de la banda hasta la fecha, El ángel caído, un disco que gira en torno a temas bíblicos, con una ambientación más épica y evocadora. En este disco colabora Leo Jiménez, vocalista de Stravaganzza y Ex-Saratoga en el tema "Las ruinas del Edén (Acto II), en el papel de "hombre".

Finalizada la gira de presentación, el batería Alberto Ardines y el cantante Víctor García, son llamados a abandonar el grupo, debido a la formación paralela de una banda llamada WarCry. Ramón Lage, ex-Paco Jones, (quien ya había participado con la banda haciendo coros en anteriores álbumes) toma el testigo a las voces, y el batería sería Marco Álvarez, procedente de Stormy Mondays y anteriormente La Destilería.

Realizan una gira europea en 2002 y son el único grupo español en tocar en el Wacken Open Air de ese año, celebrado en Alemania. Una vez en España, más cambios en el seno de la banda: el teclista Iván Blanco y el guitarrista Roberto García abandonan la formación y son sustituidos por el guitarrista Dany León (de larga trayectoria en bandas como La Destilería, Fe de Ratas y muchas otras) y el teclista Roberto Junquera (proveniente de la escena folk asturiana), que en 2008 abandonaría la banda.

En 2003, Avalanch edita su cuarto disco de estudio, Los poetas han muerto, donde dejan un poco al lado los temás épicos y rápidos para hacer un rock más personal, que incorpora influencias no estrictamente metálicas. Bastante polémico a su salida, cuenta con la participación en el tema 'Del cielo a la tierra' del brasileño Andre Matos, famoso por su militancia en Angra y Shaaman, Santi Fano (vocalista de Angeldark) como la voz del mal en 'Niño' y del artista marroquí Jbara en 'Madre Tierra'. Ese mismo año, Avalanch se embarca en su primera gira por Latinoamérica, que recorre Brasil, Chile, México, Colombia y Ecuador.

Reciben tres Premios Radial 2004 (Mejor guitarrista, mejor portada y mejor tema por 'Niño'). Hacia finales de 2004, una vez finalizada la gira de Los poetas han muerto, la banda publica una colección de sus mejores canciones interpretadas por la formación actual en un disco titulado Las ruinas del Edén, con el que realizarán una de sus giras más extensas.

En 2005 vería la luz el DVD en directo Cien Veces, con un concierto de la banda en su Asturias natal. Se publica también Mother Earth, la versión inglesa del disco Los poetas han muerto en la que se incluye una versión del clásico de U2, Where the streets have no name. Se repite la colaboración de Andre Matos en el tema que le da título.

También en este año, sale al mercado El hijo pródigo, el disco más heterogéneo de su carrera; con el que la banda realiza una gira por España, México y Estados Unidos. A finales del 2005, sale a la venta el recopilatorio Un paso más, que contiene una selección de grandes éxitos de Avalanch y dos canciones inéditas: La nana asturiana 'Agora non', y una balada basada en el cuento de Oscar Wilde 'El príncipe feliz', que es la versión con letra de 'Volviendo a Casa', canción instrumental que cerraba la edición especial de El hijo pródigo.

En 2006, Avalanch obtiene 4 galardones en los premios AMAS de la música asturiana; (mejor cantante, mejor guitarrista, mejor videoclip ('Alas de Cristal') y mejor disco de rock), y resulta ser la banda con más número de trofeos conseguidos.

En octubre de 2006 publican un DVD con su actuación en el festival Viña Rock, editado por Santo Grial y cuyo título es Lágrimas Negras.

Tras haber lanzado el 5 de noviembre de 2007 su último disco de estudio, Muerte y Vida, del cual ya pueden ser escuchados todos los temas excepto 'Bajo las Flores' de su Web oficial, comienzan su gira por España.

En enero de 2008, el teclista Roberto Junquera aunucia su marcha temporal de la banda por causas personales, dando su último concierto en la sala Bilborock de Bilbao el 12 de enero. Es sustituido para tocar en directo en la gira por el reputado Mario Fueyo, también conocido como "Dark la Eme", músico todoterreno habituado al rap pero que ejecuta sin dificultades jazz, rock y metal entre otros estilos. La gira continúa interpretando los nuevos temas y rescantando algunos antiguos, dando recitales por toda España. Como colofón a la misma, graban el 12 de julio de 2008, aprovechando su actuación en la Semana Negra de Gijón, libro de 28 páginas con 2 CDs y 1 DVD 'Caminar sobre el agua', que salió a la venta el 25 de noviembre de 2008.

En enero de 2009 comienzan una nueva gira en la que cuentan con el apoyo de Sol Música, que emite un videoclip exclusivo para promocionar los conciertos.

Miembros:

Alberto Rionda - Guitarra
Ramón Lage - Voz
Dany León - Guitarra
Francisco Fidalgo - Bajo
Roberto Junquera (sustituido por Mario Fueyo en 2008)- Teclado
Marco Álvarez - Batería

Discografía De Estudio:

Avalanch - La Llama Eterna (1998)
Avalanch - Llanto De Un Héroe (1999)
Avalanch - El Ángel Caído (2001)
Avalanch - Los Poetas Han Muerto (2003)
Avalanch - Las Ruinas Del Edén (2004)
Avalanch - El Hijo Pródigo (2005)
Avalanch - Muerte Y Vida (2007)
Avalanch - Caminar Sobre El Agua (2008)

Tom Waits • biografía & discografía

2009-06-12T16:08:00.002-03:00

Biografía:

Thomas Alan Waits (nacido en Pomona, California el 7 de diciembre de 1949) es un pianista, cantante, compositor y actor estadounidense, famoso por sus canciones de tono áspero, inspiradas en escritores como Charles Bukowski y otros de la generación Beat, en especial Jack Kerouac.

En 1967 comenzó a trabajar en los cabarés de Los Ángeles, ambiente que le influyó mucho para las canciones de su primer disco, Closing Time (1973), aunque este álbum se vio eclipsado por The Eagles y Tim Buckley, pero fue con el álbum Heart of Saturday Night (1974) el que dio a conocer su personal estilo. Más tarde en 1975 con el disco en directo Nighthawks at the Diner combina canciones muy personales (entre ellas Better off without a wife) con entretenidos monólogos introductorios.

Tras Small Change (1976), sus siguientes discos no consiguieron situarse en las listas de éxitos. En esos años interpretó pequeños papeles en películas como La cocina del infierno (1978, de Sylvester Stallone) o Corazonada (1981, de Francis Ford Coppola), para la que también compuso la música.

Volvió a las listas de ventas en la década de 1980 con Swordfishtrombones (1983), Rain Dogs (1985) y Frank’s Wild Years (1987), discos en los que confluyeron una gran variedad de estilos desde el blues hasta el tango, que dieron a sus canciones una atmósfera especial que le aseguró el éxito de ventas y la aceptación del gran público. También participó en películas como Bajo el peso de la ley (1986, de Jim Jarmusch), Drácula (1992, de Coppola) y Vidas cruzadas (1993, de Robert Altman) con papeles de más importancia que en sus anteriores incursiones en el cine. Asimismo, compuso la música de la película Noche en la Tierra (1991, de Jim Jarmusch) y al año siguiente, graba Bone Machine (1992). Un año más tarde colaboró con William S. Burroughs en la ópera cómica de carácter siniestro The Black Rider. El 2002 fue un año especialmente prolífico con la publicación de dos discos: Alice y Blood Money.

Más recientemente, en octubre de 2004, publicaría Real Gone uno de los discos más representativos hasta la fecha de esa particular mezcolanza caracaterística de Tom Waits. Y el último trabajo de Waits, un triple álbum, se publica en 2006 con el nombre de Orphans.

Aparece junto a Iggy Pop en la película de Jim Jarmusch Coffee and Cigarettes (2003)

En 2005 aparece cantando en el sueño de Atilio que da pie a toda la película El tigre y la nieve.

El 12 de julio de 2008 actúa por primera vez en España, concretamente en el Kursaal de San Sebastián.

Discografía De Estudio:

1973 Closing Time
1974 The Heart Of Saturday Night
1975 Nighthawks At The Diner
1976 Small Change
1977 Foreign Affairs
1978 Blue Valentine
1980 Heartattack and Vine
1982 One From The Heart
1983 Swordfishtrombones
1985 Rain Dogs
1986 Asylum years
1987 Frank’s Wild Years
1988 Big Time
1992 Bone Machine
1992 Night On Earth
1993 The Black Rider
1998 Beautiful Maladies
1999 Mule Variations
2001 Used Songs
2002 Alice
2002 Blood Money
2004 Real Gone
2006 Orphans

It's A Beautiful Day • biografía & discografía

2009-06-12T11:57:00.002-03:00

Biografía:

It's a Beautiful Day was a band formed in San Francisco, California in 1967, the brainchild of violinist and vocalist David LaFlamme.

LaFlamme, a former soloist with the Utah Symphony Orchestra, had previously been in the band Orkustra, and unusually, played a five-string violin. The other members were his wife Linda (keyboards), Pattie Santos (vocals), Hal Wagenet (guitar), Mitchell Holman (bass) and Val Fuentes (drums). Although they were one of the earliest and most important San Francisco bands to emerge from the Summer of Love, It’s a Beautiful Day never quite achieved the success of their contemporaries such as The Grateful Dead and Santana, with whom they had connections. It’s A Beautiful Day created a unique blend of rock, jazz, folk, classical and world beat styles during the seven years the band was officially together.

The band's debut album, It's a Beautiful Day, released in 1969, featured the tracks "White Bird", "Hot Summer Day", "Time Is" and "Bombay Calling". The intro of the last was used, at a slower tempo, by Deep Purple as the intro to "Child in Time" on its In Rock album. The vocals and violin playing of David LaFlamme plus Pattie Santos' singing attracted attention including FM radio play, and nationally, "White Bird" bubbled under Billboard's Hot 100 chart, peaking at #118.

By 1970 the original lineup of the band had changed somewhat; the LaFlammes had split up and Linda left the band, replaced by Fred Webb. The following album, Marrying Maiden, released in 1970, included memorable tracks and was also a chart hit. In that year, the group also performed at the Holland Pop Festival at the Kralingse Bos in Rotterdam, The Netherlands and at the UK Bath Festival.

The band continued on to record Choice Quality Stuff/Anytime in 1971 and the live album Live At Carnegie Hall in 1972, touring until 1974 when they split up. In 1976, LaFlamme's solo version of "White Bird" finally cracked the Hot 100 Chart, peaking at #89. Pattie Santos was killed in a car crash on December 14, 1989.

It's a Beautiful Day reunited in 1997 under the name "David LaFlamme Band" for a new recording label. The band still features founder David LaFlamme and original drummer Val Fuentes. Other band members are LaFlamme's current wife, Linda Baker LaFlamme (vocals), Toby Gray (basses), Gary Thomas (keyboards), Rob Espinosa (guitars), Michael Prichard (percussion). They completed a string of shows in 2005 and 2006 and toured with Jefferson Starship in 2007, and LaFlamme contributed to Jefferson Starship's 2008 release, Jefferson's Tree of Liberty.

A version of "White Bird" by violinist Vanessa-Mae was released in 2001 and reached number 66 in the UK Singles Chart.

Miembros:

David LaFlamme - violin
Linda LaFlamme - keyboards, background vocals, tambourine
Pattie Santos - vocals
Hal Wagenet - guitar
Mitchell Holman - bass
Val Fuentes - drums
Fred Webb - keyboards (1970 - 1974)
Bill Gregory - guitar (1972 - 1974)

Discografía:

It's A Beautiful Day - It's A Beautiful Day (1969)
It's A Beautiful Day - Marrying Maiden (1970)
It's A Beautiful Day - Choice Quality Stuff/Anytime (1971)
It's A Beautiful Day - Live At Carnegie Hall (1972)
It's A Beautiful Day - It's A Beautiful Day...Today (1972)
It's A Beautiful Day - 1001 Nights (Compilation) (1974)
It's A Beautiful Day - White Bird Amherst Records (1977)
It's A Beautiful Day - Inside Out Amherst Records (1978)
It's A Beautiful Day - It's A Beautiful Day / Marrying Maiden (Re-Release) (1998)
It's A Beautiful Day - Beyond Dreams (2003)
It's A Beautiful Day - David LaFlamme - Live in Seattle (2003)
It's A Beautiful Day - David LaFlamme - Misery Loves Company (2005)

Lynyrd Skynyrd • biografía & discografía

2009-06-11T13:47:00.003-03:00

Biografía:

Lynyrd Skynyrd es un grupo de hard rock estadounidense, descrito por Stephen Thomas Erlewine (All Music Guide) como "el grupo definitivo de rock sureño, fusionando la potencia saturada del blues-rock con una imagen sureña rebelde y la arrogancia del hard rock". El grupo adquirió importancia durante los años 70, bajo el liderazgo del vocalista y compositor principal Ronnie Van Zant, hasta su muerte en 1977.

Lynyrd Skynyrd entró en el "Rock and Roll Hall of Fame" el 13 de marzo de 2006. Fue uno de los grupos de rock sureño de los 70 con mayor éxito comercial y aclamación por parte de la crítica. Su distintivo sonido, con tres guitarras principales, convirtió sus canciones Free Bird y Sweet Home Alabama en himnos estadounidenses y estampas habituales de la radio FM. Los artistas optaron al premio 25 años después de la publicación de su primer álbum. Los miembros galardonados fueron: Ronnie Van Zant, Gary Rossington, Allen Collins, Leon Wilkeson, Bob Burns, Billy Powell, Ed King, Artimus Pyle y Steve Gaines. Entre sus composiciones figuran canciones como "Sweet Home Alabama" que en un principio, era una respuesta a la canción "Alabama" de Neil Young, que criticaba el quehacer sureño.

Trasfondo

El grupo, en un principio se llamó My Backyard, formada en Jacksonville, Florida, en el verano de 1964 por un grupo de amigos adolescentes Ronnie Van Zant (vocalista), Allen Collins (guitarra), Gary Rossington (guitarra), Larry Junstrom (bajo) y Bob Burns (batería). Sus influencias musicales eran grupos como British Invasion, Free, The Yardbirds, y The Beatles, así como también el blues sureño y la música country rock y occidental.

Durante los 60, el grupo cambió de nombre varias veces (más notable The Noble Five and One Percent) mientras tocaban en clubes y bailes de Jacksonville. En 1968 ganaron un concurso local de Batallas de Bandas, usando el dinero del premio para grabar las canciones "Need All My Friends" y "Michelle" y así lanzar su primer sencillo. También ganaron ser la apertura en varios espectáculos del grupo Strawberry Alarm Clock.

Años dorados, 1970-1977

En 1970, el grupo empezó a ensayar constantemente en el "Hell House", una granja aislada en Green Cove Springs, Florida, una pequeña ciudad en Clay County, Florida, en las afueras de Jacksonville. Por esas fechas, un roadie, Billy Powell ingresó en el grupo como teclista. También el nombre final del grupo hizo su primera aparición, un burlón tributo al entrenador de gimnasia de la secundaria Robert E. Lee (Jacksonville), Leonard Skinner. Skinner reforzó el reglamento de la escuela refiriéndose a la forma de vestir de los varones, quien no dejaba que tuvieran ni el pelo ni las patillas largas. Algunos de los integrantes del grupo fueron expulsados de la escuela por tener su pelo demasiado largo. Después de ser castigados varias veces, el grupo tocó en un show, todavía conocidos como "One Percent", pero Van Zant bromeando anunció desde el escenario que desde ese momento serían conocidos como "Leonard Skinner". El nombre siguió modificándose primero "Lynard Skynard" y finalmente "Lynyrd Skynyrd". Con motivo de este juego fonético, el título de su primer álbum de estudio, hacía referencia a como debía pronunciarse correctamente el nombre del grupo: "(pronounced 'lĕh-'nérd 'skin-'nérd)" de MCA (1973).

Final y resurrección

El grupo se separó tras el accidente de avión en Gillsburg (Misisipí, EE UU), el 20 de octubre de 1977, en el que murieron el cantante, Ronnie Van Zant, el guitarrista, Steve Gaines, su hermana, corista y también guitarra de la banda Cassie Gaines y el manager Dan Kilpatrick, dejando huérfana la filosofía del grupo.

En 1984, el hermano menor del cantante, Johnny Van Zant, vuelve a reunir al grupo para seguir tocando hasta ahora, con un estilo algo más cercano al hard rock pero manteniendo la esencia e identidad sureña del grupo original.

Billy Powell fue hallado muerto en su casa el 28 de enero del 2009.

Miembros:

Ronnie Van Zant
Gary Rossington
Billy Powell
Ean Evans
Rickey Medlocke
Michael Cartellone
Mark Matejka
Dale Krantz Rossington
Carol Chase

Discografía:

Lynyrd Skynyrd - Lynyrd Skynyrd (1973)
Lynyrd Skynyrd - Second Helping (1974)
Lynyrd Skynyrd - Nuthin' Fancy (1975)
Lynyrd Skynyrd - Gimme Back My Bullets (1976)
Lynyrd Skynyrd - One More From The Road (1976)
Lynyrd Skynyrd - Street Survivors (1977)
Lynyrd Skynyrd - Skynyrd's First And...Last (1978)
Lynyrd Skynyrd - Gold & Platinum (1979)
Lynyrd Skynyrd - Best Of The Rest (1982)
Lynyrd Skynyrd - Legend (1987)
Lynyrd Skynyrd - Southern By The Grace Of God (1988)
Lynyrd Skynyrd - Skynyrd's Innyrds/Their Greatest Hits (1989)
Lynyrd Skynyrd - Lynyrd Skynyrd 1991 (1991)
Lynyrd Skynyrd - The Last Rebel (1993)
Lynyrd Skynyrd - Endangered Species. Capricorn (1994)
Lynyrd Skynyrd - Twenty (1997)
Lynyrd Skynyrd - The Best Of Lynyrd Skynyrd (1999)
Lynyrd Skynyrd - Edge Of Forever (1999)
Lynyrd Skynyrd - All Time Greatest Hits (2000)
Lynyrd Skynyrd - Vicious Cycle (2003)
Lynyrd Skynyrd - Thyrty (2003)

The Ides Of March • biografía & discografía

2009-06-10T11:40:00.004-03:00

Biografía:

The Ides of March is a rock band that had a major U.S and minor UK hit with the song "Vehicle" in 1970. After going on hiatus in 1973, the band returned with their original line-up in 1990 and has been active since then.

Early days

The Ides of March began in Berwyn, Illinois (a western suburb of Chicago) on October 16, 1964, as "The Shon-Dels." Their first record, "Like It Or Lump It," was released on their own "Epitome" record label in 1965.

In 1966, after changing their name to The Ides of March (a name suggested by bassist Bob Bergland after reading Shakespeare's "Julius Caesar" in high school), the band released their first single on Parrot Records - "You Wouldn’t Listen." The song reached #7 in Chicago, and #42 on the Billboard Hot 100 in spring 1966. This record and its follow-ups (all pre-"Vehicle") have been re-released on the Sundazed Records CD Ideology. By the end of the 60's, the band added a brass section, and Bergland often doubles up on tenor saxophone for the brassier tracks.

Success

Having secured a recording contract with Warner Bros. Records, in 1970 the band released the track "Vehicle," which at the time became the fastest selling single in Warner's history. A little-known fact: Fourteen seconds of the completed "Vehicle" master was accidentally erased in the recording studio (primarily the guitar solo), and the missing section was spliced in from a previously discarded take.

The song reached #2 on the Billboard record chart, and #1 on the corresponding Cash Box listings. When the song was played on the radio, many listeners thought it was Blood, Sweat and Tears (who was still popular at the time) playing because of similarities with the vocals and brass arrangement. This is particularly true because the brass riff in "Vehicle" is almost note for note a copy of the riff in the Al Kooper song "More Than You'll Ever Know". The following album, Vehicle, reached #55 nationally.

The band toured extensively throughout 1970 in support of many top acts, including Jimi Hendrix, Janis Joplin, and most notably Led Zeppelin, whom the band upstaged in Winnipeg, Manitoba. The local newspaper’s entertainment headline read "Ides of March Steal the Show." The Ides were also among the participants in the legendary "Festival Express" train tour documented in a 2003 film, although they were not featured in the film.

In 1971, the band released their second album Common Bond. The featured single was the vocal-driven "L.A. Goodbye". The song stayed at #1 on regional charts for five weeks, but only reached #73 on the Billboard chart.

In 1972, the band moved to RCA Records and released World Woven,. At this point, the band departed from the "brass" sound (though one song featured a single trumpet) and the album produced no hit singles.

In 1973, the Midnight Oil album was released. The band played its final show of the "first era" at Morton West High School in Berwyn that November.

Split

Between 1973 and 1990, The Ides went on an extended hiatus, during which Jim Peterik founded the band Survivor and co-wrote all of their platinum hits including "Eye of the Tiger," "The Search Is Over," "High on You" and "I Can’t Hold Back".

He also began a career of writing collaborations which resulted in many platinum hits for other artists, most notably "Hold On Loosely," "Rockin’ Into The Night," "Fantasy Girl" and "Wild-Eyed Southern Boys" for .38 Special and "Heavy Metal" for Sammy Hagar.

Comeback

In 1990, The Ides’ home town of Berwyn offered to have the re-united group headline their "Summerfest." The concert was attended by over 20,000 and the Ides returned to live performances. The following year they released their first new music since 1973, a four-song cassette EP entitled "Beware - The Ides Of March."

In 1992, the full length CD Ideology was released with re-recordings of "Vehicle," "L.A. Goodbye" and "You Wouldn’t Listen," plus new material. After another five-year gap, 1997 saw the EP "Age Before Beauty" being released. By 1998 the band wrote and released "Finally Next Year" to commemorate the Chicago Cubs' magical season. The song was included on a CD entitled The Cubs' Greatest Hits which was sold at all Major League ballparks. The song was used on many Cubs-themed radio and television programs.

Recent times

By 2001, The Ides had expanded their schedule, and returned to national touring. The band recorded a two-hour live performance for XM Satellite radio in Washington, DC. Also, "Vehicle" was used for an extensive national advertising campaign by General Motors.

A double live album, Beware: The Ides Of March Live, captured their concert at the McAninch Center at the College of DuPage in Glen Ellyn, Illinois. Rhino was issued in 2002. Handmade Records released Friendly Strangers, a double CD limited run set of the original Warner Bros. recordings.

In 2004, the Ides of March celebrated 40 years since their original formation, together with a series of multi-media shows emceed by Dick Biondi. The sold-out show at the Arcada Theatre in St. Charles, Illinois can be seen on the DVD, A Vehicle Through Time.

2005 saw "Vehicle" get further promotion when American Idol runner-up Bo Bice performed the song three times on the show. That same year, the Ides released their compilation CD, Idessentials. It included past hits ("Vehicle," "L.A. Goodbye" and "You Wouldn’t Listen") and versions of Survivor classics including "Eye Of The Tiger", "High On You" and "Rebel Girl", as well as new material. It featured the new single "Come Dancing", and a re-release of the Ides' first recording "Like It Or Lump It."

Matt Di Angelo and Flavia Cacace performed a salsa to "Vehicle" in Strictly Come Dancing, Series 5, in Week 8 and in the final, scoring 38/40 and 39/40 respectively.

Up to date

The Ides sang their Christmas carol "Sharing Christmas" to a capacity crowd at the 6 o'clock Mass at Chicago’s Holy Name Cathedral in 2005. They sang along with Dick Biondi. They have performed at Holy Name Cathedral's 6:00 Christmas Eve Mass since then, at the request of pastor Father Dan Mayall. They recorded their four Christmas songs on the "Sharing Christmas" album; copies were sold to raise funds for Holy Name Cathedral's Thursday Night Suppers.

In 2006, The Ides' first two albums, Vehicle and Common Bond, were nationally re-released on the Collector’s Choice label. Sony-BMG released Ides Of March Extended Play nationally; the album was culled from the band’s live recordings. Also, Best Buy stores began stocking Ides products.

Miembros:

Larry Millas — Vocals and guitar
Jim Peterik — Vocals and guitar
Bob Bergland — Vocals, bass, saxophone
Mike Borch — Vocals and drums
Chuck Soumar - Trumpet, vocals and percussion
John Larson - Trumpet
Dave Stahlberg - Trombone
Scott May - Hammond Organ and Keyboards
Ray Herr - Guitar
Conrad Prybe - Trombone
Dave Arellano - Keyboards
Dave Southern - Trombone

Discografía:

The Ides Of March - Vehicle (1970)
The Ides Of March - Common Bond (1971)
The Ides Of March - World Woven (1972)
The Ides Of March - Midnight Oil (1973)

Mint Tattoo • biografía & discografía

2009-06-10T10:47:00.004-03:00

Biografía:

The Mint Tattoo was born as an offshoot of the legendary 60's proto punk acid band Blue Cheer. Bruce Stevens and Ralph (Burns) Kellogg had played together in Blue Cheer on the band's self titled album in 1968, but after that one album, Stevens left the band to pursue other interests. Kellogg stayed on with Blue Cheer until the demise of the band in 1971, but during his tenure with Blue Cheer he reunited with Stevens along with drummer Gregg Thomas to form the band Mint Tattoo. Produced by James William Guercio (Chicago) and engineered by Phil Ramone in New York, the Mint Tattoo is a mixture of blues styled original songs, a cover of classic a blues numbers and some rather uninspired, typical for the era hard rock tunes. Not an overly exciting album, compared to the early Blue Cheer material, but none the less a period piece and better than most material that was being released in the early 70's.

Miembros:

Bruce Stephens (guitar, vocals)
Ralph Burns Kellogg (bass)
Gregg Thomas (drums)

Discografía:

Mint Tattoo - Mint Tattoo (1969)

Tool • biografía & discografía

2009-06-08T10:17:00.003-03:00

Biografía:

Tool es una banda estadounidense de rock y metal progresivo surgida en 1990 en Los Ángeles, California. Ha vendido más de trece millones de discos en todo el mundo y ha ganado tres premios Grammy hasta la fecha; ha encabezado giras y prestigiosos festivales y ha producido exitosos álbumes que alcanzaron grandes niveles de ventas gracias a su estatus de culto en el mundo de la música. Está formada por el batería Danny Carey, el guitarrista Adam Jones, el vocalista Maynard James Keenan y el bajista Justin Chancellor, que sustituyó a Paul D'Amour en 1995.

La banda nació tocando un heavy metal más áspero que el que practican actualmente, lo que se refleja en su primer disco, Undertow, en una época en la que dominaba el thrash metal y el rock alternativo. Posteriormente alcanzaron la cima del movimiento del metal alternativo con la publicación de Ænima en 1996. Sus esfuerzos para unificar la música, las artes visuales y mensajes de evolución personal continuaron con Lateralus (2001) y su álbum más reciente, 10,000 Days (2006), con lo que se ganaron los elogios de la crítica y el éxito en todo el mundo. Debido a la incorporación de las artes visuales y a la longitud y complejidad de sus canciones, la banda ha sido catalogada frecuentemente como un elemento transgresor del rock progresivo y del art rock. Su relación con la industria musical es ambivalente, marcada por el rechazo de sus miembros a la censura que han sufrido en repetidas ocasiones y su insistencia en la privacidad.

Miembros:

Danny Carey
Maynard James Keenan
Justin Chancellor
Adam Jones
Paul D'Amour

Discografía De Estudio:

Tool - Opiate (1992)
Tool - Undertow (1993)
Tool - Ænima (1996)
Tool - Lateralus (2001)
Tool - 10,000 Days (2006)

Joni Mitchell • biografía & discografía

2009-06-02T23:50:00.003-03:00

Biografía:

Joni Mitchell (nacida como Roberta Joan Anderson el 7 de noviembre de 1943, en Alberta) es una cantante y pintora canadiense. Comenzó su carrera musical en Toronto y en el oeste de Canadá, relacionándose posteriormente con la floreciente escena de folk de Nueva York de mediados de los sesenta. A lo largo de los años 70 amplió sus horizontes musicales, dirigiendo en especial su interés hacia el pop y el jazz, para convertirse en una de las cantantes y compositoras más respetadas de finales del siglo XX. Mitchell es también una exitosa artista plástica; las portadas de casi todos sus álbumes han sido creadas por ella misma. Insiste a menudo en que la pintura era su vocación original, autodescribiéndose como una "pintora descarrilada por las circunstancias".

Desde muy joven se interesó tanto por la pintura como por instrumentos musicales como el piano, la guitarra y el ukelele. El apellido Mitchell procede de su breve matrimonio con el cantante folk Chuck Mitchell, en 1965. Comenzó su carrera musical actuando en pubs y bares, y se hizo famosa por la calidad de sus letras y su innovador estilo con la guitarra. Personales y a veces conscientemente poéticas, sus canciones se vieron reforzadas por la calidad de su voz, extraordinariamente amplia en registros (con una amplitud de tono que cubre al mismo tiempo más de cuatro octavas), y por su estilo único de guitarra, que hace un uso frecuente de afinaciones alternativas. Ha sido fumadora desde los 9 años, lo que puede explicar por qué su voz es tan singular. Esto se ha hecho especialmente evidente en sus álbumes posteriores. Ella misma dice que ha sido adicta al cigarrillo desde que tomó su primera bocanada.

En la época en que abandonó su hogar en Saskatoon, Saskatchewan, perdió la virginidad y quedó embarazada. Al no ver otra alternativa, dio a su hija en adopción. Mitchell mantuvo esto en secreto durante la mayor parte de su exitosa carrera musical. Una noche, tocando en un club de Nueva York, un joven David Crosby presenció su actuación y quedó impresionado por su habilidad y sus dotes como artista, y decidió tomarla bajo su protección.

Los comienzos de su éxito se debieron en gran medida al hecho de que otros intérpretes versionaran sus temas: su canción "Urge for Going" fue un éxito en las interpretaciones del cantante country George Hamilton IV, del intérprete folk Tom Rush y, muchos años después, de la banda escocesa Travis. También la irlandesa Luka Bloom grabó la canción. La versión original de este tema, grabada por Joni Mitchell en 1967, no vio la luz hasta 1972, como cara B del single de 1972 "You Turn Me On I'm A Radio", y no fue editada en álbum hasta el recopilatorio "Hits", en 1996.

Otros intérpretes lograron éxitos con canciones de Joni Mitchell: Judy Collins, a principios de 1968, grabó "Both Sides Now" y el grupo de folk rock británico Fairport Convention incluyó "Chelsea Morning" y "I Don't Know Where I Stand" en su álbum de debut, grabado a finales de 1967, y "Eastern Rain" en su segundo álbum al años siguiente.

Las canciones de los primeros dos álbumes de Joni Michell, "Song To A Seagull" (de 1968, también conocido como "Joni Mitchell"), y "Clouds" (de 1969) eran arquetipos del movimiento de cantautores emergente en ese momento.

El tercer disco significó la madurez: "Ladies of the Canyon" (1970) es un disco imbuido del espíritu de la vida en California (el "cañón" del título del álbum hace referencia tal vez tanto a Topanga Canyon como a Laurel Canyon, en Los Ángeles), que contenía su primer gran éxito, "Big Yellow Taxi" y su recordada canción "Woodstock", acerca del festival (que luego sería un éxito en las voces de Crosby, Stills, Nash and Young). Mitchell escribió la canción luego de habérselo perdido y escuchar diversas historias glorificantes sobre éste. Ella había cancelado su aparición en el festival por consejo de su manager por miedo a perder una aparición en "The Dick Cavett Show". Desde entonces ha dicho que la decisión de cancelar el concierto ha sido uno de sus más grandes arrepentimientos. "For Free" es la primera de muchas de sus canciones que hablan sobre la dicotomía entre los beneficios de su estrellato y sus costos, tanto su presión como la pérdida de libertad y privacidad que representa.

El enfoque confesional de Mitchell se notó más en álbum Blue (1971), ampliamente considerado el mejor de este período. Explorando las múltiples facetas de las relaciones, desde el encaprichamiento (en "A Case of You") hasta la inseguridad (en "This Flight Tonight"), las canciones se caracterizaron por un uso creciente de piano y dulcimer apalache en "Carey", "California" y "All I Want". Otras canciones se basaban en el piano, y algunas exhibían ritmos asociados con el Rock and roll.

Su influencia más directa con el rock fue bastante fuerte en sus siguientes dos álbumes, grabados para su nueva discográfica Asylum. "For The Roses" (1972), cuya canción titular continuó con su exploración de la temática de "For Free", se vendió bien, gracias en parte al exitoso single "You Turn Me On, I'm A Radio", influenciado por la música country. Pero fue "Court And Spark" (de 1974), un híbrido de pop, rock y folk con toques de jazz, el que tuvo un mayor éxito, produciendo clásicos como "Free Man In Paris" (inspirada por las historias contadas por su productor y amigo David Geffen), "Car On A Hill", y en especial "Help Me", que sigue siendo su single más vendido (y que llegó a los primeros 10 puestos).

Court and Spark también fue notable por los primeros ecos de la influencia de jazz en la obra de Mitchell, y quizás por el éxito comercial de ese álbum, y del siguiente álbum en vivo "Miles of Aisles", (en el que fue acompañada por el conjunto de pop-jazz de los 70s LA Express), ella pasaría el resto de la década creando música con elementos de jazz.

El primero de esos álbumes, The Hissing of Summer Lawns (1975), marcó un cambio en cuanto a las letras, en el que su estilo confesional fue reemplazado por una serie de viñetas, desde bailarines de clubes nocturnos ("Edith and the Kingpin") a las mujeres con maridos ricos aburridas ("The Hissing of Summer Lawns" y "Harry's House/Centerpiece"). El álbum fue diverso estilísticamente, con complejas harmonías vocales junto a percusión africana (los Tambores de Burundi inventados por la fundación "The Jungle Line"). Aunque muchos fans y otros artistas consideran a Hissing como su obra favorita de Mitchell, no fue muy bien recibido cuando fue lanzado. Rumores dicen que la revista Rolling Stone lo declaró "The Worst Album of The Year" (el "Peor Álbum del Año"); pero en realidad solo fue denominado el peor "título" para un álbum [1]. Mitchell y la revista Rolling Stone no tuvieron una buena relación desde que, unos años antes, la revista publicase un "árbol" que ilustraba todos los supuestos amantes de Mitchell, principalmente compuesto por otros músicos.

Duntante el año 1975, Mitchell también participó en muchos conciertos en las giras Rolling Thunder Revue, y en 1976, actuó para "The Last Waltz" de The Band.

Hejira (1976) continuó la tendencia de Mitchell con el jazz, con varias canciones lideradas por el Bajo fretless, (es decir, sin traste) de Jaco Pastorius (músico de jazz). Sin embargo, las canciones en sí presentaban letras densamente metafóricas y melodías vocales complejas que contrastaban y proveían contrapunto a los ritmos de jazz de los arreglos. Además, este álbum resaltó como nunca antes por la inusual afinación "abierta" de la guitarra de Mitchell.

Don Juan's Reckless Daughter (1977) fue un álbum que se alejaba más del pop para adentrarse en la libertad y abstracción del jazz, un renombrado doble álbum por la larga parte improvisada "Paprika Plains". El álbum recibió diferentes críticas: algunos disfrutaban su originalidad y experimentación, que al mismo tiempo no era de ser esperado por muchas de las estrellas y celebridades que había en el ámbito de la música de aquel entonces. Otros argumentaron que este estilo de música ya se había implementado para este tiempo, citando el hecho de que numerosas bandas de jam ya tocaban para estudiantes colegiales en un estilo similar y frecuentes veces con un similar grado de convicción. La tapa del álbum creó su propia controversia; Mitchell figuraba en muchas fotografías de la portada, incluyendo una en la que ella disfrazada como un hombre negro.

El siguiente trabajo de Mitchell tuvo la colaboración del bajista Charles Mingus, que murió antes que el proyecto terminase en 1979. Mitchell terminó las canciones con un banda que incluía a Pastorius, Wayne Shorter y Herbie Hancock. Mingus fue mal recibido; las audiencias de rock no fueron receptivas, y los puristas del jazz no estaban convencidos. Sin embargo, la apreciación por este trabajo fue creciendo considerablemente al pasar los años.

Los años 1980 tuvieron la menor cantidad de álbumes editados por Mitchell desde los inicios de su carrera: sólo aparecieron tres álbumes con material nuevo, y ninguno causó una gran impresión. Wild Things Run Fast (de 1982) fue un intento de volver a escribir canciones pop, e incluía la canción "Chinese Cafe/Unchained Melody" que incorporó el estribillo y partes de la melodía del éxito de los Righteous Brothers, y "(You're So Square) Baby I Don't Care". Fue claramente influenciado por el matrimonio de Mitchell con el productor Larry Klein - Mitchell se refirió en muchas entrevistas a estas canciones como canciones "amo a Larry". Aunque sólido compositivamente, fue lanzado en una época en que estaba de moda la música más oscura y con múltiples capas de los movimientos New Wave y New Romantic.

El productor e intérprete británico de synth pop Thomas Dolby, trabajó con ella en Dog Eat Dog (1985), pero los arreglos de sintetizador y de caja de ritmos, junto a las letras más estridentes y enojadas de Mitchell, pasaron de moda más rápidamente que sus primeras obras.

En Chalk Mark in a Rainstorm (1988) Mitchell colaboró con talentos que incluían a Willie Nelson, Billy Idol, Wendy and Lisa, Tom Petty y Don Henley. Las canciones abarcaban diversos géneros, incluyendo un dueto con Peter Gabriel en "My Secret Place" que recordaban el material "clásico" de Mitchell. Aunque había algunas transiciones discordantes de géneros ("Dancing Clown" y "Cool Water"), los sonidos sintetizados de varias capas de "My Secret Place", "Beat of Black Wings" y "Tea Leaf Prophecy" fueron una mejor unión de la voz de Mitchell con la electrónica.

Tras el lanzamiento de Chalk Mark in a Rainstorm, Mitchell participó en The Wall Live in Berlin, el show de Roger Waters' de The Wall en Berlín.

Discografía:

Joni Mitchell - Song to a Seagull (1968)
Joni Mitchell - Clouds (1969)
Joni Mitchell - Ladies of the Canyon (1970)
Joni Mitchell - Blue (1971)
Joni Mitchell - For the Roses (1972)
Joni Mitchell - Court and Spark (1974)
Joni Mitchell - Miles of Aisles (en vivo) (1974)
Joni Mitchell - The Hissing of Summer Lawns (1975)
Joni Mitchell - Hejira (1976)
Joni Mitchell - Don Juan's Reckless Daughter (1977)
Joni Mitchell - Mingus (1979)
Joni Mitchell - Shadows and Light (en vivo) (1980)
Joni Mitchell - Wild Things Run Fast (1982)
Joni Mitchell - Dog Eat Dog (1985)
Joni Mitchell - Chalk Mark in a Rainstorm (1988)
Joni Mitchell - Night Ride Home (1991)
Joni Mitchell - Turbulent Indigo (1994)
Joni Mitchell - Taming the Tiger (1998)
Joni Mitchell - Both Sides Now (2000)
Joni Mitchell - Travelogue (2002)
Joni Mitchell - Shine (2007)

U-Men • biografía & discografía

2009-06-02T23:28:00.004-03:00

Biografía:

The U-Men were a Seattle-based post-punk band active in the early to late 1980s. They toured extensively across America and even had a song by the Butthole Surfers named in their honor. Their musically "dirty" sound was a forerunner for the later grunge bands to come out of Seattle.

Fronted by the enigmatic vocalist John Bigley, the U-Men (whose members also included Tom Price, Charlie "Chaz" Ryan, Robin Buchan, Jim Tillman, Tom Hazelmyer and later Tony "Tone Deaf" Ransom) pioneered their own unique brand of alternative rock which could best be described as "swamp-o'-billy". Together with Northwest contemporaries Girl Trouble (a force of garage "hipness" in their own right), the U-Men emerged to fill the void left some 16 years previous with the disappearance of Northwest garage rock legends The Sonics, The Wailers, and The Ventures. They updated this traditional Northwest sound with more modern punk rock and post-punk influences most notably The Cramps and Nick Cave's original group The Birthday Party.

Largely through word of mouth, rumor, showmanship and the occasional alcohol inspired dust up, the U-Men quickly acquired a dedicated cult following and well deserved reputation for mayhem, both on and off the stage. Perhaps their most legendary antic was when Bigley set the front of the Seattle Center Mural Amphitheater stage on fire during a Bumbershoot festival performance, and the band played on.

The U-Men were managed at different times by Susan Silver (who later went on to marry Chris Cornell and manage Soundgarden, Screaming Trees and Alice in Chains), Bruce Pavitt (co-owner of Bombshelter Records, pre-dating his Sub Pop Records foray into vinyl), and Seattle's legendary punk art gallery tastemaker, Larry Reid.

Through it all, the U-Men managed to survive largely intact (the exception being bass players) until early 1989 when the core of the group (John, Charlie, and Tom) decided that the experiment had run its course.

Tom Price moved on to form Gas Huffer, and also play in supergroup The Monkeywrench, while John and Charlie would co-found The Crows. Jim Tillman, whose work with the band included the self-titled e.p. "The U-Men" (1984), the indie classic "Stop Spinning" (1985), and the "Deep Six" compilation (1986) track "They" resurfaced to play bass for various other local bands most notably Love Battery. Tom Hazelmyer who had briefly considered the idea of relocating to Seattle join the band in Tillman's absence, chose instead to remain in his hometown of Minneapolis (performing live just once with the band when they opened for Big Black at the Showbox Theater in March of 1987) to promote his record company (Amphetamine Reptile Records) and band, Halo of Flies. The last member of the group, 19 year old Tony "Tone Deaf" Ransom, who in his short stint with the band managed to appear on the single "Freezebomb"/"That's Wild About Jack" (1987), the album "Step On A Bug" (1988), and the "Dope,Guns,and Fucking In The Streets Vol. 1" compilation track "Bad Little Woman" (1988), would disappear from the local music scene entirely, relocating to (as speculation would have it) Anchorage, Alaska.

Miembros:

John Bigley - vocals
Tom Price - guitar
Robin Buchan - bass (1981-1982)
Charlie Ryan - drums
Jim Tillman - bass (1982-1986)
Tom Hazelmyer - bass (1987)
Tony Ransom - bass (July 1987-1989)

Discografía:

U-Men - Stop Spinning EP (1985)
U-Men - Step On A Bug (1988)
U-Men - Solid Action (Compilación) (2000)

The Offspring • biografía & discografía

2009-06-01T00:03:00.001-03:00

Biografía:

The Offspring es una banda de punk rock estadounidense, formada en Orange County, California, en 1984. Actualmente está integrada por Dexter Holland, Noodles, Greg K y Pete Parada.

La banda ha sido una de las más influyentes en el resurgir del punk rock, abanderando la escena californiana de dichos géneros junto a Green Day, Blink-182, Rancid y NOFX a comienzos y mediados de los 90. Han vendido alrededor de 46 millones de copias en todo el mundo a lo largo de toda su discografía,[6] de los cuales 14´5 millones son solamente copias despachadas en los Estados Unidos, cuya cúspide comercial y artística la lograron con el aclamado Smash de 1994 (fundamental, junto a Dookie de Green Day, en la revolución anteriormente mencionada), el álbum bajo sello independiente más vendido de la historia, 16 millones de copias.

Después de Smash tuvo una gran aceptación Ixnay On The Hombre, en 1997, y sobretodo, Americana, en el 98, que alcanzó las 13 millones de copias en todo el mundo, a pesar de ello, recibió criticas de ser un disco demasiado comercial, a éste, le siguieron Conspiracy Of One (2000) y Splinter (2003), que siguieron la línea comercial de Americana, pero no alcanzaron el mismo número de ventas ni la aceptación suficiente.

En 2005 grabaron Greatest Hits, un CD de los grandes éxitos del grupo, y también el Complete Music Video Collection, que incluía toda su videografía.

El 16 de junio del año 2008 salió a la venta Rise and Fall, Rage and Grace, su último disco de estudio hasta el momento, que ha recibido una buena aceptación por parte de los seguidores de la banda.

Los dos primeros discos de estudio del grupo (The Offspring e Ignition) no tuvieron repercusión internacional, a pesar de ello, Ignition es considerado por los seguidores cómo uno de los mejores trabajos de la banda.

Miembros:

Dexter Holland
Noodles
Greg K.
Pete Parada
Ron Welty
Atom Willard
James Lilja
Jim Benton
Doug Thompson

Discografía De Estudio:

The Offspring - The Offspring (1989)
The Offspring - Ignition (1992)
The Offspring - Smash (1994)
The Offspring - Ixnay On The Hombre (1997)
The Offspring - Americana (1998)
The Offspring - Conspiracy of One (2000)
The Offspring - Splinter (2003)
The Offspring - Rise And Fall, Rage And Grace (2008)

Cat Stevens • biografía & discografía

2009-05-30T17:58:00.005-03:00

Biografía:

Yusuf Islam (nacido Steven Demetre Georgiou en Londres, el 21 de julio de 1948) es un músico británico más conocido por su antiguo nombre artístico, Cat Stevens.

Hijo de madre sueca y de padre greco-chipriota. Cuando tenía 8 años, sus padres se separaron pero siguieron conviviendo como familia en la misma casa. Habitaban el piso superior del restaurante de su propiedad, donde todos trabajaban.

Su primer instrumento musical fue el gran piano que había en la casa. No sólo por parte de padre y madre asimiló diferentes culturas en su infancia, sino que su casa estaba además abierta a diferentes amigos y familiares. Musicalmente es el heredero de una formación clásica pero también del amor por lo popular y por las danzas y canciones folclóricas griegas que escuchaba su padre. Su nombre "Cat Stevens" surgió porque su novia decía que tenía ojos de gato pero por lo general logró hacer su primer álbum gracias a su hermano, que un día gritó a toda una calle que su hermano tenía gran talento y así lograron su primer contrato en EMI Music.

A los 15 años descubrió que quería ser un músico y poco después que, además, quería ser una estrella pop-rock.

Con el nombre artístico Cat Stevens, vendió millones de discos especialmente en los años 1960 y 1970.

Después de una experiencia cercana a la muerte decidió convertirse al islam y abandonar la música alrededor de 1978. Es entonces cuando adoptó el nombre Yusuf Islam.

Muchas de las canciones más famosas de Cat Stevens fueron publicadas en los años previos a su conversión al islam y él es cuidadoso respecto a sus derechos. Por ejemplo no ha permitido que sus canciones se usen en anuncios comerciales.

En 1989, fue muy criticado cuando apoyó la fatwa del Ayatollah Ruhollah Jomeini contra Salman Rushdie, debido a la supuesta blasfemia cometida por el autor anglo-hindú en su novela "Los versos satánicos". Más tarde se descubrió que había sido cogido por sorpresa y que los medios desnaturalizaron el sentido de sus palabras. Un poco después hizo un comunicado donde dejaba muy claro que, aunque detestaba el contenido del libro, no estaba de acuerdo con la "fatwa".

Una vez convertido al Islam decidió dejar la música, pues consideraba que el "bussines" que la rodea interfería en los nuevos conocimientos que deseaba adquirir. Su amor por los niños le llevó a fundar dos escuelas y una universidad, los alumnos de las cuales son reputados en todo el Reino Unido. Gran parte de su fortuna la ha dedicado a ayudar a las víctimas de las guerras y desastres naturales (Bosnia, Iraq, Darfur, Tsunami, Gaza).

Le fue otorgado el premio "Hombre por la Paz" a sugerencia de Mijail Gorbachov.

Sin embargo Yusuf no ha dejado de cantar y grabar canciones de una gran belleza desde que dejó el mundo de la música. Se trata de canciones religiosas llamadas "anachid" cuya belleza sorprenderá a más de uno.

Participó en el concierto dado en conmemoración de la liberación de Nelson Mandela junto con otros artistas en Sudáfrica.

En 2006 volvió al "pop" pues como dice él: "soy un espejo donde los musulmanes se miran para ver el mundo occidental y donde mis compatriotas se miran para ver el Islam". En 2006 grabó "An other cup", compendio de canciones pop donde se puede encontrar una visión mística de la vida, siempre en "El camino de la Paz", pues Yusuf es un hombre de paz.

Actualmente sigue participando en conciertos junto con otros artistas con el fin de recaudar fondos para ayuda humanitaria.

Su pensamiento es el de un Islam abierto a toda la humanidad, intentando demostrar que el mensaje del Islam ha sido manipulado por unos y por otros hasta el punto de convertirlo en algo irreconocible. Considera que la mejor forma de seguir a Moisés o a Jesús es seguir a Mahoma, el último Mensajero que ratifica y actualiza los mensajes anteriores.

Discografía De Estudio:

Cat Stevens - Matthew And Son (1967)
Cat Stevens - New Masters (1967)
Cat Stevens - Mona Bone Jakon (1970)
Cat Stevens - Tea For The Tillerman (1970)
Cat Stevens - The World Of Cat Stevens ( 1970)
Cat Stevens - Teaser And The Firecat (1971)
Cat Stevens - Very Young And Early Songs (1972)
Cat Stevens - Catch Bull At Four (1972)
Cat Stevens - Foreigner (1973)
Cat Stevens - Buddha And The Chocolate Box (1974)
Cat Stevens - Saturnight (1974)
Cat Stevens - Greatest Hits (1975)
Cat Stevens - Numbers (1975)
Cat Stevens - Izitso (1977)
Cat Stevens - Back To Earth (1978)
Cat Stevens - Footsteps In The Dark: Greatest Hits, Vol. 2 (1984)
Cat Stevens - The Very Best Of Cat Stevens (1990)
Cat Stevens - The Life Of The Last Prophet (1995)
Cat Stevens - Prayers Of The Last Prophet (1999)
Cat Stevens - Remember: The Ultimate Collection (1999)
Cat Stevens - The Very Best Of Cat Stevens (2000)
Cat Stevens - A Is For Allah (Mayo 2000)
Cat Stevens - Box Set (2001)
Cat Stevens - I Look, I See (2003)
Cat Stevens - The Very Best Of Cat Stevens (2003)
Cat Stevens - Night Of Remembrance: Live At The Royal Alber Hall (2004)
Cat Stevens - Majikat: Earth Tour 1976 (2004)
Cat Stevens - Gold (2005)
Cat Stevens - An Other Cup (2006)
Cat Stevens - 20th Century Masters: Millennium Collection (2007)
Cat Stevens - Roadsinger (2009)

Letras de Cat Stevens

Nick Drake • biografía & discografía

2009-05-29T11:52:00.001-03:00

Biografía:

Nicholas Rodney Drake (19 de junio de 1948 - 25 de noviembre de 1974), más conocido como Nick Drake, fue un cantautor y músico inglés, nacido en Birmania, conocido por sus canciones acústicas y otoñales. A pesar de que tuvo poco éxito comercial durante su vida, su trabajo es muy apreciado en la actualidad por los críticos y por otros músicos.

El instrumento principal de Drake era la guitarra, pero también sabía tocar el piano, el clarinete y el saxofón. Drake firmó un contrato con Island Records cuando tenía 20 años, y durante 1969 editó su primer álbum, Five Leaves Left. Antes de su muerte, Drake editó otros dos LPs, aunque inicialmente ninguno vendió una cantidad significativa de copias, en parte debido a que Drake rehusaba realizar presentaciones en vivo y ser entrevistado. Drake luchó contra la depresión y el insomnio durante su vida, lo cual se reflejó en sus letras. Tras completar su tercer álbum, Pink Moon (editado en 1972), dejó de tocar y grabar y se fue a vivir a casa de sus padres en Warwickshire.

Drake creció en la pequeña ciudad inglesa de Tanworth-in-Arden, cercana a Birmingham. Fue a la escuela pública de Marlborough, y después a la universidad de Cambridge, donde inició sus estudios de Literatura Inglesa. Nueve meses antes de terminarlos, abandonó los estudios para lanzarse a su carrera musical. Murió el 25 de noviembre de 1974 a los 26 años, como resultado de una sobredosis de antidepresivos, que tomaba para poder dormir. Se ha especulado ampliamente sobre si su muerte fue accidental o suicidio. Lo cierto es que Nick pasó los últimos años de su vida sumido en una honda depresión, llegando a ser hospitalizado.

Si bien Drake no recibió reconocimiento durante su vida por su obra, en la actualidad es considerado un artista de culto, y ha influido a artistas como Badly Drawn Boy, Robert Smith (de The Cure), Peter Buck (de R.E.M.), Kate Bush, Paul Weller y The Black Crowes. En 1985 The Dream Academy llegó a las listas británicas y estadounidenses con "Life in a Northern Town", una canción sobre Drake y dedicada a el. La primera biografía sobre su vida fue escrita en 1997 y al año siguiente se editó un documental llamado A Stranger Amongst Us. En el año 2000 Volkswagen usó su canción "Pink Moon" en una publicidad televisiva, y en un mes se vendieron más álbumes de Nick Drake que en los treinta años anteriores.

Discografía De Estudio:

Nick Drake - Five Leaves Left (1969)
Nick Drake - Bryter Layter (1970)
Nick Drake - Pink Moon (1972)

Moby Grape • biografía & discografía

2009-05-27T16:36:00.005-03:00

Biografía:

Surgida a mediados de la década de los sesenta, esta extraordinaria formación de San Francisco no obtuvo la fortuna merecida en su tiempo a pesar de sus cualidades y de la intensiva promoción de su sello discográfico.

Una causa fundamental fueron los problemas internos que terminaron con la desaparición del grupo poco años después de su creación.

Los Moby Grape estaban formados por el guitarrista canadiense Skip Spence (nacido el 18 de abril de 1946 en Ontario), antiguo batería del grupo Jefferson Airplane; el guitarrista ex The Cornells Peter Lewis (nacido el 15 de junio de 1945 en Los Ángeles), los antiguos miembros de The Frantics, el guitarrista Jerry Miller (nacido el 10 de julio de 1943 en Tacoma) y el batería Don Stevenson (nacido el 15 de octubre de 1942 en Seattle), y completando la formación se encontraba el bajista Bob Mosley (nacido el 4 de diciembre de 1942 en Paradise Valley).

Grandes instrumentistas y vocalistas, todos poseían talento compositivo exhibido en su fenomenal álbum debut, "Moby Grape" (1967), imprescindible disco de base psicodélica con trazos pop, rock, country y folk.
Este LP fue publicado en Columbia gracias al contrato firmado por su mánager Matthew Katz.

El éxito artístico de su debut no tuvo la debida continuación debido al incremento de las tensiones derivadas de los egos de sus componentes y las trifulcas con el entrometido Katz.
Además, tuvieron numerosos problemas legales de tipo sexual cuando varios de sus miembros fueron encontrados con groupies menores de edad.

En 1968 editaron el segundo trabajo de la banda al que denominaron "Wow", un álbum de menor entidad que su debut que venía acompañado por "Grape Jam", un flojo y aburrido disco de jams. A pesar de no proporcionar los mejores momentos del grupo, el apoyo publicitario de la Columbia estimuló la recogida de notables resultados comerciales.

Tras este álbum, Skip Spence, que estaba inmerso en problemas mentales derivados del alto consumo de drogas, abandonó a los Moby Grape para intentarlo en solitario (Oar).

Los problemas entre componentes se pusieron bien de manifiesto cuando Spence, en plena grabación, quiso atacar al batería Don Stevenson con un hacha.

Los cuatro miembros que permanecieron en la banda publicaron un tercer disco titulado "Moby Grape 69" (1969), estimable trabajo que contenía un excelente tema del fugado Spence, "Seeing".

Después de una gira europea, Moby Grape perdió a un nuevo componente, el bajista Bob Mosley, quien decidió cambiar de vida y unirse a los marines.
Miller, Lewis y Stevenson prosiguieron grabando un nuevo álbum que titularon "Truly Fine Citizen" (1969). Este disco se grabó en muy breve tiempo para así cumplir el contrato firmado con Columbia que pactaba la publicación de cuatro discos. Poco después de la grabación se separaron.

Con el paso de los años el grupo conoció diversas reuniones pero imposibilitados por Matthew Katz en la utilización del nombre de Moby Grape (ya que Katz conservaba los derechos del mismo) se hacían llamar Maby Grape o The Grape, entre otros muchos apelativos.

En 1971, la reunión del quinteto original dio como fruto "20 Granite Creek" (1971), un interesante disco producido por David Rubinson.

Moby Grape continuaron apareciendo y desapareciendo, convertidos con el paso de los años en un grupo de culto y actuando en vivo en pequeños locales.
Alexander 'Skip' Spence falleció el 16 de abril de 1999 por problemas derivados de su salud mental. A Bob Mosley, por su parte, se le diagnosticó esquizofrenia.

Miembros:

Peter Lewis
Jerry Miller
Bob Mosley
Skip Spence
Don Stevenson

Discografía:

Moby Grape - Moby Grape (1967)
Moby Grape - Wow (1968)
Moby Grape - Grape Jam (1968)
Moby Grape - Wow/Grape Jam (1968)
Moby Grape - Moby Grape '69 (1969)
Moby Grape - Truly Fine Citizen (1969)
Moby Grape - 20 Granite Creek (1971)
Moby Grape - Omaha (1971)
Moby Grape - Great Grape (1973)
Moby Grape - Fine Wine (1976)
Moby Grape - Live Grape (1978)
Moby Grape - Moby Grape '84 (1984)
Moby Grape - Legendary Grape (1989)
Moby Grape - Vintage: The Very Best Of Moby Grape (1993)
Moby Grape - Legendary Grape (2003)
Moby Grape - Cross Talk: The Best of Moby Grape (2004)
Moby Grape - Listen My Friends! The Best of Moby Grape (2007)

Magma • biografía & discografía

2009-05-27T01:52:00.004-03:00

Biografía:

Magma es un grupo musical francés difícilmente clasificable. Normalmente es considerado como creador del movimiento "Zeuhl", aunque ocasionalmente también se le incluye dentro de la corriente Rock In Opposition (RIO). Fue fundado en 1969 por el compositor, batería y cantante Christian Vander, actualmente el grupo sigue en activo.

Historia

Christian Vander funda el grupo dos años tras la muerte de John Coltrane por el que siente una profunda admiración. Considerando que era imposible tocar jazz tras su muerte, Vander inventa su propio estilo musical: el Zeuhl, que está muy influenciado por la música contemporánea: mayoritariamente Igor Stravinsky, el jazz, y el rock de vanguardia: Soft Machine, Frank Zappa,... El Zeuhl (témino proveniente del Kobaïen, lengua neologísta en la que significa "celestial") es la búsqueda jamás alcanzada de la perfección en que se basa Magma. Esta música está siempre en perpetuo desarrollo, en perpetuo movimiento, siempre viva y vibrante. Un número considerable de discos en estudio se han producido en sus ya casi 40 años de carrera, siempre bajo la sombra conductora de Christian Vander. El grupo conocerá una carrera variable en cuanto a estructura, sin embargo hay un punto transversal en su historia, la gran capacidad de reinvención que tiene Magma, su estilo y los grupos que polulan a su alrededor (Offering, Christian Vander Trio, Christian Vander Quartet, Stella, Weidorje, Paga, etc) La característica de Magma es el ser un grupo conceptual. Sus discos están cantados en Kobaïen una lengua neologista que evoca contenidos inconscientes en el oyente. Asimismo, su trabajo se divide en Obras Maestras, de las cuales actualmente conocemos 3:

KOBAÏA: Incluída en los 2 primeros discos de Magma (1º movimiento: La decouverté de Kobaïa, 2º movimiento: Le voyage, 3º movimiento: 1001º centigrades).

THEUSZ HAMTAAHK: Su orden de aparición fue entre 1972 y 1974, en el año 2000 en la celebración del 30º aniversario, se graba la Trilogía completa. (1º movimiento: Theusz Hamtaahk, 2º movimiento: Wurdah Itah, 3º movimiento: Mekanïk Destruktïw Kommandöh).

EMEHNTEHT-RE: Su aparición fue entre los año 1975 y 1980, se dice que el 3º movimiento será el nuevo disco en estudio de Magma para el 2008 o 2009, ya que los otros 2, ya están editados. (1º movimiento: Kohntarkosz Anteria, 2º movimiento: Kohntarkosz, 3º movimiento: Emehnteht-Re)

Así MAGMA es más que un grupo musical un colectivo de arte, donde mucha gente ha pasado, formando parte de un proyecto, entregando lo mejor de sí en el momento adecuado.

Magma fue la cuna de numerosos talentos musicales. Por ejemplo: Didier Lockwood, Claude Engel, Jannick Top, Bernard Paganotti, François Cahen, Teddy Lasry, Klaus Blasquiz, Benoît Widemann, Jean Pierre Fouquey, Dominique Bertram y Guy Delacroix

Estilo

La música de Magma es a veces sombría y otros momentos, luminosa; rítmica, poderosa y rápidamente cambiante. La influencia de un compositor como Stravinksy y los jazzistas como John Coltrane o Albert Ayler acerca a Magma a bandas como Soft Machine o "Mothers of Invention" de Frank Zappa. De esto resulta una mezcla vanguardista a base de rock, jazz y música contemporánea. La música de Magma creó una corriente musical, el "Zeuhl", a la cual pertenecen grupos como Weidorje, Paga, Eros, Eskaton, Ruins, Edier Stellaire, Xalph... Y todos los demás grupos donde participa Christian Vander, incluyendo sus abordajes como solista: Offering, Alien Quintet, Christian Vander Trio, Christian Vander Quartet, Fusion, etc.

Miembros:

Francis Moze
Jannick Top
Klaus Blasquiz
Didier Lockwood
Bernard Paganotti
Benoît Widemann
Teddy Lasry
Himiko Paganotti
Antoine Paganotti
Emmanuel Borghi
Christian Vander
Stella Vander
Isabelle Feuillebois
James MacGaw
Frédéric d'Oelsnitz
Philippe Bussonnet

Discografía De Estudio:

1970: Magma (reissued as Kobaïa)
1971: 1001° Centigrades
1973: Mekanïk Destruktïw Kommandöh
1974: Ẁurdah Ïtah
1974: Köhntarkösz
1976: Üdü Wüdü
1978: Attahk
1984: Merci
2004: K.A. (Kohntarkosz Anteria)

The Left Banke • biografía & discografía

2009-05-24T21:39:00.004-03:00

Biografía:

Banda neoyorquina que con el paso del tiempo ha terminado convirtiéndose en un grupo de culto para los amantes de la música de los años 60 gracias a su Lp "Pretty Ballerina/Walk away Renee", una obra maestra de pop barroco a la altura de los mejores trabajos de grupos de la época como Beatles, Love o Zombies.
The Left Banke es basicamente un proyecto del teclista Michael Brown (Lookofsky), un prodigioso compositor de bellas melodías pop nacido el 25 de abril de 1949 en la ciudad de Nueva York.

Su pade era Harry Lookofsky, un veterano músico y productor que poseía su propio estudio de grabación.
Sería en ese recinto en donde el joven Michael se aficionaría a las técnicas y experimentación sonoras. Al mismo tiempo se convirtió en un excelente pianista ocupando en su adolescencia ese puesto en grupos como Reparata & The Delrons o Christopher & The Chaps.
Tras el fracaso de un par de sencillos, Brown y su padre Harry, que actuaba como productor, arreglista y manager de las bandas de su hijo formarían The Left Banke.

Para ello reclutaron al batería George Cameron (ex The Morticians), al bajista Tom Finn (ex The Castels), al guitarrista Jeff Winfield y al fabuloso cantante Steve Martin, pieza clave también en el sonido del grupo.
Con esta formación publicarían el sencillo "Walk away Renée" (la cara b sería "I haven't got the nerve"), que Michael Brown dedicó a la novia de Tom Finn, Renée Fladen, de la que estaba secretamente enamorado.

Esta extraordinaria canción consiguió un gran éxito logrando alcanzar el puesto número 5 en listas americanas. Menos fortuna tuvo su también magistral segundo sencillo, la bellísima melodía "Pretty ballerina" (con la cara b "Lazy day") que llegaría a un estimable número 15.
Aunque quienes daban la cara en la portada del que sería su primer y ya mítico disco grande "Walk away Renee/Pretty Ballerina" (1967) eran los cinco integrantes oficiales, muchos músicos de sesión sin acreditar participaron acompañado al quinteto en las sesiones dirigidas por el padre de Brown, quien se encargó junto a su genial hijo de la producción y los arreglos. En medio de la grabación, Rick Brand sustituyó en las seis cuerdas a Jeff Winfield.

El álbum (número 67 en listas) es una maravilla pop con sublimes momentos armónicos y melódicos arropados por una deslumbrante ornamentación barroca dominada por los teclados de su líder.
Además de los sencillos citados (ciertamente soberbios), destacan joyas atemporales como "She may call you up tonight", "I've got something on my mind", "Let go of you girl" o "Shadows breaking over my head", que demuestran el excepcional talento para la escritura de Michael Brown y la fascinante vocalidad de Martin.

Lo que podría ser una de las mejores carreras de la historia del pop-rock americano se quebró al anunciar Brown su retirada de la banda para dedicarse exclusivamente a la producción y a la composición.
Esta decisión provocó una disputa legal por el nombre de The Left Banke, ya que los otros componentes, que habían incorporado al teclista Emmett Lake, deseaban proseguir con el nombre al igual que Brown y su padre Harry, quienes con varios músicos de sesión publicaron un single llamado "Ivy Ivy", otro magnífico tema que fracasó completamente en las tiendas de discos, principalmente debido a que sus ex compañeros de grupo presionaron a las emisoras radiofonicas para que no promocionaran la canción.
Poco después Left Banke limaron asperezas y se reunieron de nuevo para publicar el sencillo "Desiree", que no consiguió los logros en ventas de sus dos primeros 45 rpm.

En vísperas de la presentación de su segundo Lp titulado "The Left Banke too" (1968), inferior a su debut pero aun así un muy buen disco que había incorporado al guitarra Tom Feher y en el cual todavía se incluían algunos temas escritos por Brown, este abandonó de nuevo el grupo.
Los resultados en ventas de su segundo Lp (con el dominio compositivo de Feher y Finn) fueron mediocres, lo que provocó la ruptura de la formación en 1969.

En los años siguientes Michael Brown formaría parte de proyectos musicales como Montage, Stories o The Beckies.
Los demás componentes volvieron a reunirse e incluso grabaron un Lp titulado "Strangers on a train" (1978).

Miembros:

Michael Brown
Steve Martin Caro
Tom Finn
George Cameron
Jeff Winfield
Rick Brand

Discografía De Estudio:

The Left Banke - Walk Away Renée/Pretty Ballerina (1967)
The Left Banke - The Left Banke Too (1969)
The Left Banke - Strangers on a Train (1986)
The Left Banke - History of The Left Banke (1985)
The Left Banke - There's Gonna Be A Storm (1992)

Andrés Calamaro • biografía & discografía

2009-05-22T11:50:00.010-03:00

Biografía:

Andrés Calamaro Masel (Buenos Aires, 22 de agosto de 1961) es un músico, compositor, intérprete y productor argentino. Es considerado uno de los más grandes artistas del rock de Iberoamérica. Durante toda su carrera ha pertenecido a bandas de gran importancia como Los Abuelos de la Nada y Los Rodríguez. Artísta prolífico que ha compuesto varias de las canciones más importantes del rock en español.

Comienzos

Cuando Calamaro cumplió 8 años pidió de regalo un Bandoneón (parecido al acordeón), y más tarde un tambor, después de golpear los parches en casa de unos vecinos en el casco antiguo de Buenos Aires en el barrio antiguo de Once. A los 10 años, componía su primera canción "La chica del paraguas" y a los 13 y ya pasado el tiempo, se fue volcando a la guitarra eléctrica y al piano, el instrumento donde muestra mayor fluidez y versatilidad después de aprender a tocarlo junto a su maestro Oswaldo Calo.

Años después, pescando tiburones en Uruguay, Calamaro escuchó su primera oferta de trabajo, un grupo musical, que ya en sus horas bajas necesitaba un reemplazo en los teclados, y fue entonces cuando Calamaro salió a las carreteras por primera vez. Tejió su futuro propio, y fue a una audición para entrar en el grupo Raíces, al que fue recomendado por el mismo Sergio Makaroff, y entre los gritos del Mundial de fútbol, los tambores del candombé y luego de incluso haber actuado en un corto cinematográfico, dio sus primeros pasos en el Latin Jazz y fue detenido por la policía de la dictadura. Calamaro debutó oficialmente como músico con el disco de éste grupo: B.O.V. Dombe en el año de 1978, junto a ellos adquirió experiencia en vivo y una sencilla pero importante presencia en la escena rockera de aquellos tiempos, donde conseguiría relacionarse con personajes influyentes con los que compartiría éxito y talento posteriormente.

Durante su juventud y habiendo tenido ya experiencia como tecladista, cursó durante poco tiempo su carrera en Derecho para finalmente dedicarse de lleno a la música. Probó suerte con la "Chorizo Colorado Blues Band" que formó con su amigo Augusto "Gringui" Herrera siguiendo después con una agrupación que seguía la linea de The Platters, inclinado un poco por el rock, para así definirse de nuevo junto a Gringui en lo que sería su proyecto "Elmer's Band" al que se sumaba Eduardo Cano (Posterior Bajista de Los Twist).

Tocó como músico de sesión para artistas muy variados como los hermanos Makaroff y Julián Petrina, perteneció a la banda progresiva llamada "Trigénimo" e hizo presencia incluso con integrantes de una secta religiosa, y allá donde pudiera sentarse a hacer sonar un teclado. Poco a poco, el joven Andrés se formó íntegramente en un ámbito social muy artístico y fue estructurando su gran personalidad y apertura musical. Héctor Zeta Bosio lo invitó a unirse a una banda local llamada The Morgan, que se transformó posteriormente en Proyecto Erekto cuando se sumó a ellos Gustavo Cerati y que, finalmente, se convertiría tiempo después en lo que se conocería como Soda Stereo, ya sin la presencia de Calamaro, en pleno inicio de la década de los ochenta.

Sin embargo, y gracias a la ayuda de su amigo Alejandro Lerner y de Pipo Lernoud, quienes lo recomendaron como teclista, en los primeros meses del año 1981, Calamaro recibió la llamada que cambiaría su destino: era Miguel Abuelo recién llegado de la isla de Ibiza.

Abuelos De La Nada y Carrera Solista

Con Miguel Abuelo, se formaría la nueva alineación de Los Abuelos de la Nada, en la cual encontró su lugar, tan deseado, en el olimpo criollo del rock argentino; eran los primeros años ochenta. Los Abuelos era un combinado de poesía, funky, carretera y armonías, formado por seis músicos de curtido talento y personalidad, entre los cuales estaban el productor y bajista Cachorro López, el cantor de tangos y saxofonista Daniel Melingo, el gran guitarrista de La Máquina de Hacer Pájaros Gustavo Bazterrica, el baterista Polo Corbella y, desde luego, el gran pionero del rock argentino Miguel Abuelo. Mientras militaba en la banda de Miguel Abuelo, Calamaro tuvo la oportunidad de pertenecer a la banda soporte de Charly García, quien había producido ya a Los Abuelos de la Nada y se había fijado en ellos para sus presentaciones en vivo.

Miguel Abuelo consiguió la confianza suficiente para que Calamaro realizara sus propias canciones y las cantara, y fue así como en muy poco tiempo logró gran popularidad como compositor. En 1982 sale a la venta el primer disco de Los Abuelos de la Nada, con el cual despiertan toda la atención de la escena rockera de aquel tiempo por el sencillo "Sin gamulán" compuesto por Andrés y un año más tarde, sucedería lo mismo con el sencillo "Mil horas", de su disco 'Vasos y Besos'. Mientras tocaba con esta banda, participaría en la musicalización de la obra "Tango Salsa" de Roberto Granados, lo que lo impulsó a componer cada vez más temas propios, de los cuales algunos eran compartidos con su siempre amigo Augusto "Gringui" Herrera, con lo que para el año de 1984 y aún sin publicar el tercer álbum de estudio de Los Abuelos de la Nada, lanzaría su primer disco solista Hotel Calamaro producido por Charly García. Al mismo tiempo, abandonaría su acompañamiento en la banda soporte de García debido a sus compromisos con Los Abuelos de la Nada, aquel puesto no quedaría vacío por mucho tiempo pues en cuestión de días llegaría su reemplazo, el rosarino Fito Páez. En 1984 saldría a la venta el último disco de estudio firmado por Andrés Calamaro con Los Abuelos de la Nada, Himno de mi Corazón, que fue al igual que los anteriores un éxito rotundo.

Durante estos años Andrés formaría la "Ray Milland Band", agrupación formada por él junto a Daniel Melingo, Pipo Cipolatti (con quien ya había tenido experiencias musicales en una fortuita banda llamada Los Almirantes), Miguel Zavaleta, Camilo Iezzi, Charly García, Pedro Aznar, entre otros, cuando fue grabado el primer disco de Los Twist, La dicha en movimiento en el que Andrés estaba participando como teclista invitado. Cabe destacar que junto a sus amigos más cercanos Andrés solía, en sus domésticos estudios de grabación, formar bandas de incluso un solo día de duración como la poco conocida "Zoilo Goes to Rancho" que formaría también con Melingo y Cipolatti.

En 1985 graba junto a Los Abuelos de la Nada, un material En Vivo que supuso el fin de su carrera junto a esta banda. Aún con el eterno liderazgo de Miguel Abuelo, esta agrupación nunca volvería a ser la misma, pues sin Calamaro el público disminuyó completamente. Un poco después y ya desligado de su anterior banda, Calamaro publica un disco algo más personal, experimental, titulado Vida cruel, en 1985, para el disco se reunió una banda llena de talento con nombres importantes de la escena argentina, además de participaciónes muy importantes. Richard Coleman, Luis Alberto Spinetta y Charly García fueron algunos, pero el éxito que Calamaro había conseguido en Los Abuelos no regresó.

Inicia entonces su trabajo como productor de bandas como Los Fabulosos Cadillacs y Enanitos Verdes, además durante esta época participó como bajista y teclista invitado de Luis Alberto Spinetta, en su disco "Privé", y regaló algunas de sus canciones a artistas de la talla de Nito Mestre, Monica Posse y María Rosa Yorio, que las grabarían en sus discos.

Conduciendo su propio programa de radio ("Bienvenidos al Hotel"), conoce a Ariel Rot y conforman una sociedad musical para grabar, entonces, dos discos solitarios de Calamaro y salir a las carreteras de Argentina. Esta vez se desinteresan por seguir los cánones musicales de la época y se dedican a su pasión: el rock and roll. Junto con grandes músicos y en colaboración estrecha con algunas personalidades salen a la venta en 1988 y 1989 respectivamente los discos "Por mirarte" y "Nadie sale vivo de aquí" con los que Calamaro demuestra su independencia y madurez musical, llenos de grandes cosas tanto musical como líricamente, aunque el éxito era mínimo apenas con algunos sencillos como "Cartas sin marcar". De nuevo Calamaro salía con su banda, a realizar una gira, y es del material de uno de sus conciertos que saldría entonces en 1994 un disco titulado "Live in Ayacucho '88".Por aquellos días sería productor una vez más, en aquella ocasión, de la banda chilena UPA.

Cabe resaltar que su álbum Nadie sale vivo de aquí recibió exelentes críticas por parte de la prensa especializada, tanto que fue escogido como el mejor disco de aquel año (1989). En el año 2007 sería ubicado en el puesto 60 por 180 músicos y periodistas musicales en lo que serían Los 100 mejores álbumes del rock argentino según Rolling Stone., un puesto más arriba que el aclamado trabajo en conjunto de Spinetta/Fito Páez titulado "La La La". Lo que no llegaba era el reconocimiento masivo y económico.

Calamaro y Rot deciden entonces intentarlo en España en 1990 y refundarse como Los Rodríguez, con el recordado Julián Infante, el igualmente querido Guillermo Martín, y un baterista llamado Germán Vilella, pues la situación en Argentina no era nada favorable.

Los Rodríguez

En la primavera de 1990 decidió partir a España, donde se juntó con Ariel Rot y Julián Infante, dos integrantes del grupo Tequila, para llevar a cabo un nuevo proyecto musical bautizado como Los Rodríguez, palabra que tenía un significado español que lo sorprendía (se llama rodríguez al hombre que sigue trabajando mientras la mujer se va de vacaciones con los hijos, esto le da libertad para hacer cosas que no puede el resto del año). Luego de varios años como solista, Calamaro volvía a formar una banda que terminaba su formación con Germán Villela en batería y Daniel Zamora en el bajo. La banda editó tres álbumes en estudio (Buena suerte, Sin documentos y Palabras más, palabras menos) y uno en directo (Disco pirata). Cabe resaltar que la imagen del grupo era muy sólida, pero Calamaro siempre llevó la batuta de lo que fue el éxito de Los Rodríguez, pues durante la primera década de los noventa logró fortalecer su historia musical como gran exponente del rock argentino y elevarse como un letrista y músico exquisito junto a esta banda, que finalmente fue la que le dio su merecido puesto en las grandes ligas del rock en nuestro idioma.

Buena suerte (1991) tuvo mucho éxito en Buenos Aires. Este álbum contenía el tema "Mi enfermedad", considerado un clásico del rock que a su vez dio la apertura radial a Los Rodríguez en muchos países de Sudamérica. Luego de Buena suerte, llegó el segundo CD, Disco pirata donde se encontraban presentaciones en vivo, colaboraciones con Fito Páez e incluso un cover de Sui Generis de la canción “Mr. Jones”.

El tercer disco llamado Sin documentos sale a la venta en 1993 y junto a él vendrían dos de las canciones más importantes de la banda: "Dulce condena" y "Sin documentos", esta última es una canción que se la podría considerar el éxito más grande que compuso Calamaro. La combinación de la melodía, la letra y la rítmica la hacen sencillamente espectacular.

El cuarto disco, Palabras más, palabras menos (1995), fue el mayor éxito de la banda. Los llevó en varias giras por España y Sudamérica y los colocó en la cima del rock en español, siempre buscando una nueva estética e incorporando sonidos distintos al rock como el flamenco y la rumba. Dentro de este disco se encontraba la canción "Mucho mejor", una de las más populares de la banda. Además también contenía otro compuesto por Joaquín Sabina y Calamaro, "Todavía una canción de amor". Entre otras se puede encontrar la canción "Para no olvidar", otro de los clásicos de la banda, una canción con estilo flamenco y letra bien calamarense. "La milonga del marinero y el capitán", "Aquí no podemos hacerlo" (con ritmo reggae) y "10 años después" son otras de las muy buenas canciones que hicieron de ese CD uno de los más importantes del rock español.

Andrés Calamaro no podía contener su capacidad creativa, y al mismo tiempo que tocaba con Los Rodríguez seguía componiendo. Es así como editó los dos volúmenes de la serie Grabaciones encontradas, que incluyen, tal como refleja su título, grabaciones encontradas en baúles, muebles de la casa de sus padres y temas en los cuales el músico es acompañado por personajes como Luca Prodan, vocalista de Sumo, o Daniel Melingo. La grabación con Luca Prodan, (La canción "Años" de Pablo Milanés) es considerada histórica en la Argentina.

Las canciones de estos dos volúmenes fueron compuestas durante 10 años, (1984-1994), y fueron desechadas alguna vez por Andrés. La experimentación ronda por los dos discos, en los cuales Andrés muestra su inquetud artística con producciones en distintos estilos, y tocando a la vez guitarras y pianos. Tres de las canciones más importantes y que han sido tocadas en vivo por Calamaro son: "Lou Bizarro", "No se puede Vivir del Amor" y "Buena Suerte y Hasta Luego".

En este par de discos se guardaba casi una década de experimentaciones instrumentales que fortalecían más la imagen de un gran artista lleno de capacidad creativa. Estos saldrían a la venta en 1993 y 1996 respectivamente. Cabe resaltar también la participación que tendría Calamaro en la banda sonora de la película Caballos salvajes en 1995, haciéndose cargo de parte de la música, y dejando su marca personal con la canción "Algún lugar encontraré".

La actividad con Los Rodríguez continuaba a un ritmo feroz, pero los problemas se empezaban a notar. Hicieron Palabras más, palabras menos en 1995 y un año después la agrupación decidió separarse, habían diferencias artísticas notables entre Andrés y el resto del grupo, éste tenía el liderazgo compositivo de la banda y finalmente decidieron separarse. Se realizó una recopilación de sus mejores temas, algunos grabados en estudios y otros en vivo. Este álbum recopilatorio se denominó Hasta luego, disco que consolidó la banda en lo que a ventas se refiere y que los llevó a realizar una gira española junto a Joaquín Sabina. En 2002 un nuevo recopilatorio saldría a la venta, titulado Para no olvidar, en el que se encuentran algunos inéditos temas de la banda.

Su última polémica aparición aún estando con Los Rodríguez fue la que mantuvo con el argentino Charly García , con quien después de haber entablado amistad durante más de 15 años, formó una fuerte y latente pelea que los alejó, algunos dicen porque Charly García le quitó a Andrés a su esposa, otros que fue por cuestiones fundamentalmente artísticas.

De nuevo en solitario

Ya en 1997, cuando la exitosa etapa junto a Los Rodríguez había concluido, Calamaro emprendió un nuevo proyecto que lo llevaría a Estados Unidos. En este país grabó, junto a músicos de sesión, los temas de su nuevo trabajo como solista, que se tituló Alta suciedad e incluía canciones como "Flaca", "Media Verónica", "Crímenes perfectos", o "Loco", cuya polémica letra expresaba: “Voy a salir a caminar solito, sentarme en un parque a fumar un porrito(...)”; . El disco superó las 500.000 copias vendidas en todo el mundo (el segundo disco más vendido del rock argentino justo después de El amor después del amor de Fito Páez que alcanzó las 750.000 copias vendidas) y llevó al músico a realizar gran cantidad de recitales, en los cuales compartió el escenario con músicos como en grande ,Fito Páez y Joaquín Sabina, entre otros. Este regreso post-Rodríguez fue perfecto y diez años después (2007) Alta suciedad sería ubicado en el décimo puesto por 180 músicos y periodistas musicales en lo que serían Los 100 mejores álbumes del rock argentino según Rolling Stone.

Durante la gira del disco en un recital en La Plata, Calamaro dijo en público: "Es una linda noche para fumar un porrito", lo que arrancaría para él una complicada acción judicial, que no terminaría hasta ser absuelto del cargo de preconización del consumo de drogas en abril del 2005. Justo después de este disco Calamaro lanzaría Las otras caras de alta suciedad Inéditos + rarezas + canciones donde se encontraban los lados B de la época de producción de Alta suciedad. Durante el año 1997 Calamaro participa en el EP de su antigua banda Raíces titulado Ey Bo Road en la canción “Candombe de las esquinas”.

Con su veloz ritmo de composición, en un lapso de seis meses, entre fines de 1998 y mediados de 1999, más de 100 canciones estaban listas para ser editadas, pero por problemas de espacio sólo se editaron 37 de ellas. Fue así como nació Honestidad brutal, hasta ese momento el disco más largo de la historia del rock argentino y, para algunos críticos, el mejor trabajo de Calamaro. El disco incluye grandes temas de diferentes estilos musicales, siendo un gran ejemplo de versatilidad musical y lírica de este artista. Honestidad brutales el disco que conforma a Calamaro en lo más alto de la escena musical; Honestidad brutal es además, un disco complicado por la situación vital de excesos en que se veía rodeado. En la misma lista Rolling Stone, donde más de 150 músicos escogieron los 100 discos más importantes del rock argentino, Honestidad Brutal ocuparía el puesto 30.

En el año 1999 Andrés Calamaro fue el encargado de abrir los doce conciertos que Bob Dylan realizó durante su gira española llevada a cabo a la vez que la edición del doble álbum en directo The Bootleg Series, Vol. 4: Live 1966. The "Royal Albert Hall" Concert un aclamado disco que durante años fue producido de forma pirata grabado durante su gira de 1966. Un espectáculo acústico y acompañado por dos de sus músicos habituales: Guillermo Martín y Candy Caramelo, donde repasaba algunos éxitos de los Rodríguez, y de su carrera en solitario. No cobró nada y colaboró así con una de sus máximas inspiraciones musicales.

El año 2000, después de hacer una selección de 300 temas, de 500 que graba, el artista viajó a España con sus músicos (Ciro Fogliata, Guillermo Martín, Candy Caramelo, Gringui Herrera, el "Niño Bruno" y el guitarrista Coti Sorokin) y grabó las 103 canciones que fueron presentadas en El salmón, un álbum histórico para la industria musical por contener cinco CD.

Los temas del Salmón tratan del amor perdido y de la vida contracorriente. Todo el álbum transpira una agria melancolía. Muchas canciones tienen un tono de despedida. Incluso en "Tuyo siempre" parece anunciar su retirada temporal de los escenarios. Curiosamente, ya avisa de su futuro regreso en ¿Nos volveremos a ver?. Al disco fue casi imposible hacerle una crítica, ya que era demasiado largo y complejo. Pocos se atrevieron, gracias a ese trabajo se ganó el apodo de "El salmón", como es apodado hoy en día. Aunque el disco es arriesgado y no compromete tanto la visión musical que venía de Honestidad brutal, sí es un trabajo lleno de mucho texto, líricas y madurez.

Artistas Relacionados:

Los Rodríguez
Los Abuelos de la Nada
Javier Calamaro
Fito Páez
Ariel Rot

Discografía:

1984 – Hotel Calamaro
1985 – Vida Cruel
1988 – Por Mirarte
1990 – Nadie Sale Vivo De Aquí
1994 – Grabaciones Encontradas Vol.1
1994 – Live In Ayacucho, 1988
1995 – B.S.O. Caballos Salvajes
1996 – Grabaciones encontradas Vol.2
1997 – Alta Suciedad
1998 – Las Otras Caras de la Alta Suciedad
1999 – Honestidad Brutal (2 CD)
2001 – El Salmón (5 CD)
2002 – Radio Salmón Vaticano (10 Programas)
2004 – El Cantante
2005 – El Regreso
2006 – Tinta Roja
2006 – Made in Argentina (DVD) + Made in Spain (CD)
2006 – El Palacio de las Flores
2007 – La Lengua Popular
2008 – Dos Son Multitud (DVD + CD)
2008 – Nada se pierde
2009 – Andrés (6 CD + 2 DVD)

Además de miles de inéditos, centenas de covers, instrumentales a patada, cosas inescuchables, ensayos, conciertos y mucho material que ha sido colgado en internet. Como la banda de sonido de las siguientes películas además de la de Caballos Salvajes:

Vivir a los 17
Caballos Salvajes
1000 boomerangs
Sabes Nadar?
El Delantal de Lili
No sos vos, soy yo
Bienvenido a casa

Jane's Addiction • biografía & discografía

2009-05-18T12:25:00.005-03:00

Biografía:

Jane's Addiction, grupo de rock alternativo cuyo origen es Los Ángeles California, fue formado a mediados de los años '80 por Perry Farrell, Dave Navarro, Eric Avery y Stephen Perkins. Se les considera uno de los pilares del rock alternativo, y un avance de lo que representarían los años '90 en la música. A pesar de ser un grupo formado en los '80, y que desarrollan la mayor parte de su carrera en esta década, a Jane's Addiction se los coloca habitualmente en el saco de los grupos de los '90, porque encajan perfectamente en el espíritu de la década.

Coinciden en la misma época y ciudad que Red Hot Chili Peppers —quienes también intentan dar un nuevo concepto al rock, fusionándolo con el funk y el rap—, con quienes a menudo son comparados debido a su influencia y la renovación que representaron en una época determinada. A pesar de que Farrell solía despreciar a Guns n' Roses por su apropiación de todos los clichés rockeros, Martin Scorsese los une para siempre en un guiño de la película Cape Fear, al mostrar un clip de Jane's acompañado de música de los Guns.

Miembros:

Perry Farrell
Dave Navarro
Stephen Perkins
Eric Avery

Discografía:

Jane's Addiction - Jane's Addiction (1987)
Jane's Addiction - Nothing's Shocking (1988)
Jane's Addiction - Ritual de lo Habitual (1990)
Jane's Addiction - Live And Rare (1991)
Jane's Addiction - Kettle Whistle (1997)
Jane's Addiction - Strays (2003)
Jane's Addiction - Up From The Catacombs - The Best Of Jane's Addiction (2006)

The Allman Brothers Band • biografía & discografía

2009-05-15T12:20:00.004-03:00

Biografía:

The Allman Brothers Band es una banda seminal del denominado rock sureño originaria de Macon, Georgia, EE. UU., descrita por el Salón de la Fama del Rock como "los principales arquitectos del rock sureño". El grupo se formó en 1969 y dos años más tarde George Kimball los describió en la revista Rolling Stone como la mejor banda de rock and roll que se había creado en Estados Unidos en los últimos cinco años.

La banda ha obtenido once Discos de Oro y cinco de Platino entre 1971 y 2005. Rolling Stone clasificó a The Allman Brothers en el 52º puesto en su lista de los 100 artistas más grandes de todos los tiempos. El grupo sigue en activo en la actualidad.

Musicalmente, The Allman Brothers Band es considerada, junto a Lynyrd Skynyrd como banda seminal del Rock Sureño. El grupo destacó por su habilidad y coherencia instrumental, su estilo a medio camino entre el blues, el blues rock y el jazz y por su infinita capacidad colectiva para la improvisación, (jamming). Todas estas características son especialmente plausibles en sus directos, bien ejemplificadas por su álbum At Fillmore East, donde improvisaciones como Whipping Post superan los 20 minutos.

Miembros:

Duane Allman (guitarra)
Gregg Allman (teclados, voz)
Dickey Betts (guitarra, voz)
Berry Oakley (bajo)
Butch Trucks (percusión)
Jai "Jaimoe" Johanny Johanson (percusión)

Discografía:

The Allman Brothers Band - The Hour Glass (968)
The Allman Brothers Band - Power Of Love (1968)
The Allman Brothers Band - The Allman Brothers Band (1969)
The Allman Brothers Band - Idlewiln South (1970)
The Allman Brothers Band - At Fillmore East (1971)
The Allman Brothers Band - Eat A Peach. Capricorn (1972)
The Allman Brothers Band - Duane & Gregg Allman (1972)
The Allman Brothers Band - An Anthology (1972)
The Allman Brothers Band - Beginnings (1973)
The Allman Brothers Band - Brothers And Sisters (1973)
The Allman Brothers Band - Early Allman (1973)
The Allman Brothers Band - Laid Back (1973)
The Allman Brothers Band - An Anthology, Vol. 2 (1974)
The Allman Brothers Band - Gregg Allman Tour (1974)
The Allman Brothers Band - Win, Lose Or Draw (1975)
The Allman Brothers Band - The Road Goes On Forever (1975)
The Allman Brothers Band - Wipe The Windows, Check The Oil, Dollar Gas (1976)
The Allman Brothers Band - Playin' Up A Storm (1977)
The Allman Brothers Band - Enlightened Rogues (1979)
The Allman Brothers Band - The Best Of Duane Allman (1979)
The Allman Brothers Band - Reach For The Sky (1980)
The Allman Brothers Band - Brothers Of The Road (1981)
The Allman Brothers Band - The Best Of The Allman Brothers Band (1981)
The Allman Brothers Band - I'm No Angel (1987)
The Allman Brothers Band - Just Before The Bullets Fly (1988)
The Allman Brothers Band - Dreams (1989)
The Allman Brothers Band - Seven Turns (1990)
The Allman Brothers Band - Live At Ludlow Garage 1970 (1990)
The Allman Brothers Band - Shades Of Two Worlds (1991)
The Allman Brothers Band - A Decade Of Hits, 1969-1979 (1991)
The Allman Brothers Band - An Evening With The Allman Brothers Band (1992)
The Allman Brothers Band - The Fillmore Concerts (1992)
The Allman Brothers Band - Where It All Begins (1994)
The Allman Brothers Band - Hell & High Water (1994)
The Allman Brothers Band - 2nd Set - An Evening With The Allman Brothers Band (1995)
The Allman Brothers Band - Hittin' The Note (2003)
The Allman Brothers Band - One Way Out: Live At The Beacon Theatre (2004)

Rage Against The Machine • biografía & discografía

2009-05-14T01:53:00.002-03:00

Biografía:

Rage Against the Machine (Rage o R.A.T.M.) es un grupo musical estadounidense de Rapcore fundado en el año 1990 por Tom Morello y Zack de la Rocha. Junto con Tim Commerford y Brad Wilk, el grupo tocó durante toda la década de los años 90 hasta su disolución en 2000. Luego se tomaron un descanso indefinido hasta que en abril de 2007 y coincidiendo con la disolución de Audioslave anunciaron su regreso en el festival de música de Coachella en California, era la primera vez que tocaban todos juntos en siete años. A raíz de esto, la banda ha continuado dando conciertos en varios festivales. Incluso no se descarta la posibilidad de sacar un nuevo disco.

Su estilo característico es una sólida fusión de hip hop, rap, funk, punk, hardcore y hard rock. Los solos del guitarra de Tom Morello se recalcan por sus prominentes usos de pedales y efectos, y sobresalen sus emulaciones de los scratch y otros efectos de los djs de hip hop. El cantante, Zack de la Rocha, participó en grupos de punk y hardcore metal antes de volverse un apasionado de las rimas del rap: de ahí viene su estilo agresivo de rapear y los fuertes gritos que incluye en algunas canciones. Se aprecia también un pequeño toque de jazz por parte del bajista Tim Commerford, que perteneció a un grupo de ese estilo a mediados de los años 1980; finalmente, la batería de Brad Wilk está cargada de ritmos funk especialmente contundentes. Este estilo de fusión fue más tarde imitado por otras bandas, atribuyéndosele la etiqueta de Rapcore o Rap metal.

Son también conocidos por el contenido sociopolítico de sus canciones. Sus letras son rotundas, con un claro posicionamiento en contra del capitalismo y la globalización, y las formas de pensamiento, mentalidad y relación social que generan. De tendencias políticas de izquierda, R.A.T.M. destacó, además, por sus múltiples iniciativas de protesta y solidaridad con distintos movimientos de reivindicación sociales y musicales. El cantante Zack De la Rocha participó en movimientos derivados del EZLN. En los días posteriores a los atentados del 11 de septiembre, las emisoras de radio estadounidenses habrían censurado al grupo por alentar el antipatriotismo.

Miembros:

Tom Morello
Zack de la Rocha
Tim Commerford
Brad Wilk

Discografía De Estudio:

Rage Against The Machine - Rage Against the Machine (1992)
Rage Against The Machine - Evil Empire (1996)
Rage Against The Machine - The Battle Of Los Angeles (1999)
Rage Against The Machine - Renegades (2000)

Johnny Winter • biografía & discografía

2009-05-11T20:30:00.003-03:00

Biografía:

John Dawson "Johnny" Winter (Beaumont,Texas, 23 de febrero de 1944), guitarrista estadounidense de blues y de rock. Winter se convirtió en una superestrella del blues eléctrico a finales de los años sesenta y para el festival de Woodstock ya era una leyenda. Durante la última etapa de Muddy Waters produjo sus 3 últimos discos.

Desde muy temprano Winter mostraba una fuerte atracción a la música, a la edad de 4 años en su ciudad natal se mostraba tocando el clarinete, hasta la edad de 8 cuando fue forzado a dejarlo por ordenes de su ortodoncista debido a un problema de maloclusión producido por el instrumento, fue entonces cuando empezó a aprender a tocar el ukelele de su padre, a pesar del talento que mostraba con el instrumento, fue su mismo padre quien le motivo a dejarlo y cambiarlo por la guitarra a la edad de 11 años. En ese entonces Winter se aficiono a un programa de radio denominado "The Big Bopper of "Chantilly Lace" que daba un recorrido por el mundo del Blues, presentado por un dj local llamado J.P. Richardson.

A sus 14 y ya empapado de Blues con una larga colección de discos que había ido recopilando, forma "Johnny and the Jammers" su primera banda junto a su hermano Edgar. Pasó su temprana juventud grabando temas para disqueras de proyección regional y presentándose en los bares buscando ser escuchado y obtener una reputación dentro del mundo del blues, incluso llego a tocar en 1962 ante B.B. King con la guitarra de éste en una visita a un famoso local de Beaumont. Durante este tiempo formaría un trió “The Cyrstaliers and It and Them” que intentaría hacerse un espacio en los clubes locales, también visitaría otras ciudades satélite del Blues como chicago persiguiendo escuchando a otros artistas y captar la esencia del genero.

Su descubrimiento a nivel nacional llegó a través de un artículo en la revista Rolling Stone en 1968, lo que le valió un contrato con un propietario de un club neoyorkino y una grabación con Columbia. Su disco de debut oficial, Johnny Winter publicado en 1969, año en el que tambien tocaría en distintas presentaciones y festivales incluyendo el de Woodstock.

Más tarde formó una banda con antiguos componentes de The McCoys, se llamó Johnny Winter And. Consiguió buenas ventas entre 1969 y 1970 con los álbumes “Second Winter” y “Johnny Winter” respectivamente; Durante este tiempo Winter sufrió de una fuerte adicción a la heroína de la que se sobrepondría rápidamente y grabaría en 1973 Still Alive and Well. Sus discos se hicieron cada vez más orientados al blues duro, a finales de los setenta produjo también varios álbumes de Muddy Waters con quien consiguiera un par de Grammy, entre otras colaboraciones.

En los ochenta, luego de una larga pausa grabó tres discos para el sello de blues Alligator. El primero en 1984 contenía relanzamientos de viejos temas R&B y conto con la ayuda de “Albert Colins Icebrakers Band” compañeros de disquera, logrando su segunda nominación a los premios Grammy. En 1986 lanza “Third Degree.” Un disco que comparte con antiguos compañeros de gira. Alternativamente mantiene sus habituales Giras en distintos locales, ofreciendo conciertos y colaborando con otros artistas.

Marca su regreso a los estudios con una nueva nominación a los Grammy gracias a su álbum “Let Me In”. Vuelve al año siguiente con “Hey, Where's Your Brother? “, también nominado al los premios Grammy. Ese mismo año sale también a la venta el recopilatorio “Scorchin' Blues” mientras continua de gira, también colaboraría en 1996 con su hermano en el disco “The Real Deal” manteniendo sus giras; en 1998 producto del trabajo en vivo sale a la venta “Live In NYC '97” disco que recopila 5 años de concierto, las canciones fueron escogidas por sus seguidores a manera de tributo, año en el que también se cumplían 30 años de su llegada al estrellato.

Winter regresó en 2004 con su primer álbum en ocho años: I'm a Bluesman con el que logró de nuevo una excelente critica y otra nominación a los Grammy. Winter continua maravillando con su peculiar estilo a sus seguidores manteniendo sus giras, aunque en últimos años se ha visto afectado de salud y se ve obligado a realizar las presentaciones sentado, producto de un problema de Síndrome Túnel Carpiano asi como problemas en la cadera. Aun así mantiene en pie su vida artística, para mayo de 2009 se prevé el lanzamiento de un nuevo recopilatorio denominado “The Johnny Winter Anthology” distribuido por Sony Music Entertainment.

Discografía:

* The Progressive Blues Experiment (1968, Sonobeat)
* The Progressive Blues Experiment (1969, Imperial)
* Johnny Winter (1969)
* Second Winter (1969)
* Johnny Winter And (1970)
* Live Johnny Winter And (1971)
* Still Alive and Well (1973)
* Saints & Sinners (1974)
* John Dawson Winter III (1974)
* Captured Live! (1976)
* Together (1976) with Edgar Winter
* Nothin But the Blues (1977)
* White, Hot and Blue (1978)
* Raising Cain (1980)
* Guitar Slinger (1984)
* Serious Business (1985)
* Third Degree (1986)
* The Winter of '88 (1988)
* Let Me In (1991)
* Hey, Where's Your Brother? (1992)
* Scorchin' Blues (1992)
* Live In NYC '97 (1998)
* I'm A Bluesman (2004)
* The Johnny Winter Anthology (2009) via Shout! Factory

Almendra • biografía & discografía

2009-05-11T17:56:00.005-03:00

Biografía:

Almendra fue una banda de rock argentino formada en 1967 en el barrio porteño de Belgrano por Luis Alberto Spinetta (guitarra y voz), Edelmiro Molinari (guitarra y coros), Emilio del Guercio (bajo y coros) y Rodolfo García (batería), todos alumnos del Instituto San Román.

Es considerado uno de los grupos fundacionales del rock argentino, aportando un lirismo que contrastaba con la crudeza de Manal o el estilo beat de Los Gatos, otros referentes de la época. En septiembre de 1968 Almendra lanzó su primer disco, un simple con Tema de Pototo, canción que luego alcanzaría gran popularidad cantada por Leonardo Favio. El año 1969 fue el de la consagración, luego de innumerables presentaciones en vivo, entre ellas Matoko's en Mar del Plata, Festival de la Canción de Ancón (Lima, (Perú), Instituto Di Tella, Teatro El Globo (del que existe una grabación editada), Teatro Coliseo (donde se estrenó Muchacha ojos de papel). El primer álbum, conocido como Almendra I, salió a la venta el 5 de enero de 1970,[1] y ha sido considerado en reitaradas oportunidades como el mejor de la historia del rock argentino. Allí se encuentran varias de las canciones más bellas del rock latino, como Muchacha (ojos de papel), Laura va, Figuración, Fermín, Plegaria para un niño dormido y Ana no duerme. Pocos meses después salió su segundo y último álbum de la primera época, un disco doble, no tan exitoso como el primero, llamado Almendra II'.

Esta repercusión repentina los condujo a interminables giras y shows, que desgastaron la relación entre los músicos. A finales de 1970, la banda se disolvía. Una de sus últimas presentaciones fue en el B.A.Rock de ese año, ante 10.000 personas. Pero se reunieron brevemente en diciembre de 1979 gracias al productor Alberto Ohanián y grabaron dos discos en vivo.

El grupo volvió a reunirse en 1980 cuando grabaron el disco El valle interior y dieron dos conciertos en Obras los días 7 y 8 de diciembre. El último recital lo dieron el 15 de febrero de 1981 en el Festival cordobés de La Falda.

Entre los temas más famosos figuran Muchacha (ojos de papel), Ana no duerme, Rutas argentinas, Plegaria para un niño dormido y Tema de Pototo.

Miembros:

Luis Alberto Spinetta (guitarra y voz líder)
Edelmiro Molinari (guitarra líder y voz)
Emilio del Guercio (bajo y voz)
Rodolfo García (batería y voz)

Discografía:

Almendra - Almendra I (1969)
Almendra - Almendra II (1970)
Almendra - Hermano Perro (1970)
Almendra - Almendra En Obras I (1980)
Almendra - Almendra En Obras II (1980)
Almendra - El Valle Interior (1980)

Neil Young • biografía & discografía

2009-05-08T09:07:00.004-03:00

Biografía:

Neil Percival Kenneth Robert Ragland Young, conocido como Neil Young, es un cantante y guitarrista canadiense, nacido en Toronto el 12 de noviembre de 1945. Hijo de un periodista deportivo, vivió siempre con su madre tras el divorcio de sus padres, con la cual se mudó a la ciudad de Winnipeg de pequeño.

Sus primeros pasos musicales fueron en la universidad, aunque fue un mal estudiante. Fundó su primer grupo, Neil Young & The Squires, a mediados de los 60 en Winnipeg. Regresó a su ciudad natal, donde se encontró con Rick James y entró a formar parte de su banda, Mynah Birds, en la que conoció al que más tarde sería su road manager, Bruce Palmer.

Más adelante actuó en cafés, donde conoció a Joni Mitchell, Stephen Stills y Richie Furay y posteriormente formó la banda Buffalo Springfield con Stills y Furay, y en la que también estaba Dewey Martin. Su primer disco en solitario lo editó en 1969 y se tituló Neil Young. Poco más tarde entró a formar parte de Crosby, Stills, Nash & Young. Se le catalogó como el primer grunge debido a su aspecto y a la influencia que tuvo en bandas de ese estilo.

Discografía:

Con Buffalo Springfield

Buffalo Springfield (Atco, 1967).
Buffalo Springfield Again (Atco, 1967).
Last Time Around (Atco, 1968).
En solitario

Neil Young (Reprise, 1969).
Everybody Knows This Is Nowhere (Reprise, 1969).
After the Gold Rush (Reprise, 1970).
Journey Through the Past (Reprise, 1972).
Harvest (Reprise, 1972).
Times Fades Away (Reprise, 1973).
On the Beach (Reprise, 1974).
Tonight is the Night (Reprise, 1975).
Zuma (Reprise, 1975).
American Stars'n'Bars (Reprise, 1977).
Decade (Reprise, 1977) - recopilación con muchos temas no incluidos en otros álbumes.
Comes a Time (Reprise, 1978).
Rust Never Sleeps (Reprise, 1979).
Live Rust (Reprise, 1979) - en directo.
Where the Buffalo Roam (Backstreet/MCA, 1980) - banda sonora.
Hawks & Doves (Reprise, 1980).
Re-Ac-Tor (Reprise, 1981).
Trans (Geffen, 1983).
Everybody's Rockin' (Geffen, 1983).
Old Ways (Geffen, 1985).
Landing on Water (Geffen, 1986).
Life (Geffen, 1987).
This Note's for You (Reprise, 1988).
Eldorado (Reprise, 1989).
Freedom (Reprise, 1989).
Ragged Glory (Reprise, 1990).
Arc (Reprise, 1991) - en directo.
Weld (Reprise, 1991) - en directo.
Harvest Moon (Reprise, 1992).
Lucky Thirteen (Geffen, 1993). (Recop.)
Unplugged (Reprise, 1993) - en directo.
Sleeps with Angels (Reprise, 1994).
Mirror Ball (Reprise, 1995) - con Pearl Jam.
Dead Man (Vapor, 1996) - banda sonora de la película "Dead Man" de Jim Jarmusch.
Broken Arrow (Reprise, 1996).
Year of the Horse (Reprise, 1997) - en directo.
Silver and Gold (Reprise, 2000).
Road Rock, Vol. 1: Friends & Relatives (Reprise, 2000) - en directo.
Are You Passionate ? (Reprise, 2002).
Greendale (Reprise, 2003).
Prairie Wind (Reprise, 2005).
Living with War (Reprise, 2006).
Live at the Fillmore East (Reprise, 2006) - en directo 1970
Living with War: In the Beginning (Reprise, 2006)
Live at Massey Hall 1971 (Reprise, 2007) - en directo 1971
Chrome Dreams II (Reprise, 2007).
Fork In The Road (2009).
Con Crosby, Stills y Nash

Dèjá Vu (Atlantic, 1970).
Four Way Street (Atlantic, 1971) - en directo.
American Dream (Atlantic, 1988).
Looking Forward (Reprise, 1999)
"CSNY Dèjá Vu" (Reprise, 2008) en directo.
The Stills-Young Band

Long May You Run (Reprise, 1976)

Morphine • biografía & discografía

2009-05-05T01:08:00.004-03:00

Biografía:

Morphine fue una banda de rock alternativo creada por Mark Sandman y Dana Colley en Cambridge, Massachusetts, EE. UU., en el año 1989.

Morphine combinó elementos extraídos del blues y el jazz con arreglos más tradicionales de la escuela rockera, conjugando un sonido inusual y único. La forma distintiva de cantar de Sandman fue descrita como un "profundo, despreocupado y relajado susurro", y sus líricas revelaban una fuerte influencia de la llamada generación beat. Cuándo fueron consultados por reporteros para dar una descripción de su estilo, la banda creó la denominación "low rock". Una aproximación crítica estimó que "Morphine inmediatamente estableció un sonido minimalista, de bajo perfil que perfectamente pudo haberse convertido en un gimmick: un 'power trio' no elaborado en función de una guitarra eléctrica. En cambio, de manera perspicaz, Morphine expandió su vocabulario no convencional en cada álbum."

A pesar de que Morphine fue continuamente alabado por la crítica a lo largo de su existencia, es difícil determinar su éxito en términos comerciales. En los Estados Unidos la banda fue acogida y promocionada por la comunidad indie, incluyendo estaciones públicas de radio, estaciones de radio universitarias y el programa 120 Minutos de MTV (en el cuál fueron invitados especiales en una ocasión), pero recibieron poca atención de estaciones de radio comerciales, radios con temática rock y otros programas de televisión musicales. Esto limitó la exposición mediática necesaria para obtener mayor éxito en su país, mientras internacionalmente disfrutaron de amplia difusión y acogida, especialmente en Francia y Australia.

Historia

Morphine se formó en 1989 por el bajista/vocalista Mark Sandman, quien previamente se había desempeñado en la banda de rock alternativo blusero Treat Her Right, y el saxofonista Dana Colley, un miembro original de la banda de Boston llamada Three Colors. Sandman y Colley invitaron al baterista Jerome Deupree a unirse al grupo para completar la formación inicial.

Morphine grabó su álbum debut, Good, para la firma residente en Boston Accurate/Distortion en el año 1991. El álbum recibió críticas positivas y estableció una pequeña pero fiel audiencia. Posteriormente, la banda firmó con Rykodisc, quién volvió a publicar Good bajo su propia firma.

Cure for Pain, publicado en 1993, incrementó la audiencia de la banda fuera de Nueva Inglaterra, y singles como "Thursday" y "Buena" tuvieron cierta difusión en radios universitarias. Durante la grabación de Cure for Pain, Deupree fue reemplazado por Billy Conway, quién había tocado con Sandman en el grupo Treat Her Right. Sin embargo, Deupree fue el ejecutor de la mayor parte del contenido percutivo que se puede escuchar en el álbum. Conway se mantendría como miembro permanente de Morphine mientras Deupree volvería más tarde para presentarse con la banda, ambos en el estudio y en las diversas presentaciones en vivo. Los créditos finales del álbum citan a ambos e incluye una foto de los bateristas tocando con el grupo simultáneamente. Una vez finalizado Cure for Pain, la banda inició un tour por Estados Unidos, Europa, Japón y Australia.

En 1994, los cortes "Sheila" e "In Spite of Me" fueron incluidos en el sountrack de la película Spanking the Monkey. La banda regresó al estudio en 1995 para producir el álbum Yes. En 1996, Morphine firmó con Dreamworks Records.

Dreamworks publicó su álbum debút en una firma grande, Like Swimming, el año siguiente. Fue un éxito de la crítica, pero no llevó a la banda a la exposición que ellos esperaban. Dreamworks produjo el video musical para el single "Early to Bed". Dirigido por Jamie Caliri y publicado en Marzo de 1997, el oscuro pero jocoso video se volvió instantáneamente el preferido entre los fans y fue posteriormente nominado para un Premio Grammy.

El último álbum de estudio editado por la banda , The Night, fue completado a comienzos del año 1999. El día 3 de julio, en 1999, Sandman colapsó en el escenario del festival Nel Nome del Rock en el Giardini del Príncipe en Palestrina, Italia (cerca de Roma). Pronto se develó que la causa del deceso fue un ataque al corazón causando la inmediata disolución de Morphine. A pesar de ello, el álbum The Night fue publicado en el año 2000.

Desde entonces, Bootleg Detroit, un "bootleg en vivo oficial", y The Best of Morphine: 1992-1995 han sido también publicados bajo el nombre de Morphine.

Miembros:

Mark Sandman
Dana Colley
Billy Conway
Jerome Deupree

Discografía De Estudio:

Morphine - Good (1992)
Morphine - Cure For Pain (1993)
Morphine - Yes (1995)
Morphine - Like Swimming (1997)
Morphine - The Night (2000)

Roy Wood • biografía & discografía

2009-05-04T20:16:00.003-03:00

Biografía:

Ulysses Adrian Wood (Kitts Green, Birmingham, Inglaterra, 8 de noviembre de 1946) es un compositor,cantante,y multi instrumentista.Más conocido por fundar bandas como The Move,Electric Light Orchestra y Wizzard.

Roy Wood ha contribuído un número de trabajos para grupos musicales.

La primera banda en la que estuvo Wood en los principios de los 60 fue con "The Falcons" que luego abandonó en 1963, porque se unió a "Gerry Levene and The Avengers". Luego trabajó junto con "Mike Sheridan and the Nightriders" hasta 1964, cuando Roy Wood decidió que iba a formar otra nueva banda,asi que buscó nuevos músicos de Birmingham para formar The Move.Ésta banda rápidamente lanzó un espectacular single llamado "Flowers In The Rain", que estuvo en la Radio 1 cuando fue un éxito en 1967.Después Wood quízo hacer la banda con una imagen de música pop a partir del 1968. Hizo una combinación de Rock And Roll y música Pop con otros estílos,introduciendo estilos de Strings y Brass o haciendo aún los temas más Psicodélicos.A partír de los principios de los 70 The Move se estaba disolviendo, quedando solamente Jeff Lynne,Bev Bevan y él,hasta que Roy Wood dijo a Jeff y a Bev que iban a hacer una nueva banda llamada Electric Light Orchestra, que fue el mayor éxito en su trayectoria como músico hasta ese momento.Cuando hicieron su famoso "Tour" en 1972, Roy abandona la E.L.O para formar otra nueva banda llamada Wizzard, donde se lleva a dos integrantes de la Electric Light Orchestra para utilizarlos como miembros. Wood, simultáneamente quería hacer una producción al estílo Phil Spector con estílos de Rock and Roll de los 60.Mientras tanto realizó severos álbumes como solísta cuando estaba con su nueva banda. Su primer trabajo de solísta se llamó Boulders creado en 1973,en el que tocaba una gran variedad de instrumentos.Luego viene su segundo album solísta llamado Mustard realizado en 1975, que incluía a cantantes como Phil Everly y Annie Haslam (su esposa).

Los Albumes que realizó Wood y toda su banda en toda su carrera eran fascinantes,porque siempre usaba estos tipos de instrumentos:Guitarra,Bajo,Sitar,Cello,Doble Bajo,Saxofone,Clarinete,Trompeta,Tuba,Oboe,Corno Francés,Banjo,Mandolína,Percusión,Batería,Gaita,Teclado y Piano.

En Julio del 1972,Wood tocó el bajo en todas las canciones de Bo Diddley del álbum The London Bo Diddley Sessions.

En 1976 tocó y cantó 2 temas de Los Beatles (Lovely Rita y Polythene Pam) para el documental llamado All This and World War II.

En 1977 formó la famosa Wizzo Band,una banda de Jazz Rock que solamente cantaba canciones en vívo para la BBC,TV y Radio. En el principio del siguiente año, esa banda fue cancelada,por lo que Roy armó otra banda llamda Roy Wood's Helicopters.

Después de terminar con Helicopters,en 1982 Wood montó una pequeña banda llamada The Rockers formada por:Bev Bevan,Phil Lynott,Chas Hodges and John Coghlan,que solo hacía canciones de Rock and Roll mezclados en un solo tema,y ese tema se llamó We Are The Boys.

Wood fue premiado por la Doctor Honoris Causa por su contribución a la música en la Universidad de Derby en el 18 de enero del 2008.

Discografía:

The Move

* The Move (Album) (1968)
* Shazam (Album) (1970)
* Looking On (1970)
* Message From The Country (1971)
Electric Light Orchestra

* The Electric Light Orchestra/ No Answer (1971)
* ELO 2 (1973)(sólo compuso 2 tracks)
Roy Wood & Wizzard

* Wizzard Brew (1973)
* Boulders (1973)
* Introducing Eddy & The Falcons (1974)
* Mustard (1975)
* On The Road Again (1979)
* Starting Up (1987)
* Main Street (2000)
* Super Active Wizzo (2007)

Fleetwood Mac • biografía & discografía

2009-05-04T00:20:00.003-03:00

Biografía:

Fleetwood Mac, es una de las bandas de blues y rock más influyentes y comercialmente más exitosas que hayan existido, la cual ha sufrido constantemente cambios en su alineación y han sido variadas sus etapas exitosas. Creado a finales de los años 60 cambió su estilo de un blues tradicional, a rock y finalmente a un pop suave y elegante. Sus períodos más exitosos fueron en sus inicios, cuando entre sus fundadores figuraba Peter Green, y en los últimos años de la década de los setenta, cuando la voz de Stevie Nicks y las canciones de Lindsey Buckingham tuvieron mucho éxito.

Miembros:

Peter Green
Bob Brunning
Jeremy Spencer
Danny Kirwan
Christine McVie
Bob Welch
Bob Weston
Dave Walker
Billy Burnette
Rick Vito
Bekka Bramlett
Dave Mason

Discografía:

* Rumours (1977)

Tyrannosaurus Rex • biografía & discografía

2009-05-02T14:14:00.005-03:00

Biografía:

T. Rex (originalmente llamada Tyrannosaurus Rex) fue una banda de rock inglesa fundada en Londres en los años 1960 que tuvo éxito como grupo de glam rock en los años 1970. La banda fue fundada por Marc Bolan en 1967 y tocó sólo una vez como un quinteto en The Roundhouse antes de separarse. Posteriormente quedó reducida a dúo con Marc Bolan y Steve Took, editando tres álbumes producidos por Tony Visconti. El sonido era una especie de Folk Rock de una tierra imaginaria, con guitarras acústicas y montones de diferentes y exóticas percusiones. Las letras remitían a seres extraños, elfos, hadas, magos y duendes. Tuvieron una notable aceptación entre los hippies londinenses de finales de los sesenta. En esta época fueron muy apoyados por el famoso periodista musical John Peel. Pero el auténtico deseo de Marc Bolan era ser una verdadera estrella y, tras una decepcionante gira por EE. UU., despidió a Steve y reclutó a un nuevo percusionista, Mickey Finn, con quien grabó un cuarto álbum aún bajo el nombre de Tyrannosaurus Rex.

Con el álbum T. Rex, de 1970, la banda no solo acortó definitivamente su nombre, sino que se pasó a los instrumentos eléctricos. A partir de entonces obtuvieron sus mayores éxitos comerciales, pero algunos consideran más interesante la música de su primera época acústica.

La banda acabó sus días cuando Marc Bolan murió en un accidente de tráfico en 1977, sin haber cumplido los 30 años.

Miembros:

Marc Bolan
Steve Peregrine Took
Mickey Finn
Bill Legend
Steve Currie
Herbie Flowers
Dino Dines
Tony Newman
Jack Green
Gloria Jones
Dave Lutton
Miller Anderson
Bill Legend

Discografía:

As Tyrannosaurus Rex

* My People Were Fair and Had Sky in Their Hair... But Now They're Content to Wear Stars on Their Brows (1968)
* Prophets, Seers & Sages – The Angels of the Ages (1968)
* Unicorn (1969)
* A Beard of Stars (1970)
As T.Rex

* T. Rex (1970)
* Electric Warrior (1971)
* The Slider (1972)
* Tanx (1973)
* Zinc Alloy and the Hidden Riders of Tomorrow (1974)
* Bolan's Zip Gun (1975)
* Futuristic Dragon (1976)
* Dandy in the Underworld (1977)
Compilations

* The Best of T. Rex (1971)
* Bolan Boogie (1972)
* Great Hits - T.Rex (1973)
* Light of Love (1974)
* The Very Best of T.Rex (2006)

Los Gatos • biografía & discografía

2009-05-01T18:20:00.003-03:00

Biografía:

Según Wikipedia

Los Gatos es una de las primeras bandas argentinas de Rock. Formada en 1967, se la considera una de las bandas fundacionales del rock argentino, junto con Almendra, Manal y Vox Dei, y una de las precursoras del rock en español. Fueron también la primer banda argentina en componer íntegramente su propio material. Su primer éxito, La Balsa, lanzado el 3 de julio de 1967 está considerado la canción fundadora del rock argentino y la mejor de la historia (MTV & Rolling Stone). Se separan en 1968 luego de grabar sus 3 primeros Lp´s, y vuelven a juntarse a fines de 1969 con Pappo en lugar de Kay Galiffi que se había ido a vivir a Brasil.

En febrero de 2005 fallece Pappo y Oscar Moro en Julio de 2006.

En 2007 Los Gatos sobrevivientes se reunificaron para realizar una gira latinoamericana conmemorando los 40 años de su fundación, pero luego de algunas actuaciones sin la convocatoria esperada, el proyecto se archiva, editándose solo un disco en vivo de su primera presentación celebrada en Rosario el 23 de Junio de dicho año.

Según Rock.com.ar

Banda heredera de Los Gatos Salvajes, tiene origen en 1967 y alcanza un repertorio de 50 temas. Ya en Buenos Aires se presentan cotidianamente en La Cueva, reducto rockero por excelencia. Recuerda Litto Nebbia: «Para llenar toda la noche, de las diez a las cuatro, teníamos un repertorio de más de 100 canciones, además de lo que se improvisaba en el momento. Tocábamos mucha música de relleno, rock, blues, todo tipo de cosa y, entre medio de todo eso, tocábamos canciones mías que estábamos ensayando con la idea a grabar un disco algún día» (V.Pintos, pág 75). El primer simple que logran grabar "La Balsa" / "Ayer Nomás" fue un éxito impredecible: vendió más de 200.000 placas. Lo habían grabado el 19 de junio de 1967 y salió a la venta el 3 de julio.

Con esta misma formación editan los dos primeros LPs: "Los Gatos" (1967) y "Viento dile a la lluvia" (1968). Previamente, se editó como simple un adelanto del segundo LP: "Viento dile a la lluvia", que alcazó a vender cerca de 100.000 copias.

Esta banda, si bien aún con inocencia y timidez, comenzó a delinear un lenguaje propio para el rock argentino. «Ninguno de nosotros se dio cuenta en ese momento de que éramos el nacimiento de un movimiento», reconoce Oscar Moro. «Había mucha bohemia y lo que queríamos de corazón era hacer lo que planeábamos. Jamás pensamos que el tema podía pegar tanto y que íbamos a ser uno de los grupos pilares del rock de acá. No nos dábamos cuenta, lo vivíamos de otra manera; nunca pensamos que se podría convertir en algo tan grande» (Pintos, pág 151).

En septiembre de 1968 salieron de gira por Sudamérica: Paraguay, Bolivia, Uruguay y el Festival de la Canción de Río de Janeiro. Allí presentaron "Seremos amigos", el tema que daría nombre al tercer disco (1968), más moderno, rozando casi con lo psicodélico.

A comienzos de 1969 la banda se separó momentáneamente. Durante nueve meses, todos los integrantes de la banda, con excepción de Nebbia, viajaron por Estados Unidos, conociendo la música local, escuchando a los "grandes del momento" y llegando, incluso, a grabar un simple con un cantante norteamericano, que quedó inédito. En el interín, Nebbia inició su carrera solista, filmando la película "El extraño de pelo largo" y lanzando su primer LP.

Los Gatos retomarían el camino al año siguiente con "Beat Nº1", con Pappo en el lugar de Kay. En este álbum se notan claramente los dos estilos: el melódico de Litto (en "Sueña y corre") y el rockero que imponía Pappo ("Hogar").

"Rock de la mujer podrida" era el título para el siguiente LP, pero por problemas de la censura sería cambiado por "Rock de la mujer perdida" (1970). Este, el último, será el álbum más rockero y, para muchos, el mejor.

A mediados de 1970 Pappo ya abandonó la agrupación para formar su propia banda. Nebbia pasará a tocar el bajo y Toth ocupará el lugar del guitarrista alejado. "Le estamos sacando otro sonido al conjunto", anticipaban. Sin embargo la suerte ya estaba echada: un simple de baja repercusión y una serie de recitales signaron el adios definitivo a este grupo clave de la música nacional. A partir de ese momento, Litto Nebbia continuaría su carrera como solista.

Con motivo de cumplirse los cuarenta años de aquél debut, la banda volvió a reunirse. Realizó shows en Rosario y en Buenos Aires, y editó un disco en vivo con esas presentaciones.

Artistas Relacionados:

Almendra
Manal
Los Shakers
Tanguito

Miembros:

Ciro Fogliatta (órgano)
Kay Galifi reemplazado por Pappo (guitarra)
Oscar Moro (batería)
Litto Nebbia (voz, armónica y pandereta)
Alfredo Toth (bajo)

Discografía:

Los Gatos - Los Gatos (1967)
Los Gatos - Los Gatos (Volumen 2) (1968)
Los Gatos - Seremos Amigos (1968)
Los Gatos - Beat No. 1 (1969)
Los Gatos - Rock De La Mujer Perdida (1970)
Los Gatos - En Vivo Y En Estudio (1987)

Johnny Rivers • biografía & discografía

2009-05-01T16:04:00.001-03:00

Biografía:

Johnny Rivers (born John Henry Ramistella, 7 November 1942, in New York) is an American rock and roll singer, songwriter, guitarist, and record producer. He was versatile enough to do folk songs, blues, and revivals of old-time rock 'n' roll songs and some original material. Rivers's greatest success came in the mid and late 1960s with a string of hit songs (including "Seventh Son", "Poor Side of Town", "Summer Rain", and "Secret Agent Man"), but he has continued to record and perform to the present.

Discografía:

Johnny Rivers - At the Whiskey 'a GoGo (live album) (1964)
Johnny Rivers - Here We 'a GoGo Again (live) (1964)
Johnny Rivers - In Action! (1964)
Johnny Rivers - Meanwhile Back at the Whiskey 'a GoGo (live) (1965)
Johnny Rivers - Johnny Rivers Rocks the Folk (1965)
Johnny Rivers - ...and I know you wanna dance (live) (1966)
Johnny Rivers - Changes (Johnny Rivers album) (1966)
Johnny Rivers - Rewind (Johnny Rivers album) (1967)
Johnny Rivers - Whiskey 'a GoGo Revisited (live) (1967)
Johnny Rivers - Realization (Johnny Rivers album) (1968)
Johnny Rivers - Slim Slo Slider (1970)
Johnny Rivers - Homegrown (Johnny Rivers album) (1971)
Johnny Rivers - A Portrait Of Johnny Rivers (1971)
Johnny Rivers - L.A. Reggae (1972)
Johnny Rivers - Blue Suede Shoes (Johnny Rivers album) (1973)
Johnny Rivers - Rockin Pneumonia (Johnny Rivers album) (1973)
Johnny Rivers - Last Boogie in Paris (live) (1974) (not released in the U.S.)
Johnny Rivers - Rockin' Rivers (1974) (not released in the U.S.)
Johnny Rivers - Road (Johnny Rivers album) (1974)
Johnny Rivers - New Lovers and Old Friends (1975)
Johnny Rivers - Wild Night (Johnny Rivers album) (1976)
Johnny Rivers - Outside Help (1977)
Johnny Rivers - The Rock And Roll Years (1981)
Johnny Rivers - Borrowed Time (1980)
Johnny Rivers - Not a Through Street (1983)
Johnny Rivers - Greatest Hits (1985)
Johnny Rivers - The Memphis Sun Recordings (1991)
Johnny Rivers - Last Train to Memphis (1998)
Johnny Rivers - Back at the Whisky (live) (2000)
Johnny Rivers - Reinvention Highway (2004)
Johnny Rivers - Last Boogie in Paris: The Complete Concert (live) (2007)
Johnny Rivers - Shadows on the Moon (forthcoming) (2009)

David Bowie • biografía & discografía

2009-05-01T06:21:00.006-03:00

Biografía:

David Robert Jones (Londres, 8 de enero de 1947), conocido artísticamente como David Bowie, es un cantante y compositor británico de música rock y pop, uno de los personajes más respetados e influyentes de la historia del rock, cuya música ha dejado huella en varias generaciones de artistas.

A lo largo de su trayectoria, la música de Bowie se ha vinculado con múltiples géneros, como el folk rock, el glam rock, el soul o la música electrónica, demostrando una gran facilidad para reinventarse y adaptarse a las nuevas tendencias musicales, incluso en algunas ocasiones inspirándolas o anticipándose a ellas, por lo que es popularmente conocido como el Camaleón del Rock. Además de demostrar su talento en su faceta musical, como cantante, compositor, multi-instrumentista y productor, también ha trabajado como actor, director de vídeos musicales y artista plástico.

Bowie estuvo casado con Angela Barnett, con quien tuvo un hijo, Zowie. Desde 1992 está casado con la modelo Iman, con la que tuvo a su hija Alexandria.

Discografía De Estudio:

* 1967 - David Bowie
* 1969 - Space Oddity
* 1971 - The Man Who Sold the World
* 1971 - Hunky Dory
* 1972 - The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
* 1973 - Aladdin Sane
* 1973 - Pinups
* 1974 - Diamond Dogs
* 1975 - Young Americans
* 1976 - Station to Station
* 1977 - Low
* 1977 - Heroes
* 1979 - Lodger
* 1980 - Scary Monsters And Super Creeps
* 1983 - Let's Dance
* 1984 - Tonight
* 1987 - Never Let Me Down
* 1989 - Tin Machine
* 1991 - Tin Machine II
* 1993 - Black tie, White noise
* 1993 - The Buddha of Suburbia
* 1995 - Outside
* 1997 - Earthling
* 1999 - Hours...
* 2002 - Heathen
* 2003 - Reality

Letras de David Bowie >>

Nico • biografía & discografía

2009-05-01T06:16:00.002-03:00

Biografía:

Christa Päffgen (*16 de octubre de 1938 - † 18 de julio de 1988, Ibiza) fue una cantautora, modelo y actriz conocida por su seudónimo Nico. Se la recuerda principalmente por su colaboración con The Velvet Underground.

La fecha y lugar de su nacimiento no están del todo claros. La mayor parte de las fuentes aseguran que fue el 16 de octubre de 1938 en Colonia, Alemania. Sin embargo, al menos otras dos fuentes sitúan su nacimiento en Budapest (Hungría), el 15 de marzo de 1943. A los dos años de edad, sus padres se mudaron a la ciudad alemana de Spreewald, no lejos de Berlín. Su padre, de profesión ferroviario, moriría en un campo de concentración durante la Segunda Guerra Mundial. Al finalizar la guerra y al dividirse Berlín, Nico y su madre se quedaron en el sector americano, donde Nico realizó trabajos como modista, que pronto dejó para dedicarse a ser modelo. Durante una visita de trabajo a España, conoció a un fotógrafo que había mantenido una relación con otro hombre de origen griego y cuyo nombre era Nico Papatakis. Dicho fotógrafo comenzó a llamar a la joven Nico en honor a esta relación pasada suya y ella acabaría por adoptarlo como nombre artístico.

Después de interpretar varias canciones en el mítico disco Andy Warhol junto a The Velvet Underground y compartir escenario con sus componentes en el vanguardista show de rock llamado "The Exploding Plastic Inevitable", organizado por Warhol y otros miembros de la Factory, emprende una carrera musical en solitario. Su primer disco es un disco pop llamado Chelsea Girl y en él colaboran, entre otros, Lou Reed, John Cale y Jackson Browne. Tras no cosechar con Chelsea Girl el éxito esperado, Nico prosigue su camino adentrándose en territorios más oscuros y experimentales, apadrinada fundamentalmente desde The Marble Index por John Cale en la composición y producción de sus discos, así como recibiendo la ayuda y colaboración puntual de otros artistas como Brian Eno en The End.

Tras aparecer en varios anuncios televisivos, Nico obtuvo un escueto papel en la película La Tempesta de Alberto Lattuada, así como en la película de Rudolph Maté For the First Time en la que aparecía junto a Mario Lanza. En 1959, se unió al reparto de la película de Federico Fellini La Dolce Vita Por ese entonces, Nico se mudó a Nueva York, donde tomó clases de interpretación con Lee Strasberg. Repartía sin embargo su tiempo entre las ciudades de Nueva York y Paris. En esta última ciudad, protagonizó la película Strip-Tease de Jacques Poitrenaud. Serge Gainsbourg produjo el tema musical que Nico grabó para el film, el cual cantó en francés y que no fue finalmente editado (en ese momento), ya que se eligió la versión de Juliette Gréco.

Falleció en Ibiza en 1988 en un accidente de bicicleta, ya demacrada por las drogas y los abusos. Murió a causa de un derrame cerebral. Sus cenizas fueron sepultadas junto a las de su madre Margaret Päffgen en Berlín, en un cementerio en el medio de un bosque. Alrededor unos pocos amigos la despidieron con una carretera en la que sonaron canciones suyas

Artistas Relacionados:

Discografía:

* 1967 Chelsea Girl
* 1969 The Marble Index
* 1970 Desertshore
* 1974 The End
* 1982 Do or Die [live]
* 1983 Drama of Exile (Remixed)
* 1985 Camera Obscura
* 1985 The Blue Angel
* 1986 (Live) Heroes sillys
* 1986 Live in Tokyo dead
* 1990 Hanging Gardens in babylonia
* 1994 Chelsea Girl Live or dead
* 1995 My Funny Valentine
* 1995 Heroine Anagram
* 1996 Icon Cleopatra egipcie
* 2000 Nico's Last Concert: Fata Morgana [live]
* 2000 Janitor of Lunacy
* 2002 Innocent & Vain
* 2003 Live In Japan

Aretha Franklin • biografía & discografía

2009-04-30T20:53:00.004-03:00

Biografía:

Aretha Franklin es una cantante de soul, R&B y gospel. Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee). Apodada como "Lady Soul" o "Queen of soul" (La Dama [o Reina] del Soul), es para algunos una de las artistas más influyentes en la música contemporánea. A mediados de los años 60 se consolidó como estrella femenina del soul, algo que usó en favor de los derechos raciales en Estados Unidos, siendo un elemento influyente dentro del movimiento racial y de la liberación femenina. Ha influido a decenas de artistas, como Whitney Houston, Anastacia, Mariah Carey, Janis Joplin, Natalie Cole, Christina Aguilera, Alicia Keys, Aaron Neville, Annie Lennox, Andy Nelson Ibañez. etc.

Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee), y creció en Detroit. Era hija del predicador Clarence LeVaughn Franklin y la cantante de gospel Barbara Franklin. Su madre abandonó a su familia cuando Aretha era una niña, y poco tiempo después, murió. Su padre vio pronto el talento de Aretha, por lo que quiso que tomara clases de piano, pero ella lo rechazó y prefirió aprender por sí sola con la ayuda de grabaciones. En este tiempo, permanecía en un tour itinerante de gospel, donde uno de los primeros temas que interpretó fue "Precious Lord". Los genios del gospel Clara Ward, James Cleveland y Mahalia Jackson eran íntimos de su familia, por lo que Aretha creció rodeada de ellos. A pesar de vivir en este ambiente religioso, su vida no era nada eclesiástica; pues con tan solo quince años, tuvo a su primer hijo, y dos años después tuvo el segundo.

Las raíces gospel de Franklin son una de las huellas más personales e influyentes en su carrera. Con sus hermanas Carolyn Franklin y Erma Franklin (ambas mantuvieron también carreras en solitario) cantaba en la Iglesia Baptista de Detroit, que estaba regentada por su padre, C.L. Franklin, un predicador baptista, apodado "La voz del millón de dólares" y uno de los principales confidentes del líder Martin Luther King. Aretha pasó toda su infancia dentro de este ambiente gospel y rodeada de voces del jazz como Dinah Washington y Ella Fitzgerald. Con tan solo 14 años hizo su primera grabación para el sello Checker, The gospel soul of Aretha Franklin, en el que se podían oír composiciones gospel con un potente sonido soul, lleno de melodías a piano, instrumento que dominaba desde su infancia. En 1960, viajó hasta Nueva York para tomar clases de técnica vocal y danza. En este tiempo, empezó a grabar demos para enviar a las discográficas.

Tras un tiempo en el que Aretha comenzó a ser considerada una joven prodigio, se comentaba que Motown estaba interesada en ficharla, pero finalmente firmó con el sello Columbia, bajo la dirección de John Hammond. Aretha entró en Columbia como una artista soul, pero con el tiempo, la compañía comenzó a adentrarla en su catálogo de jazz, como se demuestra en Unforgettable: a tribute to Dinah Washington (1964), en el que rinde homenaje a una de sus grandes ídolos. Aretha no estaba de acuerdo con esta guía, ya que se sentía como una artista soul y no como una dama del jazz, aunque en esa epoca se pudo comprobar la versatilidad musical que poseia y en donde se pueden encontrar muchas de sus mas bellas melodias como por ejemplo "Sweet bitter love", "Skylark", "Try a little Tenderness" y muchas otras. Esto fue lo que motivo la salida por decisión propia de Aretha en 1964. En esta época, consiguió éxitos menores entre los que destacan Operation heartbreak, Rock-a-bye Your Baby With a Dixie Melody, Lee Cross y Soulville. Tras su marcha de Columbia, editó Songs of faith (1964) con la discográfica en que debutó y donde continuaba ese sentimiento gospel. Un año más tarde, salió Once in a lifetime, bajo el sello Harmony.

Cuando Aretha abandonó Columbia para fichar por Atlantic, el productor Jerry Wexler se propuso sacarle todo el soul que llevaba dentro. El primer single que grabó dentro de Atlantic fue I never loved a man the way I love you, para lo que contaron con el acompañamiento de The Muscle Shoals, en Alabama, a pesar de que la sesión de grabación del tema se tuvo que finalizar en Nueva York. Este tema ha sido avalado por muchos críticos como una de las grandes canciones del soul, y la revista Rolling Stone escribió: "Franklin ha grabado su versión de la maravilla soul, un lamento sobre qué-mal-me-has-tratado, con los The Muscle Shoals, unos chicos blancos de Alabama". El single irrumpió en todas las radios, pero aún lo harían con mucha más fuerza Respect -versión de un single que Otis Redding había grabado en 1965- con el cual Aretha se consagraba definitivamente. La canción se grabó en los estudios de Atlantic, en Nueva York, el 14 de febrero de 1967. A la versión original de Redding se le añadió un puente y un solo de saxo, de la mano de King Curtis; también se le añadieron los cambios de acordes del tema When something is wrong with my baby, de Sam & Dave.

El 10 de marzo de 1967 se editaba el álbum I never loved a man the way I love you, que contenía los dos singles anteriores, además de temas como la versión de la canción de Ray Charles Drown in my own tears o las canciones de Sam Cooke Good times y A change is gonna come. Pero Aretha también contribuyó a este álbum como compositora, con los temas Don't Let Me Lose This Dream, Baby, Baby, Baby, Save Me y Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business). Ese mismo año, consiguió dos premios Grammy, siendo la segunda mujer en hacerlo. También en 1967 (4 de agosto), editó el disco Aretha arrives, del que se pueden destacar los temas "Satisfaction" y "Baby, I love you". Este segundo álbum en Atlantic alcanzó el número uno, pero no fue tan popular como su predecesor.

En 1968 lanzó Lady soul, con el que volvería a conocer el éxito masivo. El disco contenía éxitos de la música soul como Chain of fools, A natural woman o Ain't no way. También había colaboraciones de Eric Clapton en el tema Good to me as I am to you, temas de Ray Charles Come back baby, James Brown Money won't change you y el clásico de Curtis Mayfield People get ready. En el álbum, colaboraban en los coros de The Sweet Inspirations, compuesto por Doris Troy, Dionne Warwick, su hermana Dee Dee Warwick y la prima de ambas Cissy Houston (madre de Whitney Houston). Seis meses después, se lanzó Aretha now, que continuaba una cadena de éxitos con Think y el popular tema de Burt Bacharach I say a little prayer, y que con anterioridad había interpretado Dionne Warwick. En 1969, el álbum Soul'69 cerraba la década con el éxito de los singles River's invitation y Bring it on home to me.

Discografía De Estudio:

1962 - The Electrifying Aretha Franklin
1967 - I Never Loved A Man The Way I Love You
1967 - Aretha arrives
1968 - Lady soul
1968 - Aretha now
1970 - This girl's in love with you
1971 - Young, gifted and black
1972 - Amazing grace
1973 - Hey Now Hey (The Other Side Of The Sky)
1974 - With Everything I Feel in Me
1974 - Let Me in Your Life
1975 - You
1976 - Sparkle
1978 - Almighty Fire
1982 - Jump to It
1983 - Get It Right'
1985 - Who's Zoomin' Who?
1991 - What you see is what you sweat
1998 - A rose is still a rose
2003 - So damn happy
2007 - Jewels In The Crown: All-Star Duets With The Queen
2007 - A Woman Falling Out of Love